Es de tal manera que surge en la Italia central un movimiento que florece concretamente en la Toscana, en Florencia, a fines del s. XIII, que llevaría el nombre de dolce stil novo. Los stilnovisti propugnan un arte más depurado, con una mayor originalidad y belleza de las imágenes, con un lenguaje poético más refinado y sutil, más intelectualizado, capaz de transcribir los menores matices de la concepción amorosa que lleva aparejados. La dama ya no es la “domina” o señora feudal de los trovadores, sino un prototipo de virtudes humanas, una mujer espiritualizada que se convierte en un símbolo angelical, en la donna angelicata, y su presencia, humilde, serena y honesta, basta para sublimar el pensamiento del enamorado; sólo con su mirada puede conducirle a la perfección y a la virtud. Entonces: ¿quiénes son los más trascendentales escritores stilnovisti? Veamos a algunos de ellos.

 

El iniciador de estas actitudes fue el poeta italiano Guido Cavalcanti (Florencia, Toscana, 1255-1260-id. 1300). Guido Cavalcanti perteneció a una noble familia güelfa -partido político italiano cuyo nombre proviene de un apellido alemán: Welf, duques de Baviera-, pero simpatizaba con el gibelinismo -el otro partido italiano contrario al güelfismo, que toma su nombre del apellido alemán Hohenstaufen, duques de Suabia-. Es por ello que contrajo matrimonio con la hija del jefe gibelino Farinata degli Uberti. En 1292 efectuó una peregrinación a Santiago de Compostela, y, al parecer, durante su estancia en Touluse, Francia, conoció en la iglesia de la Daurade a la dama que llama Mandetta. Debido a sus ideas políticas fue desterrado de su ciudad en junio de 1300 y pasó a Sarzana, en Italia, Liguria, donde contrajo la malaria que le ocasionaría la muerte poco después de su regreso a Florencia. Cavalcanti fue íntimo amigo de Dante, quien le cita muy elogiosamente en diversos pasajes de La vida nueva, la Comedia y De vulgari eloquentia, y le dedica una serie de poemas, entre ellos el famoso soneto Guido, i vorrei… En su época tenía fama de incrédulo y de materialista, y así le presenta Boccacio –Decamerón, 6, 9–, mientras que el cronista e historiador florentino Dino Compagni (Florencia 1255-id. 1324), también amigo de Dante, en su Crónica de las cosas ocurridas en su tiempo, cuadro breve y dramático de la vida florentina a partir de 1280, le define como “cortés y decidido, pero desdeñoso y solitario”.

 

La obra de Guido Cavalcanti abarca 51 poemas, lo que le convierte en uno de los primeros líricos del dolce stil novo. Cavalcanti expuso en sus Canciones las ideas fundamentales de esta escuela erótico-filosófica de poesía. Guido Cavalcanti, algunos años más viejos que Dante y el primero entre los amigos, temperamento afable pero solitario  e inclinado a los estudios, canta el amor con referencia a mujeres determinadas; expresa la nostalgia con realismo punzante. Por otra parte, estuvo atento a disfrutar de todos los goces de la vida. Véase la balada In un boschetto trová pastorella – più che la stella bella al mí parere. Poeta dotado de un gran fervor y un arte habilísimo, expresa en una lengua depurada las primeras sensaciones del amor, y en sus versos todo se matiza con los colores de una belleza serena. La gracia gentil de su amada supera las cosas más puras y deliciosas:

 

Aire sereno cuando nace el alba,

apacible caer de blanca nieve,

ribera y prado en plenitud de flores,

de plata y oro y de azul ornados.

 

Obsérvese, en cada uno de los cuatro versos, la selección y el nexo de las palabras, que son de lo más   sencillas y usadas, pero que –como por un procedimiento mágico– llegan a adquirir una plenitud y un poder insólitos. El mismo elemento lexicológico parece tomar parte en la gloria que el poeta difunde en torno a la mujer amada. Esta fa tremar di chiaritate l’ aere; pero no todo es alegría, y los acentos de dolor se transforman a su vez en visiones  punzantes:

 

Ahora parece que en la mente surge

una figura de mujer pensativa

que viene para ver morir el corazón.

 

Cinco sonetos de su Cancionero están dedicados a Dante; una chanza se endereza a Gianni Alfani, el poeta elegíaco que suspirando canta: “Baladilla doliente, ve mostrando mi llanto, que de dolor me cubre por completo”.

 

Otro poeta italiano que debe ser destacado en este período es Lapo Gianni (fines del s. XIII). Gianni es de sentimiento más variado y sus composiciones tienen un sello personal; ellas presentan rasgos, ora delicados, ora vigorosos:

 

En su rostro angelical y amoroso

veo los bellos ojos y la morena tez…

Pero confía en sus ojos humildes y claros,

y pálida casi de color…

¡Oh muerte, río de lágrimas y llanto!,

¡oh enemiga del canto!…

¡Oh muerte oscura de feo semblante!,

¡oh nave de turbación!

 

Por su parte, el poeta italiano Dino Frescobaldi (Florencia, Toscana, c. 1271-id. c. 1316) es sutil y refinado, exalta a la “piadosa jovencita bella”, y alude a la foresta de’ martiri – di cui Amor cotanto mi favella. En alguna ocasión se ha dicho que este autor del dolce stil novo se ha distinguido por la aspereza del estilo y por la amargura de su inspiración.

 

Cino da Pistoia (Pistoia, Toscana, c. 1270-id. c. 1336), poeta y jurisconsulto insigne, amigo de Dante y de Petrarca, relata con lento esfuerzo de arte, en un extenso Cancionero (más de doscientas poesías), la historia de su amor la bella Selvaggia. Fáltanle a Cino vigor y plasticidad, pero en compensación ofrece como méritos constantes la gracia y la ternura, unidas a una forma elegante y musical. Una corriente de sutil melancolía serpentea por sonetos y baladas como un presentimiento del prematuro fin de la mujer amada, y vela también la gozosa realidad del amor:

 

Hermosa joven, luz de mi corazón

¿por qué me ocultas el amoroso rostro?

Sabes que tu dulce sonrisa

y tus ojos me hacen sentir amor.

 

Siento en el corazón tanta dulzura

cuando te tengo delante

que descubro lo que de ti dice Amor

Pero cuando estoy privado de tu belleza

y de tu hermoso semblante

siento un dolor que nunca me abandona.

 

Por esto pidiendo voy por tu persona

deseoso de esa clara luz

que siempre me conduce

sujeto fiel de tu resplandor.

 

Cino comienza frecuentemente sus poesías con un verso interrogativo:

 

Señora mía, ¿visteis anteayer

la persona gentil que hoy me mata…?

 

¿Cómo no está aquí en esta fiesta.

damas gentiles, aquella cara hermosa?

 

¿No os dais cuenta, señora, que uno muere

y va llorando, tanto se desconsuela?

 

La pregunta trata, ciertamente, de acentuar la vivacidad de la expresión.

 

Cino lloró la muerte de Dante. A su vez, él será llorado por Petrarca.

 

La escuela del dolce stil novo tuvo su total apogeo en la Toscana. Fuera de la Toscana sólo tuvo unos pocos representantes, entre los cuales cabe destacar a Guido Novello († Bolonia 1310). Este escritor gobernó a Ravena entre 1316-1330, ofreció a Dante en 1321 una generosa hospitalidad cuando éste fue desterrado y, finalmente, organizó unos magníficos funerales a la muerte de Alighieri.

 

IV. EL SIGLO XIV ITALIANO: EL SIGLO DE LOS 3 TOSCANOS. GENERALIDADES EN TORNO A LAS VIDAS Y LAS OBRAS DE:

 

1. DANTE  ALIGHIERI (FLORENCIA, TOSCANA, 1265-RAVENA, EMILIA ROMAÑA, 1321).

 

2. FRANCESCO PETRARCA (AREZZO, TOSCANA, 1304-ARQUA, PADUA, VÉNETO, 1374). EL PETRARQUISMO.

 

3. GIOVANNI BOCCACIO (CERTALDO, TOSCANA, 1313-ID. 1375).

 

Como hemos comentado en otras conferencias, hablar de Italia implica el hacer referencia a cuatro historias y no una. Hablar de la historia de Italia es hablar de:

 

1.            La historia de los romanos.

 

2.            La edad media italiana, en donde la Iglesia italiana, el papa, lucha contra el imperio germano por la supremacía en Europa.

 

3.            El despertar del pueblo italiano a la poesía, al arte, a la alegría de vivir.

 

4.            El despertar del pueblo italiano en lo tocante a la vida nacional y a la unidad política.

 

Todas estas etapas de la historia de Italia, sumadas, han conformado lo que es la Italia de hoy.

 

En lo tocante a la historia de la literatura italiana, como ya hemos visto, ésta puede dividirse en siete  períodos:

 

1.            Tiempos anteriores al siglo XIV.

 

2.            Siglo XIV. Primera edad de oro.

 

3.            Siglo XV. Edad de la erudición y de la cultura clásica.

 

4.            Siglo XVI. Renacimiento. Segunda edad de oro.

 

5.            Siglos XVII y XVIII. Decadencia e imitación de lo extranjero.

 

6.            Siglo XIX.

 

7.            Siglo XX y XXI.

 

De todos estos períodos se destacan, evidentemente, dos: el siglo XIV, la primera edad de oro de la literatura italiana, y el siglo XVI, el Renacimiento, la segunda edad de oro de la literatura italiana.

 

El siglo XIV representa un gran momento para la literatura no solamente de Italia, sino más aún, para toda la literatura universal. En este siglo XIV aparece en Italia la primera edad de oro (Sainz de Robles 1972:669) de la literatura italiana. Este siglo lo llenan las figuras de Dante, Petrarca y Boccacio, nacidos los tres en la Toscana; de ahí que se llame a este siglo XIV italiano el siglo de los tres toscanos.

 

Para tener una mejor idea del panorama cultural de los tres toscanos, veamos un poco la Florencia del s. XIV.

 

Florencia es en italiano Firenze. Florencia es hoy la capital de Toscana. Posee unos 450 000 habitantes. Está situada en la parte E de una vasta llanura de fondo plano, llamada cuenca de Florencia. Por Florencia corre un río de violentas crecidas llamado Arno. En la Florencia de hoy hay mucha actividad industrial, mucha artesanía y, por supuesto, mucho turismo. Florencia nació de una antiquísima ciudad etrusca. Etruria era una región antigua de Italia que en estos momentos corresponde a grandes rasgos a Toscana. Los etruscos aparecieron en Toscana para el siglo VIII a. C. Los etruscos hablaban etrusco, que es una lengua sin parentesco conocido. Todo parece indicar que esta lengua se extinguió a principios de la era cristiana. Los etruscos tenían una amplia literatura y tenían escritura. El alfabeto etrusco fue tomado del griego,  y se sabe que fue una cultura muy importante porque el historiador romano Tito Livio (Padua 64 ó 59 a. C.-Roma 17 d. C.) asegura que en la época republicana los estudiantes romanos iban a estudiar humanidades a Caere o Cerveteri, ciudad ubicada en el Lacio, junto al mar Tirreno, una de las principales ciudades etruscas. Recordemos que las lenguas indoeuropeas de la antigua Italia se escribían, como el latín, en alfabetos derivados del etrusco, derivado a su vez de uno de los alfabetos griegos. El alfabeto etrusco se adaptó al latín para el s. VII a. C.

 

Florencia fue siempre una ciudad con mucha riqueza agrícola, por lo que eclipsó a otras ciudades ubicadas en su entorno. Cuando Dante nació (1265), estaban en el poder en Florencia los gibelinos; pero ya para el 1268, cuando Dante tenía 3 años, la ciudad había pasado a manos del güelfos. Para finales del s. XIII ya Florencia era la principal ciudad de Toscana. Esta ciudad era una de las más activas de toda Italia. Los negocios estaban en manos de un centenar de empresas, de base familiar, que poseían sucursales en toda Europa occidental. Las compañías más antiguas estaban enfrascadas en la querella de los blancos y los negros (1300-1302), división que se había producido entre los güelfos. Recordemos que Dante perteneció a los blancos, a los güelfos moderados.

 

Para el siglo XIV los florentinos compraban paños en Francia, los acababan, los tenían, sobre todo de escarlata, y los vendían con grandes beneficios, ya que eran considerados como los mejores del mundo. Otros compraban lana en Inglaterra y fabricaban tejidos ordinarios. Los médicos y boticarios de la Florencia de entonces traían las especias de Oriente. Ahora bien, sin duda alguna la actividad económica más importante de la Florencia del s. XIV fue el manejo del dinero. Los florentinos, empleando sus beneficios propios, pero sobre todo los depósitos de los particulares, organizaron el préstamo a gran escala, especialmente el préstamo a los soberanos. De aquí que imaginemos en mundo tan movido y desarrollado que le tocó vivir a los tres grandes toscanos.

 

El siglo XIV recoge en Italia a los tres hombres más célebres de la literatura de este período, pero ellos no fueron los únicos. Dante, Petrarca y Boccacio, consagrados como clásicos en vida, fueron investidos en los siglos posteriores del prestigio doblemente mítico de la originalidad y la perfección. Los tres grandes toscanos del siglo XIV se convirtieron  en modelos y fueron el factor más poderoso  de unificación de la lengua y la literatura italianas.

 

La trascendencia de las obras maestras de estos tres escritores confinó a la mayor parte de los autores de este siglo a la mera imitación. No obstante, hubo algunos escritores contemporáneos de estos tres genios que son dignos de destacar. Uno de ellos es Giovanni Sercambi (Escritor y político. Lucca, Toscana, 1347-id.1424). Este hombre fue autor de una colección de cuentos, unos 100 ó 150 según diferentes datos, que guardan cierto parecido con el Decamerón, y constituyen una curiosa historia de las tradiciones populares locales. Otro es Ser Giovanni Fiorentino (s. XIV), autor de una colección de 50 novelas cortas, intitulada El bobalicón (c. 1378), que pretende imitar el Decamerón. Se destaca también Franco Sacchetti (Escritor, comerciante, político. Ragusa, Sicilia, c. 1332-San Miniato, Toscana, 1400), quien al final de su vida compuso una colección de cuentos llamados Trecentonovelle, que trata sobre la sociedad de su tiempo, especialmente en torno a la clase media. Tenemos que destacar que esta obra es de sumo interés documental. Esta colección, de 300 cuentos, escritos entre 1385 y 1397, de los que únicamente se han conservado 223, se caracteriza por la vivacidad de los diálogos y por la sencillez del estilo. Giovanni Villani (Cronista, constructor y profesor. Florencia c. 1280-†1348), por su parte, escribió una Crónica de Florencia –Nuova crónica-, en 12 volúmenes, desde sus orígenes míticos hasta 1346. Esta obra fue continuada por su hermano Mateo, hasta 1363 y, más tarde, el hijo de éste, Filippo, la continuó. Dino Compagni (Historiador. Florencia 1255-id. 1324), amigo de Dante, también miembro de los güelfos blancos, escribió una Crónica de las cosas ocurridas en su tiempo, donde se esboza un cuadro breve y dramático de la vida florentina a partir de 1280. Para este período apareció en Italia una rica literatura religiosa que contribuyó ampliamente al refinamiento de la lengua vulgar.

 

1. Dante  Alighieri.

 

Dante Alighieri (Florencia, Toscana, 1265-Ravena, Emilia Romaña, 1321), es el escritor más trascendental del s. XIV italiano. A Dante le debe Italia no sólo la lengua, sino también el sentimiento de lo justo y lo exacto de la belleza que se percibe en la poesía italiana, cosa que no se encuentra en los demás países europeos hasta mucho más tarde.

 

Dante fue hijo de Alighiero de Bellincione y de una dama llamada Bella. La familia de Dante fue muy mencionada en la historia de Florencia debido a que pertenecía a la burguesía güelfa. El mismo Dante se vanagloria de su origen noble en el Paraíso (cantos XV y XVI), donde evoca la figura de su antepasado Cacciaguida, que fue armado caballero por el emperador Conrado III de Suabia (1093-1152). De la niñez y la adolescencia de Dante se sabe muy poco. Antes de 1278 su madre había muerto. Dante estudió en la universidad de Bolonia, donde, tal parece, llevó una vida un tanto disipada. Contrajo matrimonio con Gemma di Manetto Donati, de la que tuvo 4 hijos. A partir de 1295 comenzó a tomar parte en la vida pública de Florencia: miembro del consejo especial del pueblo (1295-1296) y, posteriormente, del consejo que elegía a los priores. De 1296 a 1297 fue miembro del Consejo de los Ciento. En 1300 fue designado como embajador de San Gimignano (región de Italia, en Toscana) para organizar la lucha de los güelfos de la Toscana contra las intrigas del papa Bonifacio VIII (Anagni, Lacio, c. 1235-Roma 1303), y, en octubre de 1301, marchó a Roma para  ofrecer la paz al pontífice. A fines de 1301 los güelfos del partido negro triunfaron en Florencia y los güelfos del partido blanco fueron desterrados. De tal manera, Dante, que era del partido güelfo blanco, fue condenado a multa, expropiación y exilio. Luego vino una segunda sentencia que le condenaba a ser quemado vivo en el caso en que se le encontrase en Florencia. Desde este momento comenzó para Dante una vida errante. Finalmente, tras su paso por Lucca -Toscana- y Verona -Véneto-, fue generosamente acogido en Ravena por Guido Novello da Polenta, y en esta ciudad murió el 14 de septiembre de 1321, al regreso de una embajada en Venecia. Ni aun muerto le abandonó el odio de sus enemigos. En 1329, el cardenal Bertrand  du Poyet, legado del papa Juan XXI (Lisboa  c. 1220-Viterbo 1277), quiso que los restos del gran poeta fueran quemados, considerándolo reo de herejía. Pero cuando  se abrió la caja que debió contenerlos, ésta estaba vacía: sus amigos habían retirado sus restos, que, más tarde, fueron depositados en el sepulcro que le había erigido la ciudad de Ravena. No fue sino hasta muchos años después de su muerte cuando se levantó la pena de destierro, cuando ya el mundo entero lo había reconocido como el hijo más preclaro de Florencia y el primero entre todos los poetas italianos. El papa León X (Florencia 1475-Roma 1521) intentó que los restos de Dante fueran trasladados a su ciudad natal, como un acto de reparación por las injusticias de que el poeta había sido víctima en vida por el fanatismo de sus predecesores; pero no pudo lograrlo. Dante había dispuesto en su testamento que sus despojos no debían descansar en su ingrata patria […] Como he planteado en http://knol.google.com/k/fernando-antonio-ruano-faxas/introducci%C3%B3n-en-la-ling%C3%BC%C3%ADstica-panorama/19j6x763f3uf8/55# , adelantándose a su época, Dante Alighieri, en su De vulgari eloquentia, consideraba las lenguas de si, de oc y de oil[14] como integrantes de un mismo grupo, en tanto que con una exactitud notable distinguió catorce formas de dialectos italianos. A Dante se le puede atribuir el haber instituido el estudio serio de las lenguas neolatinas –romances–con esta obra que escribió a principios del siglo XIV, en la que elogió la importancia de las lenguas habladas, aprendidas inconscientemente desde la niñez, frente al latín escrito aprendido conscientemente como lengua segunda por medio de las reglas gramaticales. Dante alabó y defendió el cultivo de una lengua italiana vernácula común para todos y que sirviera para unificar la península de Italia, como habían hecho ya las cortes reales centralistas de otros pueblos.[15] Es de tal manera que los romanistas de hoy pueden ver en él a un ilustre precursor […] 

Dante escribió en latín y en italiano.

 

Su obra en lengua latina está compuesta de los siguientes libros:

 

1. De la lengua vulgar. Opúsculo -obra impresa de poca extensión-, escrito entre 1304 y 1307, en el que se analiza el mosaico de dialectos que en esta época se hablan en Italia, con objeto de obtener una lengua común, más apta para la expresión literaria, que pudiese rivalizar dignamente con el latín. Desgraciadamente, de esta interesante obra sólo queda un fragmento. Su penetrante sentido lleva al poeta desde el primer momento al examen de los problemas fundamentales sobre la naturaleza y el origen de la lengua, y también reconoce ya el estrecho parentesco que une a las lenguas romances o románicas. En esta obra es donde se expone por primera vez la necesidad de educar y ennoblecer la lengua y la poesía italiana por medio de la exclusión  de los dialectos, la consolidación de la Gramática, la neta diferenciación de los géneros poéticos y de las clases de estilo y la imitación consciente  de los antiguos. El tratado constituye, además, la fuente más importante para el conocimiento de las más antiguas formas líricas.

 

2. La monarchia. Escrita entre 1310 y 1314. Este es un tratado político que refleja la crisis ideológica del poeta, que de güelfo blanco o moderado había pasado a ardiente partidario del gibelinismo: la salvación de Italia consistiría en la constitución de un imperio independiente de la autoridad papal.

 

3. Églogas. Son 2, y están compuestas en Ravena en 1319 ó 1320, de imitación virgiliana. Están dirigidas al latinista boloñés Giovanni del Virgilio, quien le había invitado a abandonar la lengua vulgar por el latín.

 

4. Disputa sobre el agua y la tierra (Questio de aqua et terra). Tratado de física compuesto en Verona, y de cuya autenticidad se dudó hasta 1907.

 

5. Epístolas. Las epístolas son composiciones poéticas en forma de carta, cuyo fin es moralizar, instruir o satirizar. Son 13 las que se conservan. Se sabe que Dante debió escribir más. En una de ellas, en la dirigida a su antiguo protector Can Grande della Scala, Dante hace una serie de comentarios sobre la comedia.

 

En lengua italiana se conservan las siguientes obras:

 

1. El banquete. Tratado filosófico, escrito hacia 1307, que consiste en una serie de glosas a diversas composiciones poéticas.

 

2. Rimas o Cancioneros. Recopilación de la obra poética de Dante, hecha después de su muerte. Aquí están los poemas de la Vida Nueva.

 

3. Divina comedia. Esta es una síntesis grandiosa, a un tiempo apasionadísima y equilibrada, del cristianismo y de la cultura clásica, de la teología, la poesía y la política, del realismo más terreno y de la espiritualidad más elevada. Esta obra aparece como un intento de una magnitud abrumadora, al servicio del cual se ponen unas excepcionales dotes políticas. La redacción de esta obra se inició probablemente  hacia el año 1304 y se terminó en 1321, poco antes de la muerte de Dante. Este documento se reprodujo en numerosos manuscritos y se imprimió por primera vez en 1472. Desde entonces ha conocido innumerables ediciones.

 

La obra de Dante no puede considerarse exclusivamente al nivel de la literatura artística. Dante también se considera en los estudios de crítica literaria. Dante no sólo es un escritor, sino también un analista de la literatura.

 

Todo parece indicar que Dante es el único crítico de la Edad Media digno de considerar en un panorama de la crítica. Para los historiadores de la crítica la Edad Media sigue siendo un periodo de oscuridad. A partir de la época de San Agustín un buen número de personas consideró que la lectura de los clásicos literarios era una  pérdida de tiempo, cuando no un verdadero peligro para el alma inmortal. Dante prácticamente no sabía nada de la crítica clásica. Véase para este tema la carta de Dante al Can Grande Della Scala, al parecer enviada a este gran señor como una introducción al Paraíso. Aquí Dante emplea términos de la Filosofía Escolástica, y no el vocabulario clásico; es decir, es una crítica ajena al vocabulario clásico. Su crítica va mucho al grano. El dice, por ejemplo, que su comedia es polisémica; es decir, que tiene muchos sentidos. Aquí se habla de De la lengua vulgar. Dante aceptó al hebreo como la mejor lengua. Mucha de la modernidad de Dante procede de la ignorancia que tenía respecto de la literatura clásica. Así, Dante está más cerca de nosotros que los mismos críticos del Renacimiento, aunque éstos tuvieran mayor erudición en lo tocante a este tema. En De la lengua vulgar  Dante hace de lado en gran medida la cuestión de los géneros, que tanto dominó a la crítica clásica, y se dedica al lenguaje y al estilo, que son el interés principal de los poetas modernos. Por este motivo se puede considerar a Dante el primer crítico moderno.

 

Parece que la primera edición de las obras completas de Dante en lengua española se realizó en 1956, en Madrid.

  

2. Francesco Petrarca.

 

Francesco Petrarca (Arezzo, Toscana, 1304-Arqua, Padua, Véneto, 1374) fue un célebre poeta y humanista italiano. Petrarca no nació en Florencia porque su padre, Petracco di Parenzo, prácticamente acabado de casar con la madre de Francesco, Eletta Canigiani, fue desterrado de Florencia  en 1302, por disensiones personales con algunos miembros  prominentes del partido güelfo “negro”. De aquí que Francesco naciera en Arezzo, en el exilio, y pasara su niñez en L’Incisa, Pisa, en la Toscana, y, desde 1312, en Aviñón, que hoy es la capital del departamento francés de Vauclause, y en Carpentras, que también es hoy una ciudad de Vauclause. Petrarca descendía de una distinguida familia de Florencia, cuyos varones habían ocupado importantes puestos. Cursó leyes, sin llegar a graduarse. Casó con una señora de nombre desconocido, de cuyo matrimonio nacieron dos hijos: Giovanni y Francesca.

 

El nombre de Petrarca está muy ligado al de Laura, dama provenzal celebrada por Petrarca en su Cancionero, dedicado íntegramente a ella. El poeta la encontró por primera vez el 6 de abril de 1327, lunes de Pasión, en una misa matinal en la Iglesia de Santa Clara de Aviñón. El amor que le declaró a continuación no recibió su recompensa; la dama rechazó a Petrarca, que, sin embargo, la inmortalizó en su obra, según la cual nunca dejó de amarla. Cuando Laura murió, víctima de la peste, el 6 de abril de 1348, aniversario de su nacimiento, Petrarca escribió en su manuscrito de Virgilio, actualmente conservado en la biblioteca Ambrosiana de Milán, una breve oración fúnebre. Los historiadores la identifican con Laura de Noves, quien en 1325, a los 18 años de edad, casó con Hugues de Sade. Otros piensan que la Laura de Petrarca no fue ésta, sino una mujer casada, con quien tuvo el poeta una amistad más respetuosa que íntima.

 

Petrarca murió en Arqua, muy debilitado y consumido por la fiebre, en donde uno de sus servidores le encontró muerto el 18 de julio de 1374, con la cabeza apoyada en un libro.

 

¿En qué lugar ubicamos a Petrarca en la literatura? Petrarca es, sin duda alguna, el insuperable poeta del amor, pero también es el célebre humanista y uno de los iniciadores del Renacimiento. Su buen gusto natural le llevó a saborear  las bellezas de Virgilio (Poeta latino. Andes, actual Pietole, cerca de Mantua, c. 70 a. C.-Brindisi 19 a. C.) y Marco Tulio Cicerón (Orador, político y filósofo romano. Arpino 106 a. C.-Formies 43 a. C.), y supo comunicar a sus contemporáneos el entusiasmo que sentía por los tiempos clásicos, entusiasmo que era sólo literario, sino también histórico. Consideró que la lengua latina era la verdadera lengua de Italia. Durante toda su vida no cesó de buscar y hacer buscar a sus amigos los manuscritos de las obras antiguas, aprovechando para ello sus muchos viajes. No contento con las copias que se hacían por orden suya, él mismo se dedicó a reproducir los manuscritos clásicos anotándolos, consiguiendo, a fuerza de trabajos, reunir una colección de unos 200 volúmenes. Sentía no haber vivido en otra época, con los grandes hombres de la antigüedad, de los tiempos de César y Augusto, a cuya época se trasladaba con la imaginación, y a cuyos hombres dirigía largas epístolas como si pudiesen leerlas  y fuesen familiares suyos. Su culto por los latinos le llevó a estudiar los autores griegos, aunque no los admirase en igual grado, y si no logró adquirir más que un conocimiento insuficiente de la lengua griega, tuvo la gloria de hacer ejecutar la primera traducción latina de Homero, revelándola así al mundo moderno. Por los autores cristianos no sintió gran estima, excepción hecha de san Agustín (Doctor de la Iglesia latina. Tagaste, Numidia, actual Suq Ahras, lo que hoy es una pequeña parte de la Argelia del N, casi en la costa del Mediterráneo, 354-Hipona, Numidia, 430. De padre pagano y madre cristiana), y lo mismo sucedió con los autores modernos, el Dante inclusive.

 

Petrarca escribió en latín y en italiano.

 

Obras en lengua latina.

 

Para rendir homenaje a la antigüedad latina y con el deseo de darla a conocer, emprendió las dos obras que, según su opinión, eran sus mejores títulos a la gloria: el poema Africa y la obra De viris ilustratibus.

 

El poema Africa fue empezado en 1338 en Vauclause y terminado rápidamente en Parma de 1341 a 1342, añadiendo en 1343 el final con las lamentaciones por la muerte del rey Roberto el Prudente[3]. Comprende 9 libros, con una gran laguna, lo menos de 2 libros, entre el 4 y el 5, partes que debieron perderse, porque en su epístola Ad posteros afirma haber terminado el poema. Su objeto fue escribir una epopeya de su patria comparable a la Eneida y a la Farsalia (También llamada Guerra Civil. Epopeya inacabada de Lucano [Poeta latino de origen hispano. Córdoba 39 d. C.-Roma 65 d. C. Nieto de Séneca el Retórico. Amigo de Nerón. Se suicidó. De su obra sólo se conserva la Farsalia], en 10 cantos, escrita para el 60 d. C., dedicada a la guerra civil que enfrentó a Cayo Julio César (Roma 100 ó 101 a. D.-id. 44 a. C.) y a Pompeyo (106 a. C.-Pelusium, Pelusio o Pelusa, Egipto, 48 a. C.). Obra de brillante reputación en la antigüedad  y de un prestigio extraordinario en la edad media, cuando los poetas latinos permanecían olvidados. En España influyó en Alfonso X el Sabio (Rey de Castilla y de León [1252-1284], Toledo 1221-Sevilla 1284), quien además la utilizó como fuente histórica), celebrando, al par que el héroe más virtuoso de la antigua Roma, el episodio más hondamente épico de su historia: Escipión el Africano (General romano. 235 a. C.-Liternum, Campania, 183 a. C.) y la segunda guerra púnica con la derrota completa de Cartago. Valiéndose el poeta de sueños y predicciones, consigue que forme parte de su poema casi toda la historia romana. El héroe es tan perfecto que no interesa al lector, pero no por ello está el poema desprovisto de valor poético, siendo un himno entusiasta a la grandeza pasada y una elocuente lamentación de los males presentes, consiguiendo triunfar por completo en ciertos episodios de carácter lírico, al describir los amores de Sofonisba (o Sofonisbe. Reina de Numidia. Cartago 235 a. C.-† 203 a.C. Su padre, Asdrúbal, le inculcó el odio a Roma. Estaba prometida a Masinisa, pero casó con Sifax. Al ser tomada Cirta, antigua ciudad de Numidia, en cuyas inmediaciones Masinisa hizo prisionero a Sifax en el 203 a. C.,   cayó en manos de los romanos y de Masinisa, quien casó con ella) y Masinisa (Rey de los númidas. C. 238 a. C.-Cirta 148 a. C. Para conquistar el reino de su padre, en poder de Sifax, rey de los masesilios, se alió con los romanos e hizo prisionero a Sifax [203], con cuya mujer, Safonisba, se casó), para lo cual no tenía que acudir a los libros como al describir sentimientos guerreros, sino profundizar en su propio corazón.

 

El libro De viris ilustratibus, que en el pensamiento del autor debía completar su poema Africa, fue empezado hacia 1340, y contiene biografías de los hombres célebres de la antigüedad, especialmente romanos. Esta obra no fue terminada, como tampoco lo fue el Epitome que empezó por instigación de Francisco de Carrara, a quien había dedicado la obra principal.

 

La preocupación moral que se exterioriza ya en De viris ilustratibus domina por completo en Rerum memorandarum o mirabilium, obra escrita en 1344-1345 a imitación de los Hechos y dichos memorables de Valerio Máximo (Escritor romano. S. I a. C.-s. I d. C. Dejó 9 libros de Hechos y dichos memorables dedicados al emperador Tiberio, que formaban un manual donde filósofos y retóricos hallaban numerosas anécdotas morales, clasificadas por géneros, sin valor histórico, pero extraídas de los historiadores latinos y griegos), y en la que el autor se proponía tratar de las cuatro virtudes cardinales , aunque no llegó a agotar todo lo que tenía que decir acerca de la prudencia, siendo presentados los preceptos por medio de ejemplos. Esta preocupación moral se convierte con la edad en una especie de ascetismo, nota culminante de las obras en prosa que nos quedan por examinar.

 

En De contemptu mundi o Secretum, la más antigua de todas ellas (1342), cuyo principio es una imitación de la Consolatio o Consolación de la Filosofía, de Boecio (Político, filósofo y poeta latino. Roma c. 480 d. C.-† 524 d. C.), se manifiesta muy viva la lucha entre las pasiones humanas y el ideal cristiano. Se compone de tres diálogos con san Agustín, en que el santo reprocha al poeta su vanidad, su ambición y el amor que siente por Laura. Estas confesiones, quizás no tan sinceras como el autor pretende, tienen, no obstante, gran valor porque dan a conocer su carácter y proporcionan interesantes datos biográficos.

 

En Vauclause empezó en 1346 el libro De vita solitaria, que terminó 10 años más tarde, y en donde establece el paralelo entre el hombre que pasa la vida en la ciudad entregado a ocupaciones fútiles o inconfesables y el solitario que vive en el campo entregado a la contemplación de la naturaleza y a la meditación de las verdades religiosas.

 

Una visita que hizo a su hermano Gerardo, que había ingresado en el convento de Montrieu, en Provenza, dio origen a una larga carta titulada De otio religiosorum, en donde hace el elogio, no sólo de la vida dedicada al retiro y al estudio, sino de la vida monástica. Este tratado, como el anterior, no fue terminado hasta después de 1356, puesto que en él se hace alusión a la batalla de Poitiers.

 

En De vera sapientia trata de demostrar que la verdadera ciencia viene a nosotros por conducto de la fe.

 

Lo más interesante en las obras latinas en prosa de Petrarca es lo que el autor ha puesto de personal, y este elemento, que apenas se nota en los tres últimos tratados, falta casi por completo en el De remedis utriusque fortunae (escrito en 1360-1366), en donde el autor nos da a conocer en el primer libro los remedios contra la prosperidad, y en el segundo contra la adversidad; cada libro se divide en un gran número de breves diálogos entre personajes alegóricos. La forma es monótona y no lo es menos el fondo, pues el mismo tono emplea para consolarnos de la muerte de los seres queridos, que de las molestias que nos pueden causar las ratas.

 

Las otras obras latinas de Petrarca son las siguientes:

 

1.            Itinerarium  Syriacum, tratadito de geografía histórica y descriptiva escrito para un amigo que se disponía a visitar Tierra Santa.

 

2.            De sui ipsius et multorum aliorum ignorantia (1360), violento escrito contra unos jóvenes que le habían calificado de virum bonum sine literis.

 

3.            Contra medicum quemdam invectivarum libri (1355), en donde manifiesta sus sentimientos de desconfianza que los médicos le inspiraban, y

 

4.            Contra cujusdam anonymi Galli calumnias apologia (1372), en que contesta  a Juan de Flesdin, que trató de refutar la carta en que felicitaba a Urbano V (Beato. Papa [1362-1370]. 1310-1370) por su regreso a Roma.

 

Otras de las obras de Petrarca, sus cartas latinas, tienen gran valor biográfico, no sólo porque tratan la misma vida del autor, sino también porque se refieren a otros contemporáneos suyos. En éstas, además, se hace referencia a numerosas noticias relativas a las corrientes intelectuales de su época. Estas cartas fueron divididas por el mismo Petrarca en dos grupos:

 

1.            Rerum familiarum liber, que comprende en 24 libros las cartas escritas de 1326 a 1359.

 

2.            Rerum senilium liber, en 17 libros, que encierra las escritas posteriormente.

 

Además, hay un libro de Varia (1335-1373), obra de sine titulo, relativa a la corrupción de la Iglesia, y por eso mismo el autor creyó prudente no dar a conocer los nombres de los destinatarios, y una larga carta Ad posteros, que es una autobiografía incompleta.

 

Las obras latinas en verso, además de Africa, de la que hablamos antes, consisten en 12 églogas (composición poética del género bucólico, en la cual se introducen, generalmente, pastores que dialogan acerca de sus afectos y de la vida campestre) y tres libros de epístolas (carta misiva que se escribe a los ausentes. Composición poética en forma de carta cuyo fin es moralizar, instruir o satirizar). Las primeras se llaman Bucolicum Carmen, y fueron empezadas  durante el verano de 1346 y no terminadas antes de 1356, porque la última se refiere  a la batalla de Poitiers. Se refieren, por lo general, a hechos históricos o de la vida del poeta. Son imitaciones de las Bucólicas, de Virgilio, pero extendiendo ya el disfraz de pastor a toda clase de personajes. Además, el sentido alegórico es tan complicado, que resultan muchas de ellas un verdadero acertijo; obscuridad que, según el autor, era condición precisa del género, pues “cuando el mismo autor, dice Petrarca, no da una explicación del sentido, éste quizá podrá ser adivinado, pero no comprendido”. Entre ellas debemos citar por su valor estético la IX, que es un lamento sobre la tumba de Laura, y la VIII, que describe su tristeza al separarse del cardenal  Colonna para ir a Roma a reunirse con Rienzi.

 

Sus epístolas en verso, escritas en épocas muy diversas, contiene  relatos de sucesos de la vida del poeta y discusiones morales, políticas y literarias; todo ello de gran valor biográfico. La más bella de todas es la VII del libro I, en que describe las angustias que le produce su amor a la dama que ha celebrado en sus versos.

 

Los versos y las prosas latinas de Petrarca, que según el autor eran sus  únicas obras dignas de llegar a la posteridad, “no han sido verdaderamente entendidos y gustados –dice Menéndez y Pelayo–, más que en nuestros días, en que nos cuidamos menos del primor y tersura de las palabras y mucho más de las revelaciones hondas que aquellos escritos encierran  sobre el alma del gran hombre, sobre aquel mundo de pensamientos y afectos discordes que en su mente y en su corazón batallaban, y sobre aquella sociedad tan interesante y rica de contrastes, apóstol de paz y de cultura, indignado flagelador de la espantosa corrupción de su siglo, consejero poco escuchado a veces, pero respetado siempre, de príncipes y pueblos, dictador intelectual en el más noble sentido de la palabra”.

 

Obras en lengua italiana.

 

Sus poesías en lengua vulgar, que no coleccionó hasta muy tarde, que calificó desdeñosamente y que a veces afectaba despreciar, eran para él un medio de consolarse de sus penas; a pesar de ello, no se cansó nunca de pulirlas y perfeccionarlas “con un arte tan refinado y peregrino –dice Menéndez y Pelayo– que en Italia no sido superado jamás y queda como eterno modelo de gracia melodiosa, de mórbida ternura y suavidad inenarrable, que no puede entender quien no lo haya probado… En su lengua nativa, Petrarca fue un clásico desde que empezaron a divulgarse sus versos: su estilo era la perfección misma del ritmo italiano… Lo que debe a sus precursores en lengua vulgar, a los maestros del dolce stil novo, es más ocasional que substancial, y no es, por cierto, lo mejor de su manera. Quizá, por lo que conserva de la lírica medieval, Petrarca no es un poeta estéticamente perfecto, aunque sea un adorable poeta. La afectación retórica, la antítesis fría, los conceptos alambicados, los insulsos juegos de palabras desvirtúan bastantes lugares del Canzonieri y pueden considerarse, a lo menos en parte, como herencia de las escuelas anteriores. Lo que hay de vivo y de perenne en las rimas de Petrarca, lo que le ha puesto a la cabeza de todos los poetas del amor en la literatura moderna, son las perlas que sacó del fondo de su alma y engastó con arte suprema en el anillo de su rica, pero ingenua cultura…; es riquísimo el contenido psicológico de las rimas del cantor de Laura, el cual mostró con su ejemplo que toda alma individual puede tener su historia; que en cada hora de la vida más sencilla puede desarrollarse un poema; que cualquier pequeño e íntimo acontecimiento que conmueve el pecho humano puede tener su eco en la lírica… Las descripciones de Petrarca, tan imitadas y profanadas luego por la turba servil de sus discípulos, tienen en su libro un verdadero y primaveral encanto. La imagen gentilísima de Laura parece desprendida de una tabla de Giotto. La naturaleza que la circunda está como penetrada del rayo de su belleza, y la sirve y la acaricia con lluvia de flores y son rumor de fuentes. Petrarca tiene la visión  neta, luminosa y precisa del mundo exterior… Hasta los defectos de su carácter le predestinaban para ser inmortal, y aun pudiéramos decir único en su línea. Cierta vanidad enfermiza que continuamente le inducía a hablar de sí y a perseguir ansiosamente la misma gloria que otras veces, de buena fe sin duda, parecía como que desdeñaba, lo llevó a escudriñar con cierta delectación morbosa mezclada de angustia los más ocultos repliegues de su alma, y a convertir al mundo entero en confidente de sus cuitas, dolores y contradicciones. Un  alma humana, y sin duda de las más selectas, a quien sus mismas debilidades hacen simpática, se reveló plenamente en sus versos, los cuales iniciaron al mundo no sólo en un género nuevo de poesía, sino en un modo nuevo de sentir. Y como en el alma de Petrarca trababan lucha el hombre viejo y el nuevo, la pasión y el deber, lo sensible y lo ideal, el naturalismo y el ascetismo, y esta discordia interior fue en su vida una fuente inagotable de placer amargo y de dulce tristeza, Petrarca, agitador y consolador de tantas almas, encontró antes que ninguno la expresión suave y cadenciosa, pero a veces intensamente elegíaca, de la melancolía romántica, que se ceba en sí misma con doloroso deleite y complacencia.

 

Respecto del Cancionero, debemos decir que el manuscrito autógrafo del Canzonieri, encontrado a fines del s. XIX por Nolhac y Appel, se compone de 317 sonetos, 29 canciones, 7 baladas, 4 madrigales y 5 sextinas, y se divide en dos partes: In vita di Madona Laura, en donde se distinguen el soneto Solo e pensoso, la canción XI: Chiore, freiche e doler acque; la XIII: Di pensier in pensier, di monte in monte, y las célebres canciones  a los ojos de Laura; y la segunda parte titulada In morte di Madona Laura, en donde se encuentra el hermoso soneto Levommi il mio pensier, las canciones Che debbio far?, Che mi consigli, amore? y Quando il soave mio fido conforto, y la preciosa canción a la Virgen.

 

En lo tocante al poema de los Triunfi, hay que destacar que ésta es la última obra de Petrarca en lengua vulgar, empezado en 1357 y no terminado todavía en 1373. Su concepto fundamental es el siguiente: el hombre en la vida terrenal se deja dominar por el amor, del que se libra por la virtud de la castidad; al llegar la muerte sobrevive por su nombre, que el tiempo borra y a éste sólo le vence la divinidad, que es el último fin del hombre. Así, el Amor triunfa al hombre, la Castidad al Amor, la Muerte a la Castidad, la Fama a la Muerte, el Tiempo a la Fama, y la Divinidad al Tiempo. El poema, escrito en tercetos, nos recuerda a Dante, pero sin la vida intensa de las creaciones de éste; lo más sobresaliente es la parte lírica y, sobre todo, la descripción de la muerte de Laura en el Trionfo delle Morte.

 

La Historia de Valter y Griselda. Hay que notar que una de las más celebradas novelas de Boccacio, De obedientia ac fide uxoria, que es la última del Decamerón, y es una historia moral y ejemplarísima como pocas, fue traslada por Petrarca del italiano vulgar al latín clásico, no sabemos con qué intento. La versión de Petrarca fue popularizándose mucho en todos los pueblos de raza latina, no sólo en su mismo siglo, sino en los subsiguientes. Bernardo Mete, el célebre médico catalán de la corte del rey Juan I de Aragón, la tradujo en elegante prosa catalana con el título de Historia de Valter e de la pacient Griselda, escrita en llati per Francesch Petrarcha e arremançada per Bernat Metge.

 

El petrarquismo.

 

Como petrarquismo conocemos la imitación directa o indirecta del Cancionero de Petrarca.

 

Durante el s. XV, la influencia de Petrarca en Europa se manifiesta paralelamente a las de las obras latinas y Los Triunfos[4], pero su difusión y alcance es mucho más limitado en comparación a estos  escritos; en los dos siglos siguientes, la situación se invierte por completo -y así subsiste hasta nuestros días-: el Petrarca humanista queda poco menos que olvidado, en tanto el Petrarca lírico en italiano pasa a ocupar  el lugar de honor. De la primera edición del Cancionero, Venecia 1470,  a 1500 se registran más de 30 impresiones; en el siglo XVI casi alcanza las 200 impresiones. En Italia abren la marcha petrarquista  Antonio Tebaldeo (Antonio Tebaldi, llamado il Tebaldeo. Escritor italiano. Ferrara 1463-Roma 1537. Tiene aproximadamente 300 sonetos, de notable virtuosismo metafórico. Constituyen una refinada expresión del petrarquismo cortesano. L’ opere d’ amore, 1499), Serafino dell’ Aquila (O  Serafín Aquilano. Poeta italiano. Aquilea o Aquila, Abruzzos, 1466-† 1500. Su verdadero nombre se desconoce. Luego de aprender música y poética partió a Roma, en donde tuvo tal reputación que llegaba a comparársele a Petrarca, cuando en realidad no tenía otro mérito que improvisar versos que cantaba acompañándose con una música especial. Cultivó con preferencia los sonetos, siendo sus poesías impresas por primera vez en Venecia en 1505) y un catalán, Cariteo (Benedetto Gareth, llamado Cariteo. Poeta italiano. Barcelona c. 1450-Nápoles 1514. Cariteo significa “amigo de las Gracias”. Endimión, que es una colección de poesías de 214 sonetos, 20 canciones, 4 sextinas y 5 baladas. Más de la mitad son poesías amorosas dedicadas a una dama noble llamada Luna), cuyo fervor le llevó a abandonar su lengua materna, el catalán. Lorenzo el Magnífico (Lorenzo I de Médicis, 1449-1492. Jefe de la República florentina entre 1469-1492. Representó los ideales del Renacimiento italiano al encarnar las figuras del poeta, el filósofo, el mecenas y el político hábil y diplomático. Fue un entusiasta protector de las letras y las artes. Fue mucha su afición por los manuscritos notables. Se le llamó “el Magnífico” y “el Padre de las Musas”. Escribió unas poesías llenas de gracia, que se publicaron en 1554, y un Suplemento a las mismas, que fue dado a la imprenta en 1791, entre ellas son notables particularmente sus Canti carnavaleschi, inspirados en los jolgorios del carnaval; también se le deben algunos poemas didácticos y dramáticos. Aventajó a todos los poetas líricos que escribieron desde un siglo antes, menos a Petrarca), Poliziano (Angelo Ambrogini. Poeta y humanista italiano. Mantepulciano, Toscana, 1454-Florencia 1494. Su obra de humanista y filólogos está contenida en los 12 libros de sus epístolas latinas y en sus lecciones universitarias Miscelanea, 1489. Sus 2 obras maestras son Estancias [1475-1478] y Orfeo [1480]) y Mateo María Boiardo, Boyardo o Bojardo, conde de Scandiano (Poeta italiano. Scandiano, Toscana, 1441-Reggio nell’ Emilia 1494. Entre 1469 y 1476 escribió un cancionero titulado Tres libros de amores –Amorum libri tres, que contiene 180 composiciones amorosas dedicadas a Antonia Caprara y escritas según los esquemas petrarquistas. Su obra más importante es Orlando enamorado –Orlando innamorato–, poema caballeresco, inspirado en los cantares de gesta. Iniciado en 1476 e interrumpido en 1492, quedó incompleto. Ariosto lo continuó en Orlando furioso. Orlando enamorado está tratado en 3 libros y 69 cantos. Se imprimió por primera vez en Scandiano en 1495. En España, en Toledo, Pedro de Reinoso (¿?) hizo en 1533 su versión de Orlando enamorado, y Francisco de Garrido de Villena (¿?) y Hernando de Acuña (Poeta español. Valladolid  c. 1520-Granada 1580. Es uno de los más brillantes poetas de la primera generación de petrarquistas. Realizó traducciones de Ovidio y Boiardo, en 1571, hicieron varias versiones en verso de algunos cantos del mismo, aunque fieles también a Petrarca, dan muestra de mayor originalidad. Es Pietro Bembo (Cardenal y humanista italiano. Venecia 1470-Roma 1547. Eminente latinista. Estudió griego. Tuvo una gran biblioteca y una inmensa colección de antigüedades. Historiógrafo de Venecia y bibliotecario de San Marcos. Cuando fue creado cardenal  por Paulo III (Canino 1468-Roma 1549. Papa 1534-1549. Fue él quien confió a Miguel Ángel la dirección de los trabajos de la basílica de san Pedro y la ejecución de frescos en las capillas Sixtina y Paulina), se ordenó entonces sacerdote y renunció a su vida ligera y a las letras profanas para ocuparse únicamente de las Sagradas Escrituras y de los Padres de la Iglesia. Sus versos, Rimas [Rime, 1530], se inspiran en Petrarca), con todo, quien, al publicar en 1505 sus Los asolanos (Gli asolani, 1505), expone y discute la doctrina del amor platónico, y en 1525 sus diálogos “sobre la lengua vulgar”, proporciona el doble fundamento –ideológico y formal– para la entronización del petrarquismo en Italia; sus Rimas (1530) sirvieron a la vez como ejemplo de cristalización poética  de una teoría. El influjo de Bembo determinó primero la producción literaria de algunos círculos aristocráticos inquietos –así el de la poetisa Vittoria Colonna (Marquesa de Pescara. Roma 1493-id. 1547)–, y posteriormente encauzó decisivamente toda la poesía italiana del s. XVI. Ni siquiera fue excepción la fuerte individualidad de Miguel Angel (Escultor, pintor, arquitecto y poeta italiano. Caprese, cerca de Arezzo, Toscana, 1474-Roma 1564. Es el maestro de lo sublime, de los efectos grandiosos. Expresó en sus escritos, así como en sus obras, una fe dolorosa. Su amistad con la poetisa Vittoria Colonna iluminó los últimos años de su vida. Inspirado en ella escribió sus Rime).

 

En España, el petrarquismo vino a establecerse durante el primer tercio del s. XVI, como consecuencia de los últimos contactos entre las dos penínsulas meridionales. La poesía de los cancioneros, tan en deuda como el mismo Petrarca  con la lírica provenzal y stilnovista, ya había preparado el terreno. Fue en la obra de Juan Boscán (Escritor español. Barcelona 1487-1492-id. 1542. Una de las características literarias de Boscán es su decidida adopción del castellano, lengua que escribía con gran corrección. En su lengua materna sólo se conserva una insignificante poesía. Gran amigo de Garcilaso de la Vega. A ambos se debe la definitiva y consciente introducción de la métrica y del estrofismo de tipo italiano en la literatura castellana) y Garcilaso de la Vega (Poeta español. Toledo 1501 ó 1503-Niza 1536), más que en mismo Cancionero, donde bebió el petrarquismo español. Garcilaso, merced a su genio, y Gutierre de Cetina (Poeta español. Sevilla 1520-México  ¿1557? Militar de profesión. Partió hacia México en 1546) y Hernando de Acuña (Poeta español. Valladolid c. 1520-Granada 1580), revelan una verdadera maestría de expresión en las nuevas formas; la mayoría de los otros autores de la primera generación de petrarquistas (cuyo límite puede fijar el Cancionero general de 1554) debieron de experimentar lo que confesaba  el mismo Juan Boscán (Escritor español. Barcelona 1487-id. 1542. Adoptó el castellano como lengua de su literatura. En su lengua materna, el catalán, sólo se conserva una insignificante poesía. Amigo de Garcilaso de la Vega. A estos dos escritores se debe la introducción definitiva y consciente de la métrica y del estrofismo de tipo italiano en la literatura castellana. Tradujo al castellano El cortesano, de Castiglione, en 1534): en el nuevo estilo “hallé al principio alguna dificultad, por ser muy artificioso y tener muchas particularidades diferentes del nuestro”. En la segunda generación petrarquista, fray Luis de León (Escritor español. Belmonte, Cuencua, Castilla y la Mancha, 1527-Madrigal de las Altas Torres, Ávila, 1591. Antes de los 17 años ingresó en la orden de san Agustín. Fue maestro de teología en Salamanca. Se interesó por las lenguas aramea y hebrea. En 1572, entre otras  por sus rencillas con los dominicos, a quienes había triunfado en la cátedra de teología de Salamanca, fue detenido por la Inquisición bajo la acusación de atender más al texto hebreo de la Biblia que al latino de la Vulgata en sus comentarios bíblicos; sus juzgadores quisieron ver en ello un a latente simpatía por el judaísmo, apoyándose en el hecho de que algunos de sus antepasados eran de raza hebrea. También fue acusado de traducir al castellano el Cantar de los cantares, eludiendo la prohibición que existía para hacerlo. Fray Luis permaneció 5 años en la cárcel de la Inquisición de Valladolid y sólo en 1576 pudo reintegrarse a la cátedra. Existe la tradición de que empezó la primera clase con estas palabras: “Decíamos ayer…”. En 1582 se vio envuelto nuevamente en un proceso de la Inquisición…), Francisco de la Torre (Poeta español. ¿Torrelaguna? c. 1535. Poco se sabe de su vida. Fue soldado en Italia. Se ordenó sacerdote en su edad madura. Junto con fray Luis de León sirvió a Francisco de Quevedo y Villegas [Escritor español. Madrid 1580-Villanueva de los Infantes 1645] de modelo en la lucha contra la corriente culterana, y fue el propio Quevedo quien dio a la imprenta en 1631 las poesías de Torre. Sus 3 libros, 2 de versos líricos y 1 de adónicos, y sus 8 églogas, agrupadas en Bucólica del tajo, se caracterizan pos su sencillez y perfección formal; en su tono melancólico y matizado se descubre la huella de Petrarca y Torquato Tasso [Poeta italiano. Venecia 1493-Ostiglia, Mantua, 1569], de Garcilaso y de Horacio y Virgilio. Tal vez sea él el que introdujo en España la estrofa sáfico-adónica), Gregorio Silvestre (Poeta y músico español. Lisboa 1521-Granada 1569), Fernando de Herrera (Poeta español. Sevilla 1534-id. 1597. Llamado ya por sus contemporáneos el Divino. Representa en su nivel más elaborado el preciosismo retórico y la erudición poética de la escuela andaluza del segundo renacimiento. Hijo de familia humilde), etc., han  adquirido ya un admirable dominio de las composiciones italo more; Herrera escribe el cancionero de los tiempos nuevos. A fines del s. XVI no impera tanto el propio Petrarca como Tebaldeo, Dell’ Aquila, Luigi Tansillo (Poeta italiano. Venosa 1510-Teano 1568. Fue uno de los poetas italianos del s. XVI más conocidos en España. Autor de poemas líricos: Estancias a Bernardino Martirano, Estancias al virrey de Toledo o Clorida, Los dos peregrinos, etc.) o Tasso, y su ejemplo contribuye a un nuevo gusto, que culminará en la poesía de Luis de Argote y de Góngora (Poeta español. Córdoba 1561-id. 1627).

 

En Francia es el grupo lionés el que impone a Petrarca: Maurice Scève (Poeta francés. Lyon 1501-id. 1560. En 1535 creyó haber descubierto en una iglesia de Aviñón la sepultura de Laura de Petrarca), Antoine Heroët (¿?) y Loise Labé (Poetisa francesa. Lyon 1524-Parcieux-en-Dombes 1566. Hija de un rico de origen italiano) aprenden fundamentalmente de Petrarca el lúcido autoanálisis de la pasión erótica. También la Pléyade se orienta hacia Italia en busca de modelos: Pierre de Ronsard (Poeta francés. 1524-1585. Hijo de un gentilhombre de la corte) acepta el petrarquismo en su más alto grado de fidelidad en los Amours (1552) y Du Bellay (Poeta francés 1522-1560) en su Olive (1549); François Alexandre Desportes (Poeta francés. Chartres 1546-Bonport, Normandía, 1606) bebió  tanto en Sassi (¿?) o el Cariteo como en los petrarquistas españoles.

 

En Inglaterra, sir Thomas Wyatt o Wyat (Poeta y diplomático inglés. Allington Castle, Kent, c. 1503-Sherborne, Dorset, 1542), entre1530 y 1540, introdujo el soneto, y ya Henry Howard,  conde de Surrey (Poeta y político ingles. c. 1518-Londres 1547)  lo usó para cantar a una ficticia Geraldine, réplica de Laura; pero fueron sir Philip Sidney (Político y escritor inglés. ¿Londres? 1529-Ludlow, Shropshire, 1586)  y Edmund Spenser (Poeta inglés, 1552-1599) quienes obtuvieron los primeros logros petrarquistas de consideración.  William Shakespeare (Poeta dramático inglés. Stratford on Avon, al SE de Birmingham, 1564-id. 1616) los llevaría luego a su más alta cima.

 

El petrarquismo constituye a la vez una erótica –que no es sino la del amor cortés, teorizada desde el platonismo–, un repertorio de temas y, sobre todo, un conjunto de recursos estilísticos: metáforas de los daños del amor -herida, incendio o prisión-, definiciones por contrarios, alusiones eruditas y mitológicas, versos plurimembres y poemas correlativos, fórmulas antitéticas, cultivo frecuente del concepto, etc.

 

En la época posterior al s. XVI se mantienen casi invariables tal erótica y tal temática: son los rasgos de estilo los que, sin experimentar una transformación radical, se complican, variando de modo notable la faz de la poesía coetánea: Góngora, Marini (¿Biagio? Violinista y compositor italiano 1597-1663), François de Malherbe (Poeta francés. Caen 1555-París 1628), los metafísicos ingleses, más que inventar un instrumento nuevo, intensifican un material ya existente: el del petrarquismo.

 

De Petrarca se ha dicho que “fue el primer hombre moderno”. Esto, claro, se debe a que fue él el patriarca de las humanidades. Sin duda alguna, los alumnos encontraran en las obras de este genial escritor del mundo, muestras inigualables de expresión escrita artística.

 

 

3. Giovanni Boccacio.

 

Giovanni Boccacio fue un célebre escritor italiano que nació en Certaldo, Toscana, en 1313 y murió en el mismo lugar en 1375. Fue hijo natural del mercader florentino Boccacio di Chelino y de una dama desconocida.

 

Boccacio no sólo fue un renombrado escritor, sino también un gran humanista.

 

Boccacio escribió las siguientes obras:

 

1.            Il Filocolo (1336). Adaptación en prosa del tema medieval francés de Flore y Blancheflor.

 

2.            Filostrato (1338). Poema en octavas (por primera vez usadas en poesía), donde tomaba por tema los amores de Troylo y Chryseis.

 

3.            La Teseida (1339-1340). Compuesta en octavas. Relata la rivalidad en amor de Polemón y Arcites por Emilia, la cuñada de Teseo.

 

4.            Ninfale d’ Ameto (1341-1342). Idilio pastoril con  alegorías.

 

5.            L’amorosa visione (c. 1342). Poema alegórico inspirado en los Trionfi de Petrarca.

 

6.            Elegia di Madonna Fiammetta (c. 1343). Novela. Fiammetta cuenta su amor por Pánfilo y su desesperación cuando el infiel amante deja Nápoles y la abandona. La obra, pese a las numerosas alusiones mitológicas, contiene delicados análisis sicológicos. Sin duda está inspirada en una aventura personal de Boccacio, quien debió invertir los papeles, pues parece ser que en realidad fue abandonado por la mujer que amaba. Tradicionalmente, Fiammetta se identificó con María d’Aquino, hija natural del rey de Nápoles, aunque la existencia histórica de esta mujer no está atestiguada por ningún documento. Es posible que Fiammetta sea únicamente la imagen poética de la mujer amada, ya que aparece en varias obras de Boccacio.

 

7.            Ninfale fiesolano (entre 1343 y 1346). Poema sobre los orígenes legendarios de Fiesole. Poema idílico en octavas. Puede considerarse como la conclusión de las obras de juventud de Petrarca.

 

8.            Decamerón (1348-1353). Son 100 cuentos que ofrecen una visión cínicamente mundana, desenfadada y brillante de la vida de la época, sin ninguna intensión moralizadora, sino sólo con la expresar del modo más intenso, sutil y divertido posible los contrastes, flaquezas y necedades de la naturaleza humana. Gracias a esta gran obra, es que Boccacio ocupa uno de los primeros lugares en la literatura universal. Esta obra, sin duda alguna, ha ejercido una gran influencia en la literatura cuentística de toda Europa.

 

9.            Bucolicum carmen (1351-1366). 16 ó 17 églogas en latín, tomando por modelo a Virgilio.

 

10.       De casibus  virorum illustrium (1355-1360). En latín. Narra la vida de los hombres más desdichados de la humanidad, desde Adán a Petrarca, que se le aparecen en sueños para contarle sus desventuras.

 

11.       Corbaccio o Laberinto d’ Amore (1354-1355). Violenta sátira de carácter misógino. Es una obra satírica en prosa contra las viudas florentinas.

 

12.       De Claris mulieribus. En latín. Conjunto de elogiosas biografías femeninas, inspiradas por el recuerdo del De viris ilustratibus de Petrarca.

 

13.       Tratatello in laude di Dante o Vida de Dante (entre 1357 y 1362).

 

14.       De geanologiis deorum o Genealogía de los dioses paganos(se inició en 1360). Vasta compilación de mitología clásica, en 15 libros. Esta obra representa un incalculable esfuerzo de erudición.

 

En cuanto a Boccacio y su trascendencia como crítico literario, debemos considerar algunas cuestiones. Algo sucede en el lapso que transcurre entre Dante y Boccacio: una inquietud en el espíritu de los hombres, un interés renovado en la cultura clásica, a la cual se considera digna de atención por sí misma. Pero, sobre todo, hay la conciencia de que existen nuevas maneras de observar el mundo.

 

Dante se erguía seguro sobre lo que ya era una tradición antigua. Nunca se vio obligado a convencer a nadie de que su poesía pertenecía a esa tradición. Aceptaba su época y sabía que ésta aceptaba la poesía de él. No ocurrió así con Boccacio, quien se sintió impelido a defender la poesía; y no sólo la propia, sino toda la literatura imaginativa. Dante pudo dedicarse con toda seriedad a los detalles de la composición. Boccacio tuvo que mirar a la poesía como un todo, como lo hicieran los antiguos. Esa conciencia que Boccacio tiene de que a la poesía se le puede atacar o defender como un todo es una de las señales de que está comenzando una época nueva.

 

En su Vida de Dante Boccacio siente la necesidad de demostrar que la poesía es, en verdad, teología, pues con esto la libera de todo ataque venido de los teólogos. Afirma que los poetas antiguos autores de la Biblia estaban inspirados por el Espíritu Santo, quien los utilizó para revelar  sus secretos a través de ellos. En este sentido, el propio Espíritu  Santo era un poeta.

 

La Biblia es poesía en el mismo sentido que lo son los escritos profanos. Recurre a la alegoría y narra historias que tienen un significado obvio y otro oculto. Tomemos, por ejemplo, la historia de la visión de Nabucodonosor. El rey vio cómo una estatua hecha de varios metales era destruida por una roca, la cual entonces se transformaba  en una montaña. Con esto “el Espíritu deseaba manifestar a todas las edades venideras que debían someterse a la doctrina de Cristo, quien era y es la roca viva; además, la religión cristiana nacida de esa roca iba a convertirse  en algo eterno e inamovible, como lo son las montañas”.

 

Así escribían los antiguos. “Cuando ideaban que Saturno tenía muchos hijos y se comió a todos menos a cuatro, deseaban dar a entender con tal imagen que Saturno es el tiempo, en el cual todo nace; y como todo nace en el tiempo, éste es, asimismo, el destructor de todo y todo lo reduce a nada”. Por tanto, la poesía y las sagradas Escrituras son iguales por su función. Y como la teología es la poesía de Dios, la poesía es teología.

 

La principal defensa de la poesía hecha por Boccacio está en el libro Genealogía de los dioses paganos, cuyo propósito era servir de manual para los poetas y los lectores de poesía; en este libro Boccacio investiga y ordena los mitos de los antiguos. Sin embargo, comprendiendo que las historias de los dioses paganos podían ofender a las personas piadosas, el autor se siente obligado a escribir una defensa de los mitos paganos. En los libros 14 y 15, al defender esos mitos, defiende la literatura imaginativa.

 

La poesía tiene enemigos poderosos. En primer lugar están, desde luego, los hombres por completo dados a lo carnal, cuyas mentes nunca se elevan por encima de los placeres de la mesa y del burdel. “¿Para qué malgastar el tiempo con la poesía cuando se puede amar, dormir y beber?”, preguntan. En segundo lugar, vienen quienes poseen un conocimiento superficial de la filosofía y, teniendo como única enseñanza los resúmenes para el público en general, se toman por grandes teólogos y desprecian a los poetas por considerarlos personas frívolas. Componen la tercera clase los verdaderos filisteos de aquella época: los abogados. Desde luego, son instruidos, pero su instrucción  tiene como único propósito ganar dinero. Afirman que merece desprecio cualquier clase de estudio que mantenga en la pobreza a quienes la practican. Cuán ridículo resulta ser poeta y vestir andrajos si se puede ser abogado y obtener poder y dinero. No vale la pena discutir con personas tan prácticas. Los poetas ansían la soledad, la fama, la calma y la paz; los abogados, el ruido, el oro, el clamoreo y la discusión. En la cuarta clase tenemos a los enemigos más peligrosos  de la poesía: los teólogos de mente estrecha. Entre ellos hay ciertos curas y demás que presumen  de sus conocimientos para impresionar a las masas. Afirman que “los poemas son falsos, oscuros y libidinosos, y se encuentran repletos de cuentos absurdos y tontos acerca de los dioses paganos”. Gritan que los poetas no son sino seductores de hombres y promotores de crímenes. Aseguran que es pecaminoso leer o tener libros de poetas antiguos y, con base en la autoridad de Platón, apoyan la propuesta de que los poetas sean expulsados de la sociedad.

 

Boccacio entra en la arena para luchar contra esos enemigos. Demuestra cuán noble es la poesía en sus orígenes y cómo los grandes príncipes del mundo la han estimado siempre. Augusto era amigo de Virgilio (Publius Virgilius Maro, poeta latino c. 70-19 a.J.C., de familia modesta. La Eneida quedó inconclusa. Pidió el autor que el manuscrito del poema fuera arrojado a las llamas, pero Augusto lo impidió. Es la epopeya nacional romana. Él quiso crear para Roma algo semejante a lo que los poemas homéricos eran para Grecia). El rey Federico y el príncipe de Venecia protegieron a Dante. Petrarca mismo podía presumir de tener el apoyo de emperadores, reyes y papas. Dado que la poesía es noble, por su peso cae que no ha sido escrita para ignorantes. Resulta oscura tan sólo para la grey común, pues los eruditos la entienden.

 

Tampoco sucede que los poetas digan mentiras. Quienes eso afirman no comprenden la naturaleza de la poesía. Lanzan esos cargos personas que no han leído a Homero, Virgilio y Horacio. Desde luego, existen poemas perversos, como el Arte de Amar, del poeta latino Publius Ovidius Naso, conocido como Ovidio (43 a.J.C.-17 ó 18 d.J.C.). Y a quienes escribían esos poemas se refería Platón cuando hablaba de expulsar a los poetas. La buena poesía no tiene esa naturaleza. Es inspiración adicionada de aprendizaje.

 

Estos y otros argumentos que Boccacio adelantó son de interés, pero difícilmente tocan el problema central. Sus oponente de la Iglesia se dieron cuenta de que en ésta y otras obras lo que Boccacio hacía era paganizar la literatura europea. El escritor responde a esta importante objeción diciendo que los poetas paganos pudieron  ser peligrosos cuando los viejos dioses aún tenían seguidores, pero no hoy día. El cristianismo se encuentra de tal manera implantado en la mente de los hombres, que no hay peligro alguno. Claro, puede causarse daño a las mentes de los jóvenes e inexpertas, pero Boccacio está escribiendo  para cristianos maduros como él. Para escapar de toda sospecha de que pudiera ser heterodoxo, Boccacio aclara que él cree en los dogmas centrales de la fe cristiana.

 

Ahora bien, su argumentación más importante es la misma que había utilizado  en Vida de Dante: Los poetas antiguos son maestros. Las verdades acerca de las cuales escriben están escritas en estilo alegórico, como escritas están en tal estilo las historias de la Biblia. El mundo necesita lo que los griegos y los romanos pueden enseñarle.

 

De esta manera, aunque está recurriendo a los argumentos utilizados por sus predecesores e insiste, como lo hiciera Dante, en que la poesía es teología, en realidad Boccacio pide libertad para que el poeta elija cualesquiera temas que lo atraigan. Al ofrecer al su mundo el clásico, se convierte en un profeta de es nuevo grupo que va a surgir  de mezclar lo viejo con lo nuevo.

 

V. VIDA Y OBRA DE PIETRO BEMBO.

                       

Pietro Bembo fue un cardenal, humanista y literato italiano que nació en Venecia en 1470 y que murió en Roma en 1547. Su padre, llamado Bernardo, fue un senador que le encaminó en la carrera eclesiástica y procuró darle una esmerada educación. Bembo aprendió correctamente la lengua latina y la lengua griega. La griega la estudió en Messina con el conocido gramático griego Constantino Láscaris (Constantinopla 1434-Messina 1501). En la ciudad de Ferrara, Bembo logró la protección de Alfonso de Este (1486-1534. Primogénito del duque de Ferrara. Tercer esposo de Lucrecia Borgia) y de su esposa Lucrecia Borgia (Duquesa de Ferrara. Roma 1480-Ferrara 1519. Mujer de extraordinaria belleza. Amada y criticada. Los literatos del romanticismo la han pintado como una Mesalina, y los historiadores la presentan como un instrumento de ambiciones de su padre, Alejandro VI, y su hermano, César Borgia). Más tarde, Bembo pasó a Venecia, en donde intimó con  Aldo Manució (Célebre impresor, editor y humanista italiano. Basiano, cerca de Velletri, Roma, en 1450-Venecia 1515), que le dio a conocer en los círculos literarios. Ambos emprendieron la reforma de la ortografía italiana, atribuyéndoseles la invención del apóstrofo (‘) y del punto y coma (;). Luego, Bembo pasó a la ciudad de Urbino, en la actual región administrativa de las Marcas, en donde conoció a Rafael. Posteriormente, marchó a Roma acompañando a Juliano de Médicis (Florencia 1478-Roma 1516), hermano del cardenal Juan de Médicis (Florencia 1475-Roma 1521), quien sería más tarde papa (1513-1521) con el nombre de León X. Éste nombró a Bembo su secretario particular y le concedió ricas encomiendas y beneficios que  le  permitieron  gozar  de  una vida suntuosa y un tanto epicúrea -voluptuosa, sensual-. Al morir León X, en 1521, Bembo se retiró a la ciudad de Padua, en el Véneto, y con las riquezas adquiridas pudo dedicarse a satisfacer su pasión favorita, la de coleccionar antigüedades, lo que alternaba con el cultivo de la literatura. A partir de 1529 fungió como historiógrafo de Venecia y bibliotecario de san Marcos. En 1539  el papa Paulo III (Alessandro Farnese. Canino 1468-Roma 1549) lo hizo cardenal, se hizo sacerdote, y así renunció Bembo a su vida ligera y a las letras profanas. Desde ese momento, se dedicó únicamente a las Sagradas Escrituras y al estudio y análisis de los Padres de la Iglesia.

 

La obra literaria de Bembo marca una etapa importante en la evolución del humanismo italiano. Bembo fue un entusiasta petrarquista, cuyo culto compartía con el de Cicerón (Marco Tulio. Orador, político y filósofo romano. Arpino 106 a. C.-Formies 43 a. C.) y sus composiciones están inspiradas en el gran poeta latino, hasta el punto de que algunas de ellas serían bellísimas si la imitación no fuera tan evidente. Así y todo, la literatura italiana, sobre la cual ejerció notoria influencia, le es acreedora de gratitud, porque la expurgó de vicios y defectos y restauró el buen gusto. A Bembo no se le puede considerar como jefe de ninguna escuela. Casi todas sus obras aparecen escritas en latín. Sus principales escritos son los siguientes:

 

1505. Venecia. Los asolanos (Gli Asolani). Obra en prosa dedicada a Lucrecia Borgia. Diálogo sobre el amor platónico. Es una imitación de la obra Disputaciones Tusculanas, de Cicerón. Iniciada hacia 1497 y publicada en 1505 con una dedicatoria a Lucrecia Borgia. En Asolo, corte de Catalina Cornaro (1454-Venecia 1510), reina de Chipre, se celebran los esponsales de una dama. En tres jornadas, algunos gentilhombres venecianos –Perottino, Gismondo y Lavinello– con otras tantas damas  hablan de amor. El argumento está tratado con delicadeza y vivacidad según las diversas jornadas. Al principio, Perottino condena, en el amor, el origen de todo dolor humano por los conflictos que produce en el carácter y por las penas que hace sufrir; pero Gismondo exalta en él la sencillez  del sentimiento que es la misma vida  e impulsa a los hombres hacia la actividad; finalmente Lavinello, con algunas distinciones, pone en evidencia  los bienes del amor sensual. Así, se exalta el valor del amor platónico que, uniendo las almas, las eleva hasta una esfera de pureza que es contemplación de la verdad y finura de sentimientos. Las mujeres, que están escuchando, comprenden por la discusión de los tres gentilhombres la importancia del tema en la sociedad contemporánea y por ello aprueban  con mucha atención  y con actitudes lánguidas y suspirantes; en su condescendencia  a la resolución de considerar la pureza del amor y su necesidad en la vida, está precisamente la conciencia más profunda del nuevo soplo ideal que envolvía las cortes de la época. Esta obra es bastante famosa por la importancia histórica que adquiere en la doctrina estética  y literaria de Bembo. La referencia a la poesía de Petrarca es necesaria para valorar en Bembo la alabanza del amor puro que eleva hasta la verdad y da una razón de ser a la vida: con elegancia y finura espiritual y con las modalidades que constituirán la característica de la nueva sociedad del siglo XVI. Las mismas comparaciones con las ideas del neoplatonismo de Marsilio Ficino (Filósofo italiano. Figline Valdarno. Toscana, 1433-Careggi, cerca de Florencia,  1499. Vita Platonis [1468], Theologia  platonica [1482]) ponen en evidencia el carácter más que nada literario de Los asolanos. La primera versión en lengua castellana salió en Salamanca en 1551.

 

1525. Prosas sobre la lengua vulgar (Prose della volga lingua). Este es un tratado que se divide en 3 libros. Se publicó en forma de diálogos, tenidos en 1502 en casa del hermano del escritor. Aquí se examina el problema de la lengua, en sí y en relación con la tradición italiana y con las lenguas de otros  pueblos. El contraste percibido por el humanismo entre la lengua vulgar y la lengua latina es allanado aquí en el sentido de que los grandes autores del siglo XIV –Dante, Petrarca, Boccacio– han iniciado una tradición poética de excepcional importancia para la suerte de Italia: por medio de aquellos autores el florentino se ha afirmado como la lengua más apta  para expresar las bellezas de la poesía y la nitidez de la prosa, y como un instrumento literario no inferior al provenzal . Situada la florentina como la lengua sobresaliente de la península, es necesario hacer una distinción entre lenguaje hablado y lenguaje literario: este último debe servir de norma a los escritores. Como modelos deben tomarse Petrarca para la poesía y Boccacio para la prosa; Dante es notable por la robustez  de algunas concepciones suyas, pero es más admirable el cantor de Laura por la finura de su elocución  y la armonía de su verso. Siguen algunas importantes definiciones y aclaraciones sobre el estilo, la métrica, el valor de los vocablos y su colocación en las frases y en el verso; se concede particular interés a la variedad de la forma literaria que es juego de elegancias y refinamiento espiritual. También por este lado el ejemplo de Petrarca  es esencial para quien quiera difundir de modo pulcro y mesurado sus afectos de poeta. Varias reglas fijan la lengua vulgar de modo claro y apropiado, formando una gramática normativa que luego será valorada en su siglo como la más grande exaltación de la lengua vulgar, límpidamente expresiva al par de la latina. Esta obra de Bembo, durante el renacimiento, llegó a ser el código del buen gusto en lo que respecta a la literatura en lengua latina.

 

1530. Venecia. Rimas (Le Rime). Inspiradas en Petrarca.  Publicadas en 1530 y en segunda edición en 1535. Son un documento del gusto del renacimiento más que una obra poética propiamente dicha. Con elegancia de estilo, pero con frialdad de inspiración, el escritor repite con nueva forma la riqueza psicológica y el refinamiento del Cancionero de Petrarca. Las situaciones están calcadas sobre el ejemplo del gran trecentista, aunque las imágenes y la forma artística reflejen los caracteres señalados por Bembo en sus famosas obras doctrinales, Los asolanos y las Prosas sobre la lengua vulgar. Así, algunas de las mejores composiciones están calcadas sobre ejemplos célebres. “Solingo augello, se piangendo vai” (“Pájaro solitario, si llorando vas”), que compara la vida del animalito con el amor desgraciado del poeta y, por su contraste entre el hielo y el fuego, “Io ardo, dissi, e la risposta in vano” (“Ardo, dije, y la respuesta en vano”). Algunas veces la imagen amorosa ([“Giaceami stanco, e ‘l fin de la mia vita”] [“Yacía cansado, y el fin de mi vida”]) y la visión de la naturaleza ([“Questa del nostro lito antica sponda”] [“Esta de nuestra costa antigua orilla”]) parecen inspirarse en un sentimiento más sincero. A pesar de todo, incluso en los momentos más felices, estas Rimas sólo están regidas por la pericia del artífice que conoce los secretos del oficio, pero no la fascinación de la creación espontánea  y auténtica. La obra, junto con los cánones imitativos del humanismo, codificó el gusto de toda una época  en cuestión de poesía amorosa.

 

1533. Venecia. Poesías latinas (Carmina). Notable importancia histórica tienen las Poesías escritas en verso latino escritas por Bembo. No sólo en sus mocedades, en el fervor de la común cultura humanística, sino a lo largo de toda su vida, el famoso teorizador de la dignidad de la lengua vulgar se ejercitó en  las composiciones de tipo clásico. Sale muy airoso en las descripciones  donde con pura elegancia formal acaricia  figuras y paisajes, como cuando en el “Benaco” (“Benacus”) evoca el esplendor de aquellos lugares  y la jocundidad de la vida en medio de una ficción  de las diversas divinidades  que dan nombre a montes y ríos del lago de Garda. Algo artificioso en sus detalles  ornamentales, se nos muestra en el “Himno a san Esteban” (“Hymnus ad divum Stephanum”); límpidamente narrativo es cuando se refiere al mundo clásico verdadero con la gentil “Galatea” (“Galatea”), ninfa siciliana cortejada por el cíclope  Polifemo  y  el  pastor Acis;[5] le siguen unos dísticos -estrofa de dos versos, generalmente un hexámetro y un pentámetro dactílicos- en que se finge que Fauno se dirige a las ninfas y Yola[6] a Fauno. Este acariciar en la mente la delicada  visión de un mundo de imágenes y de impresiones explica por qué Bembo se detiene complacido  a hablar de amores de faunos enamorados, del chapuzarse de unas aturdidas  muchachas en el agua  de un río y, sobre todo,  el por qué en una elegía  a una amiga, muy próxima a él pero reservada  por las sospechas de su marido, expresa el deseo de gozar plenamente de su afecto, de tenerla siempre junto a sí y de sentirla toda suya. Bembo, con su personal refinamiento, capta en pocos rasgos aquel tema límpidamente evocador que hace del humanismo la mejor idealización  de los sentimientos; pero también la cultura antigua había  suscitar en él, más vivo, el deseo de alcanzar el acento de una propia e inconfundible voz en el lenguaje no indigno del ejemplo de los clásicos.

 

Bembo también cultivó el género epistolar latino, lo que hizo con singular maestría. También editó obras de otros autores, en especial de Dante.

 

Las obras completas de Pietro Bembo se publicaron por primera vez en Venecia en 4 volúmenes en 1729.

  

VI. VIDA Y OBRA DE LUDOVICO ARIOSTO. ANÁLISIS DE LA OBRA ORLANDO FURIOSO.

 

Ludovico Ariosto fue un célebre poeta italiano que nació en Reggio Emilia, Emilia-Romaña, el 8 de septiembre de 1474 y murió en Ferrara, Emilia-Romaña, el 25 de diciembre de 1533. Se le ha llamado el Homero de Italia. Sus ascendientes eran oriundos de Bolonia, ciudad situada en Emilia-Romaña, y tomaron el apellido Ariosto de unas tierras del bolonesado llamadas Da-Riosto. Ludovico fue hijo de Nicolás –militar al servicio del duque de Ferrara– y de Daría –hija del poeta Gabriel Magaluzzi–. Fue el primogénito de los 10 hijos habidos en este matrimonio. En 1469, a su padre le fue concedido el título de conde por el emperador de Alemania Federico III. Siendo casi niño, Ludovico empezó a demostrar sus condiciones de poeta, escribiendo una tragedia inspirada en la fábula Tisbe,[7] que representó en unión de sus hermanos. De la ciudad de Reggio, pasó sucesivamente a Rovigo, Módena y Ferrara, en donde, por acatar la voluntad de su padre, estudió 5 años la carrera de Derecho; pero, sin vocación para ella, la dejó para dedicarse a la literatura, siendo uno de sus maestros Gregorio de Spoleto. Cuando Carlos VIII de Francia hacía los preparativos   para   invadir a  Italia, escribió   la  célebre  invectiva –discurso o escrito acre y violento contra personas o cosas– acusando a su patria de ser “sentina[8] de todos los vicios”, pueblo envilecido por el yugo de los demás pueblos y de no pensar más que en los placeres.

 

Ludovico se hizo militar, asistió a varias batallas, entre ellas la de Padua –en el Véneto– y Polesella –en Rovigo, Véneto–. Luego, fue gobernador del castillo de Canosa; pero al morir su padre, hacia  1500, abandonó la carrera para dedicarse a cuidar el escaso patrimonio de su familia. Para entonces, se había realizado unas impresiones del famoso poeta cómico latino Plauto (Sársino, Umbría, c. 254 a. C.-Roma 184 a. C.), las cuales fueron leídas por Ludovico. Inspirándose en ellas escribió 2 comedias: I Suppositi y La Cassaria.

 

Más tarde, Ludovico escribió unas Odas latinas, lo que llamó la atención del cardenal Hipólito del Este (Cardenal y hábil diplomático italiano. 1479-1520), por lo que éste lo tomó a su servicio en calidad de gentilhombre de su casa, dándole una modesta pensión. Entre 1495 y 1503 Ariosto había escrito otras varias poesías latinas. Entre loa amigos del poeta figuraban Miguel Tarchaniote Marullo o Marulle (Poeta griego. Constantinopla 1440-Cecina, Pisa, 1500. Cuando los turcos tomaron Constantinopla se trasladó a Italia. Escribió epigramas, tratados y elegías) y Pietro Bembo. Eran los momentos en que se iniciaba en Italia el renacimiento de la lengua italiana. Entonces, para el 1504, Ariosto deja de escribir en latín y da principio a su célebre poema Orlando furioso. Cuéntase que cuando le mostró el manuscrito al cardenal, éste, después de leerlo, le dijo: “Meser Ludovico, ¿dove mai avete pigliato tante bagatelle?”, palabras que hirieron  profundamente el amor propio del poeta y que nunca las olvidó. Acompañando al cardenal, y acusado de abusos de autoridad por los monjes de Nonantola -en Emilia- estuvo en Roma. En 1512, al ser atacada Ferrara por el papa Julio II (Albissola, cerca de Savona, Liguria, 1443-Roma 1513. Papa 1503-1513), acompañó en su fuga al duque Alfonso. Al año siguiente conoció en Florencia a Alejandra Benucci Zampella, que fue el objeto del amor del poeta. En más de una ocasión el cardenal Hipólito invitó al poeta a que abrazase el estado eclesiástico, pero Ariosto se negó siempre a ello. No era muy buena la armonía que reinaba entre Hipólito, el protector, y Ariosto, el protegido, pues cuando en 1518 el cardenal le dijo que le acompañase a Alemania, no quiso hacerle diciendo que tenía “muchas razones y todas buenas” para quedarse en Italia, y perdió una pensión que le era muy necesaria para vivir. Por fortuna, entró al servicio del duque Alfonso de Ferrara, quien le daba mesa y 7 escudos de oro al mes, y cuando vivía fuera del palacio se le enviaban los víveres a que tenía derecho. En 1520 su nombre había adquirido gran celebridad en Italia, del Orlando se habían  hecho 2 ediciones y sus comedias: La  Cassaria e I Suppositi se habían representado con mucho lujo en el Vaticano, y a petición de León X concluyó el poema Negromante. En 1522 el duque Alfonso de Ferrara le nombró comisario suyo en Garfagnana, comarca de Italia situada en Toscana, distrito infestado de bandidos, y en donde los diferentes pueblos vivían en continua discordia; 3 años duró su gobierno, en el que se acreditó de ser hombre recto y probo, y por más que el duque no le ayudaba a reprimir los desmanes que en su distrito se cometían, Ariosto decía “que mientras estuviese en aquel puesto no tendría más amigos que la justicia”. Cuéntase que una tarde, paseando por las inmediaciones de Castelnuovo, cayó en poder de una cuadrilla de bandidos, quienes al saber que su prisionero era el célebre poeta, le pusieron en seguida en libertad.

 

Al volver a Ferrara compró un terreno en el que mandó a edificar una modesta casa, y allí pasó el resto de sus días, corrigiendo el Orlando y cuidando su jardín. En octubre de 1532 publicó su célebre poema definitivamente corregido. Estando el emperador Carlos V en Mantua, ciudad de Lombardía, coronó con gran pompa al ya llamado Divino Ariosto. Más de 20 años hacía que la salud del poeta estaba quebrantada, y su estado se agravó por una enfermedad que le atacó a la vejiga, de la que sucumbió después de 18 meses de sufrimientos.

 

La vida de Ariosto se identificó con la paciente conquista, a través de dificultades materiales y de servidumbres cortesanas, de una independencia consagrada de lleno a los placeres del sentimiento y del estudio. Fue Ariosto una figura simpática, de elevada estatura, ojos negros con cejas arqueadas, de mirar vivo y penetrante, nariz aguileña, cabello rizado, color algo cetrino; en la moral, según el Aretino, fue la bondad misma: muy digno en medio de su pobreza, le repugnaba vivir a costa de los demás.

 

Como poeta ejerció gran influencia en la literatura de su patria, contribuyendo de una manera poderosa al renacimiento de la lengua italiana, y mereció que sus compatriotas le tengan por uno de sus 4 grandes poetas.

 

Sus obras son las siguientes.

 

1494-1503. Carmina.

 

1494-1516. Rime (en italiano).

 

1502 ó 1503. Orlando furioso.

 

1508. La Cassaria (en prosa). Cronológicamente la primer comedia del renacimiento.

 

1509. I suppositi.

 

1517-1525. Satire.

 

1520. El nigromante.

 

1529. La lena.

 

1531. La Cassaria (en verso).

 

¿? I studenti (inacabada).

 

También se le atribuyen otros poemas fragmentarios. Uno de ellos es el llamado Cinque Canti, continuación de Orlando, pero que no han llegado hasta nosotros. De sus obras se han hecho numerosas ediciones en italiano y muchas otras lenguas.

 

Análisis de la obra Orlando furioso.

 

La obra Orlando furioso que analizaremos en clase está escrita en prosa. Hemos recomendado para este estudio cualquier versión, debido a lo difícil que es conseguir este texto en México. A la mano tenemos dos versiones, que he logrado conseguir en librerías de antigüedades y ya al nivel de “libro raro”, casi como un ”incunable”. La primera es Orlando furioso, en una edición de 1958 realizada por la editorial Obras Maestras, de Barcelona, en la versión de Manuel Aranda Sanjuan y con notas prologales de Emiliano M. Aguilera, en 2 amplios tomos. La otra versión, pequeñísima, un librito de escasísimas 91 páginas, la única que hemos podido conseguir en las librerías mexicanas, es la que ha realizado la Editorial Porrúa, de México, en el año de 1993 para los jóvenes. Les ruego que, por favor, las cuiden y que consideren que otros compañeros suyos las usarán posteriormente.

 

Orlando furioso es un poema en 46 cantos, en octavas –estrofa de 8 versos endecasílabos–, que se comenzó a escribir probablemente entre 1502 y 1503, y se publicó por primera vez en 40 cantos en 1516. Luego, en 1521, se hace otra edición, sin novedades sustanciales y, finalmente, en 1532, en edición definitiva, después de varias ediciones, unas con el consentimiento del autor y otras no, aparece el poema en 46 cantos.

 

Ariosto con esta obra lo que hace es continuar una obra, interrumpida por la muerte de su autor, que se tituló Orlando enamorado, del poeta italiano Matteo Maria Boiardo (Scandiano, Módena, 1441-Reggio nell’ Emilia 1494), la cual, de haber sido terminada, habría contenido un centenar de cantos agrupados en tres partes, pero que en su forma actual, inacabada, consta de 69 cantos distribuidos de la siguiente manera: I parte: 29 cantos, II parte: 31 cantos y III parte: 9 cantos. También escrito en octavas, trata el conocidísimo tema, ya entonces tradicional, del ciclo carolingio. Aquí, como en la obra que analizaremos, el amor es entre Orlando y Angélica.

 

En Orlando furioso el asunto principal es la locura de Orlando, quien, enamorado de la hermosa Angélica, la persigue y se ve envuelto en peligrosas aventuras, sin lograr vencer el desdén de la muchacha, que se enamora a su vez de un pobre soldado, sarraceno, Medoro. A fin de que Orlando vuelva a la normalidad, Astolfo, montado en su hipogrifo -voz creada por Ariosto, animal fabuloso, mitad caballo y mitad grifo-, marcha a la Luna, y allí, en una botella, encuentra la razón de Orlando, a quien hará respirar el contenido de la botella. Ariosto cuenta también los amores de Ruggero y Bradamante (de cuya unión desciende la familia de apellido Este), junto con narraciones de duelos y encantamientos (Merlín, Melissa, Alcina), y de la lucha que enfrenta a los paganos (Agramonte, Rodamonte) con el ejército de Carlomagno (Carlos I el Grande. En latín Carolus Magnus. 742-Aquisgrán, ciudad de Alemania, Renania del Norte-Westfalia. Rey de los francos [768-814] y emperador de Occidente [800-814]). Mientras Boiardo presenta al pie de la letra el ideal y el mundo caballeresco, Ariosto busca sólo un pretexto para tejer mil aventuras maravillosas presentadas con ironía. Esta obra influyó en la literatura española, especialmente en Cervantes, quien registró este influjo en comedias como La casa de los celos y El laberinto de amor y en el mismo Quijote.

 

Ariosto continuó en su Orlando el tratamiento de los gérmenes de gran tragedia y de gran farsa que estaban contenidos en el Orlando enamorado de Boiardo. Se puede decir que la narración de Ariosto da comienzo, más o menos, allí donde el Orlando enamorado se interrumpe. Bajo los grandes montes Pirineos se prepara la jornada campal entre los sarracenos[9] y el ejército cristiano de Carlomagno. Casi todos los más celebrados héroes se encuentran presentes en los dos campos. Ha llegado también Orlando del Oriente, con la bellísima Angélica, que acto seguido le es disputada por su primo Rinaldo, y Carlomagno, para evitar discordias, confía la doncella al viejo Namo, duque de Baviera, prometiéndola a aquél de los dos que se distinga más en la batalla. Pero los cristianos son derrotados; Angélica se aprovecha de ello para huir; todos los protagonistas se dispersan  por varias regiones, y la nueva acción del poema toma de aquí su punto de partida para tres líneas principales: las aventuras de Angélica; las de Orlando y Ruggiero; y la guerra, que se mantendrá en el fondo, enlazando con el fabuloso asedio de París. Huye, pues, Angélica del pabellón  de Namo, llevándose tras ella caballeros cristianos y sarracenos que, desertando de la lucha, le siguen la pista. Desde este momento, la joven no hará sino pasar de uno a otro de sus enamorados, engañándolos siempre, sirviéndose siempre de uno para huir de otro, de peripecia en peripecia y de astucia en astucia. Rinaldo, Ferraù, Sacripante, se la disputan; cada hombre que encuentra se inflama por su belleza con un ímpetu salvaje que parece subrayar un tema único, común a todo el mundo masculino, viva hasta el fondo de la pasión tan ideal de Orlando. Ni siquiera un santo eremita puede resistir la repentina sugestión de sus sentidos cuando ella se le aparece. Capturada por los corsarios de las Ebudas, llevada a la Isla del Llanto, y expuesta a la Orca marina, es salvada por Ruggiero, que llega a caballo del alado Hipogrifo; pero hubiera sido, poco después, víctima del ardor de su salvador si no se hubiera hecho invisible con un anillo mágico que lleva y que el propio Ruggiero, sin saberlo, le ha restituido. En fin, en las cercanías de París encuentra  a un joven soldado sarraceno herido, y he aquí que lo que no habían podido lograr tantos héroes, le sale bien a aquel oscuro adolescente. Angélica se enamora de Medoro, le cuida, le cura y se casa con él, y con él toma el camino de regreso hacia su reino, Catay –así se le llamaba en el occidente medieval a China, a partir de Marco Polo–, del cual Medoro obtendrá la corona. Orlando, mientras tanto, después de la derrota de los Pirineos, se ha vuelto a poner en busca de Angélica y, en el vano errabundeo siguiendo la pista de la mujer amada, pasa de aventura en aventura. En la Isla del Llanto libera a Olimpia, también expuesta a la Orca marina, como lo había sido poco antes Angélica; mata al monstruo y restituye  aquella mujer a su amado Bireno; cae después prisionero, como tantos caballeros más, en el castillo del mago Atlante, que éste ha construido para obsequiar, con la flor de la caballería, a su querido Ruggiero, dando a cada cual la ilusión de que allí encuentra su ideal; pero llega allí Angélica, la cual, en posesión  del anillo mágico que destruye toda magia, revela a los caballeros su ilusión y los libera; más tarde, de una cueva donde estaba prisionera de una cuadrilla de ladrones, el paladín libera a la graciosa Isabella, mata a los malhechores y restituye la joven a Zerbino; de manera que aquel desesperado amante parece destinado a convertirse en bienhechor de amantes felices. Un día llega a la selva y a la gruta que había hospedado a Angélica y Medoro durante su dulce idilio; los nombres de los enamorados, grabados de mil maneras en las cortezas de los árboles y en la roca, revelan de pronto lo que ha sucedido, y le torturan los celos, que se convirtieron en alucinación, y el más juicioso de los paladines no resiste a tanto dolor, pierde la razón y se torna furioso. Corre desnudo por Francia y por España, llevando consigo la desolación y el terror. Luego de cruzar a nado el estrecho de Gibraltar, pasa al África. Pero el Altísimo tiene misericordia de él y tocará a Astolfo, el menos heroico de los paladines, la suerte de ser mediador de la gracia divina. Astolfo, después de haberse apoderado del Hipogrifo abandonado por Ruggiero y después de haber llevado a cabo singulares empresas  en Oriente con Marfisa, con los hermanos Grifone el blanco y Aquilante el negro, y con Sansonetto, siempre ayudado por una fortuna que le proviene más de fuerzas mágicas que de su valentía, pasa también al África y es conducido por el Hipogrifo a la cima de una montaña, al Paraíso terrestre. Allí el apóstol San Juan le informa de la locura de Orlando, y con él, en el carro de Elías, sube a la Luna, donde se reúne todo lo que se ha perdido en la Tierra, y en una gran botella es recogido el juicio que había perdido el héroe. Cargado con aquel juicio, Astolfo vuelve a la Tierra, derrota al ejército de Agramante, pone sitio de Bizerta y libera a los paladines prisioneros. Cuando llega allí, el loco Orlando es capturado, atado por un grupo de caballeros, obligado a aspirar de la botella el juicio perdido, y la curación se efectúa.

 

Comienza la redención para Orlando; derrotados en Arlés y Bizerta, los sarracenos se refugian en una isla desierta, Lipadusa, desde donde Agramante manda un último desafío a los cristianos proponiendo decidir la guerra con duelo de tres contra tres. Gradasso y Sobrenio se ponen de parte del rey sarraceno; Orlando, Oliviero y Brandimarte recogen el desafío por parte de los cristianos, y vencen, aunque el triunfo es amargado por la muerte de Brandimarte y la desesperada angustia de su dulce Fiordiligi. Pero el poema no termina aquí; perfectamente renacentista, y por lo tanto cortesano, tiene otro protagonista que representa el tributo del poeta a su época, más todavía que a su señor. A este héroe, a Ruggiero, imaginado como tronco del linaje de los Este, corresponderá la conclusión. Ruggiero es un sarraceno que aparecía ya en el Innamorato y, en los últimos cantos de aquel poema, se enamora de Bradamante, virgen guerrera hermana de Rinaldo, de la que era correspondido. En el poema de Ariosto, aquella figura, sustancialmente borrosa, como nuevo Eneas, lleva en sí un  mundo mágico que la rodea sólo exteriormente, el cual no nace de las exigencias de su individualidad como personaje, casi sobrepuesto a ella, pero que en manos del poeta se convertirá en maravilloso motivo de fondo sobre cuya luz iridiscente acabarán por moverse todos los personajes del poema, adquiriendo de ella un vivo resalte. De este mundo mágico, Ruggiero es sencillamente la “ocasión”, así como su apología cortesana es ocasión de todo el poema; pero de pronto los motivos, inicialmente decorativos, creados para justificar en cierta manera este personaje psicológicamente pobre de vida, se tornan esenciales en el Furioso, hasta constituir simbólicamente la magia de aquel ideal que todos los caballeros persiguen, al cual todos intentan elevarse, y que permanece límpida e irónicamente inaccesible por encima de sus vicisitudes. El artífice directo de esta magia es la figura tal vez más sibilina, más oscuro, más incomprensible, del poema: el viejo encantador Atlante, que tiene cuidado de Ruggiero, que sabe que éste está destinado a la conversión y a las bodas con Bradamante, seguidas de una ineludible y pronta muerte, y que intenta sustraerlo a su destino. Primero pretende mantenerlo en dulce prisión en los reinos del hada Alcina, donde han llegado ya otros caballeros y han quedado allí convertidos en árboles o plantas; después construye para él el palacio de las vanas apariencias, donde quedará aún después que Angélica habrá liberado a los demás caballeros, para ser sacado más tarde de allí por Astolfo. Esta continua invitación a la ilusión con que el viejo mago intenta distraer al predestinado del drama del mundo se refracta de este modo sobre las vicisitudes de los demás y, mientras exalta en la vida la bella evasión del ensueño, se burla después sutilmente de la vanidad de todo. Fuera de esta magia, las aventuras de Ruggiero y de Bradamante forman un paralelo en sentido inverso a las de Orlando y Angélica; Bradamante, ayudada por la buena maga Melissa, va inútilmente en busca de él, inconsciente instrumento de su destino, así como Angélica escapa a su desesperado amante; pero de continuo los dos enamorados son separados; vuelven a encontrase después que Astolfo ha hecho derrumbarse el castillo encantado; son pronto separados por nuevas aventuras: Bradamante desaparece en la persecución del traidor Pinabello; Ruggiero, después de varias vicisitudes, se irá con Marfisa; Rodomonte y otros sarracenos acudirán en ayuda de Agramante, a quien ha jurado fidelidad. Pero en el campo sarraceno surgen pronto discordias, por voluntad divina: Ruggiero mata en duelo a Mandricardo, pero queda a su vez herido gravemente; no puede, pues, alcanzar a Bradamante, la cual, sabiendo que está en compañía de Marfisa, también virgen guerrera, que más tarde se descubrirá que es la hermana de Ruggiero, se halla atormentada por los celos. Finalmente, se embarca para seguir al África a su rey; es arrojado por una tempestad a una isla en que un eremita lo convierte al cristianismo. Muerto Agramante, Ruggiero podría coronar su amor, pero Bradamante ha sido prometida a Leone, hijo del emperador de Constantinopla; se desarrolla de este modo el último acontecimiento del poema, de sabor netamente novelesco, en un clima bizantino que se separa algo de los cantos precedentes. Ruggiero ha ido a Oriente para combatir, es preso por traición y sería muerto si no lo salvase precisamente Leone, admirado de su fuerza. Entre los dos nace pronto un pacto de fraternidad, y cuando se sabe que el rey Carlomagno concederá a Bradamante a quien sea capaz de ganarla en combate, Ruggiero, a instancias de Leone, ignorando el amor que une al caballero con la guerrera, acepta combatir con objeto de conquistar la joven para su amigo. Vence, en efecto, y acto seguido, desesperado, huye a una selva donde espera la muerte. Llega la maga Melissa, entera a Leone de la verdad, le convence de que debe renunciar, y por fin Bradamante y Ruggiero se casan. Estamos en el último episodio: para turbar la boda irrumpe el último de los grandes guerreros sarracenos, Rodomonte, que acusa a Ruggiero de felonía; un último duelo –y uno de los más trágicos–  y la muerte de Rodomonte dan fin al poema. Con estos episodios fundamentales se entrelazan  otros, numerosísimos, en los cuales reside también la vitalidad de la obra. Las aventuras de Astolfo son todas mágicas; la muerte se divierte en dar al menos valeroso de los guerreros cristianos poderes sobrenaturales que le permiten siempre clamorosos triunfos. Por magia huye al reino encantado de la maga Aleina; por magia derrota a innumerables adversarios con su cuerno encantado; por arte mágico disuelve el castillo de Atlante; y a menudo, ignorante de ésta su virtud, cree de buena fe en su valor. De manera que, a lo largo de todo el poema, Astolfo parece representar la comicidad de lo mágico, pero una comicidad llena de mesura y disimulada argucia. En cambio, son violentas todas las aventuras de Rodomonte, el más terrible de los sarracenos, que vence a veces con su facinerosa furia. Pero si en el asedio de París consigue darnos, en algún momento, la más poderosa imagen de truculencia que desde la más antigua épica se haya podido expresar por medio de su tipo, este personaje sabe salir inesperadamente de la unitotalidad a que parecía destinado. Rechazado por la bella Doralice, que prefiere a Mandricardo, aquel semibruto cae en profunda crisis sentimental y se retira a un sombrío ermitorio –o eremitorio– cerca de Montpellier, maldiciendo del amor. Y he aquí que brota de esta aventura el drama tal vez más singular de todo el poema: llega Isabella  –la muchacha salvada por Orlando, una de aquellas figuras de límpida feminidad frente a las cuales la sonrisa ariostesca se vela de ternura– ante el furioso eremita. Mandricardo ha matado a su amante Zerbino cuando éste intentaba defender las armas de Orlando, abandonadas y esparcidas por el bosque por el héroe loco y recogidas por él; a ella no le queda más que su dulzura y su pena. Rodomonte, apenas ve a la afligida joven, olvida su improvisada misoginia; pero ella está decidida a defender a toda costa su pureza. E intenta un trágico juego: si el pagano la respeta, ella le entregará un filtro que lo hará invulnerable. Y Rodomonte le cree con ingenuidad a la vez infantil y salvaje; deja que la joven prepare la mágica infusión y cuando ella le invita a probar la virtud del falso filtro en su propio cuello, él se lo cercena de un violento tajo. Y sólo ante aquella cabeza irremediablemente desprendida del cuerpo comprende lo que ha sucedido; y trastornado por una repentina avidez de expiación, se despliega un frenético misticismo en el alma de aquel desgraciado, que eleva a la muerta un grandioso sepulcro. Aquella luz por un momento invade absurdamente al más brutal de los guerreros, como absurdamente había podido la bestialidad trastornar a Orlando, el más puro de los héroes. Las aventuras de amor se multiplican, por lo demás, en este poema que tiene por motivo central una amorosa locura; en el largo vagabundeo de estos guerreros que corren de una parte a otra por el mundo detrás o a la cabeza de inmigraciones de pueblos, el amor aparece como la inspiración viva siempre que impele a cada cual en su fatigoso errar: un amor que puede ser heroicamente patético como el de Isabella y Zerbino; trémulo de sentimentalidad como el de Fiordiligi y Brandimarte; pasional y dramáticamente agitado como el vínculo que une a Olimpia y Bireno; fatuo, sensual y con todo gentil, en Doralice y Mandricardo; maravillosamente ilógico en Angélica y Medoro. Pero, aun en sus diversos matices, es un amor que queda sustancialmente primitivo, atracción subterránea de los sexos, fuerza primigenia e impersonal que impele al hombre como le impelen sus ciegas exigencias de guerra, de inmigración, de aventura. Y se delinea de tal modo que en el Furioso aparece como motivo fundamental: el contraste entre el individuo consciente de sí mismo, de su voluntad, de sus ideales, y una fatalidad cósmica que todo lo envuelve y a la que él está secretamente sometido. Pero esta fuerza no es la fatalidad de la antigua Grecia, pura e impensable voluntad, sino que se revela en inmediato contacto con el hombre mismo y dentro de él: es la naturaleza que lo rodea y que se afirma en él y en torno a él, contemplada en sus formas más deslumbradoras y puras, en sus esmaltadas praderas, en sus ríos de terso cristal, en su misma geografía fantástica, donde los espacios y las distancias se tornan feliz juego de nombres: la naturaleza aparece aquí como un fondo ciego y terrible en el que hay una verdad capaz de atemorizarnos si nos fuese posible considerarla en sí misma, pero que, por fortuna, se evidencia sólo por insinuaciones, sólo rozando al hombre  en vez de destruirlo, advirtiéndole de la vanidad de sus esfuerzos; pero sin quitarle la generosa ilusión de sus ideales.

 

VII. VIDA Y OBRA DE PIETRO DE ARETINO. ANÁLISIS DE LA OBRA VIDA DE LAS CASADAS Y DE LAS CORTESANAS.

 

Pietro o Pedro Aretino fue un célebre escritor italiano que nació el Arezzo, Toscana, el 20 de abril de 1492 y murió el 21 de octubre de 1556, en Venecia. Sus admiradores le llamaban el Divino. Era hijo de un pobre zapatero llamado Lucas, por cuyo motivo recibió una educación muy deficiente. Algunos biógrafos han considerado que Aretino era hijo de una cortesana de baja estofa, que servía de modelo a los artistas, y de un noble arruinado llamado Bacci. Aburrido de la vida monótona que llevaba en Arezzo, se trasladó a Perusa, donde después de aprender el oficio de encuadernador, comenzó a dedicarse a la poesía, y más tarde, en 1517, fue a Roma. Allí se hizo famoso y temible por sus aceradas sátiras, y entró al servicio de León X y del cardenal Julio de Médicis (Giulio. Florencia 1478-Roma 1534. Bastardo de Juliano –el hermano de Lorenzo el Magnífico–. Convertido en el papa Clemente VII entre 1523-1534). En Roma fue víctima de un atentado, por lo cual dejó esta ciudad y se fue a Milán, lo que le proporcionó la amistad de Juan de Médicis (Forli, Emilia-Romaña, 1498-Mantua, Lombardía, 1526). Al morir Juan de Médicis, Aretino se trasladó a Venecia, donde pudo disfrutar de la necesaria libertad para dar rienda suelta a sus liviandades, viviendo exclusivamente de lo que le producía su pluma, tan venal para el elogio como para la sátira mordaz. Todo su afán consistió en procurarse dinero, y gracias a la facilidad con que escribía y a la falta de aprensión con que dirigía a los magnates cartas llenas de rastreras adulaciones o de amenazas para explotarles, consiguió pronto una posición muy desahogada, que le permitió vivir en la opulencia instalado en un magnífico palacio a orillas del Gran Canal, en época en que los mejores poetas tenían que entrar en la servidumbre de algún príncipe para poder comer. A pesar de cuanto se ha dicho, hay que reconocer que las pensiones de que disfrutaba las debía más que al temor que pudieran inspirar sus diatribas, a la habilidad con que sabía elogiar y servir a sus protectores, cuya liberalidad provocaba la mayor parte de las veces divulgando la generosidad de sus rivales.

 

Pietro de Aretino vivió en la opulencia y el fausto mientras le fue posible, alternando con el más desenfrenado libertinaje. En su palacio albergaba numerosas concubinas, entre las que se citan las seis que el llamaba las Aretinas. Contaba como sus más íntimos amigos y comensales al escultor y arquitecto Sansovino  (Iacopo Tatti, llamado “el Sansovino”. Florencia 1486-Venecia 1570) y al pintor Tiziano (Tiziano Vecellio, llamado en España Tiziano o Ticiano. Piave di Cadore, Friuli-Venecia Julia, c. 1487-Venecia 1576). Al poco tiempo de haber instalado a una nueva Aretina, preciosa joven veneciana llamada Pernia Riccia, se enamoró  locamente de ella; atacada de cruel enfermedad, la veló día y noche, y después de su muerte aquel hombre cínicamente ávido de placeres, se encerró en sus habitaciones durante más de un año, llorando a la única mujer que amó en su vida. El emperador Carlos V y el rey Francisco I le hicieron espléndidos regalos. El primero le ofreció hacerlo caballero, dignidad que Aretino rehusó.

 

Sus escritos le granjearon enorme popularidad en Italia. Gran número de personas de toda Italia, y hasta de países del extranjero, acudían a Venecia para conocerlo. Fijo siempre en sus ideas de vivir en buenas relaciones con la Iglesia, alternó sus composiciones más obscenas con obras de verdadera edificación, como:

 

1535. Della umanità di Cristo.

 

1538. Il Genesi. Una paráfrasis de los 7 salmos, en el que describe los misterios del Antiguo y del Nuevo Testamento, escrito en Venecia.

 

1540. La vita di Maria Vergine.

 

1540. Vita de Santa Caterina.

 

1543. Vita di Santo Tomasso d’ Aquino.

 

Cuando Julio III subió al solio pontificio le felicitó Aretino con un soneto, por el que fue recompensado con 1 000 coronas de oro y la orden de San Pedro. Refieren algunos de sus biógrafos que tuvo el atrevimiento de pedir primero a Paulo III, y después a Julio III, el capelo cardenalicio, fundándose en las obras religiosas que había escrito, pero ambos pontífices se negaron a la rara pretensión del autor de los Sonnetti lussuriosi.

 

Aretino fue un hombre de talento indiscutible, que si no mereció ocupar uno de los puestos más distinguidos en la literatura de su patria, fue sólo por carecer de una educación más  sólida y por su inmoralidad, si bien no llegó nunca a las libertades de Boccaccio. Aretino elogiaba en sus composiciones a muchos de los escritores  de su tiempo, como a Bembo, Alamani, Tolomei, Fracastoro, etc., que correspondían a sus galanterías poniéndole por las nubes. El mismo Ariosto le llamó el divin Pietro Aretin. A Aretino se le ha llamado a veces “escritor escandaloso”. En realidad, todos temían su incisiva pluma, siempre a disposición del mejor postor. Carlos V y Francisco I, por ejemplo, siempre se disputaron su favor. Ariosto lo llamó “el azote de los príncipes”. Durante su vida tuvo encarnizados enemigos que le causaron no pocos sinsabores. Conocida es la anécdota de aquel embajador de Inglaterra que lo molió a palos. Los enemigos de Aretino no cesaron de perseguirle ni después de la muerto el autor. Prueba de ello es el epigrama que en forma de epitafio corrió en Italia a la muerte de Aretino, el cual dice: Qui giace l’ Aretin, poeta tosco…,  etc. Su muerte fue debida a enfermedad común y no, como suponen algunos, por haberse caído de espaldas en un acceso de risa. Dejó una gran fortuna, más de un millón de florines, lo que no había logrado hasta aquella fecha ningún escritor ni poeta.

 

A continuación citaremos los escritos más dignos de citar de Aretino:

 

Obras teatrales.

 

5 comedias en prosa.

 

1533. Il marescalco.

 

1534. La cortesana.

 

1542. El hipócrita.

 

1542. La Talanta.

 

1546. El filósofo.

 

Estas obras teatrales fueron de las mejores de su época. En todas ellas se complace Aretino en la descripción de los vicios.

 

1 tragedia en verso.

 

1546. Orazia. Es la mejor de todas sus producciones teatrales.

 

Entre sus obras más conocidas y, podría decirse, pornográficas, se hallan:

 

1532-1534. Ragionamenti o Diálogos o Coloquio de las damas o Vida de las casadas y de las cortesanas. Están dedicados a Francisco I. Fueron traducidos al francés en París en 1879 con el título de Les dialogues du divin Pierre Aretin. Constituyen una pintura naturalista de la corrupción de las costumbres de alta sociedad italiana de su tiempo, revistiendo por ello un indudable valor histórico. En 1548 fueron traducidos al castellano con el título de Coloquio de las damas.

 

Entre sus obras en verso cabe destacar:

 

1521. I sonneti lussuriosi o Sonetos de lujuria. Son 16 sonetos que escribió para acompañar los dibujos de Giulio Romano (Giulio Pippi, llamado Julio Romano. Pintor y arquitecto italiano. Roma 1499-Mantua 1546. Discípulo y colaborador de Rafael). Reimpreso muchas veces.

 

1537. Due canti di Marfisa. Parodia del poema de Ariosto.

 

1538. Lagrime d’ Angelica e Orlandino. Parodia del poema de Ariosto.

 

Sus cartas.

 

1537-1557. Cartas. Dan testimonio de las costumbres del siglo XVI.

 

La obra Vida de las casadas y de las cortesanas.

 

La obra de Pietro de Aretino que analizaremos en clase es Vida de las casadas y de las cortesanas. Como hemos dicho anteriormente, se piensa que esta obra fue publicada por primera vez en Venecia, entre los años 1532-1534, con el nombre de I ragionamenti. También se le conoce por los títulos de Ragionamenti o Diálogos o Coloquio de las damas o Vida de las casadas y de las cortesanas.

 

Este libro fue el que contribuyó de una manera más directa a crear la fama de un Aretino, escritor obsceno. Están dedicados a Francisco I. Fueron traducidos al francés en París en 1879 con el título de Les dialogues du divin Pierre Aretin. Constituyen una pintura naturalista de la corrupción de las costumbres de alta sociedad italiana de su tiempo, revistiendo por ello un indudable valor histórico. La primera traducción al castellano de esta obra data de 1548. Esta traducción fue realizada por Fernán Xuárez y se desconoce el lugar en donde se realizó. Su primer título en lengua castellana fue Coloquio de las damas. De ésta se realizaron varias reimpresiones. Durante mucho tiempo, la mejor versión en español fue la de Joaquín López Barbadillo, dada en Madrid entre 1914 y 1915. Otras versiones importantes en lengua española son la de Eusebio Heras, Barcelona 1917, y la de José Bruno, Madrid 1939.

 

La versión que analizaremos en clase es la de León Ignacio, dada  en Barcelona en 1990, con 115 páginas, de la editorial Ediciones 29. De la misma manera que les he comentado antes, por favor les pido cuiden este material.

 

Esta obra está dividida en 3 partes. En la I, dividida en seis jornadas, en Roma, Nanna cuenta a Antonia, debajo de una higuera, la vida de las monjas. En la segunda, la misma Nanna, y en mismo lugar del día anterior, “quitándose en calor con el abanico de las chanzas”, narra también a Antonia, la vida de las mujeres casadas; en la tercera, y después de una apetitosa merienda, Nanna cuenta a su amiga la vida de las cortesanas.

 

La II parte está dividida en tres jornadas. En la primera, Nanna enseña a Pippa, su hija, a ejercer el oficio de cortesana, revelándole todos sus secretos e inconvenientes; en la segunda, muestra a su hija las traiciones que hacen los hombres a las “infelices que les creen”; en la tercera, Nanna y Pippa, sentadas en el huerto, escuchan a Comare y a Balia que razonan sobre el arte de la alcahueta. En varias ediciones, comenzando por la de Bengodi, con numeración aparte, sigue el “Agradable razonamiento del cojo, convertido en fraile, Lodovico putañero, en el que se contiene la vida y la genealogía de todas las cortesanas de Roma”.

 

VIII. VIDA Y OBRA DE TORCUATO TASSO. ANÁLISIS DE LA OBRA JERUSALÉN LIBERTADA.

 

Torcuato Tasso fue un destacado escritor italiano. Nació en Sorrento el 11 de mayo de 1544 y murió en Roma el 25 de abril de 1595. Fue hijo de Bernardo, también escritor, que se hallaba al nacer su hijo en el Piamonte, adonde había seguido a Ferrante Sanseverino, príncipe de Salermo, al servicio de Carlos V.

 

La vida de Torcuato estuvo llena de constantes desplazamientos. A fines de 1550 la familia Tasso se trasladó a Nápoles, y allí, en un colegio de jesuitas, hizo Torcuato sus primeros estudios, realizando rápidos progresos en el latín, el griego y la retórica. En 1554 Bernardo se estableció en Roma, llevándose a su hijo, al que en 1556, después de la muerte de su madre, envió a Bérgamo; pero a los pocos meses, se reunió de nuevo con su padre, que había fijado su residencia en Urbino, de donde pasaron los dos, a mediados de 1559, a Venecia. En esta ciudad compuso ya algunas poesías, que fueron publicadas en una colección, junto con las de otros poetas.

 

Torcuato hizo estudios de Derecho, pero no los concluyó. Abandonó esta carrera para dedicarse a los estudios de Filosofía y Elocuencia en la ciudad de Bolonia. De la Universidad de Bolonia fue expulsado en noviembre de 1564, acusado de haber escrito sátiras contra algunos de sus condiscípulos y un profesor de la Universidad. De aquí se trasladó a Padua, en donde estudió en la Academia de los Eteri. En la primavera de 1564 terminó sus estudios. Poco después entró al servicio del cardenal Luis de Ferrara. Posteriormente, su vida estaría marcada por enfermedades, huidas, temores y cambios de domicilio.

 

Principales obras de Torcuato Tasso:

 

1559-1575. Jerusalén libertada.

 

1560. Rinaldo. Poema caballeresco.

 

1566. Discursos sobre el arte poética.

 

1573. Aminta. Fábula pastoril. De gran éxito. Existe una traducción en lengua española realizada por Juan de Jáuregui entre 1608 y 1618.

 

1579. A las princesas de Ferrara. Canción. Realizada mientras estaba internado en el asilo de Santa Ana.

 

1586. Diálogos y discursos.

 

1587. El rey Turismundo.

 

1587. Gismondo. Tragedia.

 

1592-1593. Jerusalén conquistada.

 

1592. Il mondo creato. Poema.

 

1593. Las lágrimas de la Virgen María. Poema.

 

1595. Discursos del poema heroico.

 

Tasso murió cuando el papa iba a convertirlo en su poeta laureado. Sus últimas obras poéticas constituyen manifestaciones muy claras de una estética prebarroca, tanto si se trata de la recargada aparatosidad de El rey Turismundo, como de la imaginería, tan fastuosa como fría, de Los siete días de la creación del mundo. También es autor de unos Diálogos y unas Cartas, documentos capital para entender el espíritu  de la época e incluso las propias crisis de conciencia de Tasso.

 

Análisis de la obra Jerusalén libertada.

 

Jerusalén libertada es un poema épico, compuesto en gran parte, desde la primera idea hasta su conclusión, entre 1559 y 1575. Fue publicada esta obra parcialmente en 1580 y en su totalidad en 1581. El poeta dedicó esta obra, que tiene como asunto la primera cruzada y la toma de Jerusalén, a Alfonso II de Este, duque de Ferrara, y acentuó en ella la importancia concedida al héroe Rinaldo, presunto antepasado de la casa de Este. Los 20 cantos de la Jerusalén libertada son más notables por los episodios novelescos que el autor ha intercalado que por la narración de acontecimientos de tipo histórico. En tono de idilio o de elegía, describe los amores de Rinaldo y Armida, y la pasión desafortunada de Herminia por Tancredo; alcanza un tono patético en la narración de las desgracias de Olinda y Sofronia, que mueren en la hoguera; el episodio más emotivo es el de la muerte de Clorinda a manos de Tancredo, que no la reconoce hasta después de muerta. Con la Jerusalén libertada, que alcanzó un inmenso éxito, Tasso devolvió la vida a la novela de caballería, cuyo éxito había disminuido considerablemente a fines del s. XVI.

 

BIBLIOGRAFÍA

Alighieri, Dante (1986). Vida Nueva/Tratado de la lengua vulgar. México, SEP.

Aretino, Pietro de (1990). Vida de las casadas y de las cortesanas. Barcelona, Ediciones 29.

Polo, Marco (1987). Viajes. México, PORRÚA.

Prampolini, Santiago (1956). Historia universal de la literatura. Buenos Aires, UTEHA ARGENTINA, T. V.

Tasso, Torcuato (1983). Jerusalén libertada. México, PORRÚA, No. 403.

Vossler, Karl (1951). Historia de la literatura italiana. Barcelona, LABOR.

 

[4] Los Triunfos (I Trionfi). “Visión alegórica” de Petrarca, en más de 2 mil tercetos endecasílabos, divididos en 6 partes y algunas de ellas en capítulos. Su contenido es el siguiente:

I. Triunfo de Amor (Triumphus Cupidinis).

Un 6 de abril, aniversario del día en que el poeta se enamoró de Laura, se le ofrece al autor la visión del dios Amor en un carro triunfal, seguido por un gran cortejo de amantes célebres; un amigo le sirve de guía y le va indicando quiénes son esos cautivos; una muchacha aparece ante Francesco, le enamora y, así, éste se ve obligado a formar también en el cortejo hasta Chipre, donde el dios celebra su triunfo. 

II. Triunfo del Pudor (Triumphus Pudicitae).

Laura ha sometido a Petrarca, pero ella no se deja doblegar ante el Amor, a quien vence en combate, pertrechada de virtudes y ayudada por mujeres de castidad célebre; pone en libertad a los cautivos y lleva los despojos al templo romano de Venus Verticordia.

III. Triunfo de la Muerte (Triumphus Mortis).

Pero cuando Laura regresa a Provenza, le sale la Muerte y, con sólo arrancarle un cabello, la mata sin dolor; por la noche, Laura se aparece en sueños a Petrarca y confiesa que siempre le ha amado, si bien la salvación eterna le exigía disimularlo.

IV.Triunfo de la Fama (Triumphus Famae).

A su vez, la Fama triunfa de la Muerte y se adelanta esplendorosa. Tras ella marchan hombres ilustres.

V. Triunfo del Tiempo (Triumphus Temporis).

El Sol, símbolo del Tiempo, molesto al ver que la Fama le vence, sobreviviendo, apresura su carrera y su rapidez destruye toda gloria humana.

VI. Triunfo de la Eternidad (Triumphus Aeternitatis).

La vieja tierra desaparece y surge un mundo  “nuevo, en edad inmóvil y eterna”, sin pasado ni futuro, con sólo presente, donde el poeta podrá ver a Laura para siempre y gozar de su belleza.

 

Este fino hilo argumental sirve de vínculo unitario a la enumeración de los hombres y mujeres famosos que forman en cada triunfo, caracterizados por una breve nota individualizadora. Esta técnica tiene larga tradición en la poesía medieval cuyas huellas aparecen en los Triunfos: en el Anticlaudiano de Alain de Lille, en la continuación del Roman de la rose, en la Amorosa visión de Boccacio, en la Comedia de Dante.

 

Mucho se ha discutido si los Triunfos son una mera alegoría moralizante o una objetivación de experiencias vividas por el poeta; en realidad, éste parte de su propia historia, para ascender a pensamientos más amplios, de validez humana general. Así, tradición medieval, aspiración al clasicismo y subjetividad elevada a un plano de significación universal son los componentes centrales del poema. Un manuscrito autógrafo fecha un fragmento del Triumphus Cupidinis en setiembre de 1356 y el Triumphus Aeternitatis en febrero de 1374, sólo unos meses antes de la muerte de Petrarca; por lo demás, el poema quedó inacabado, falto de una revisión definitiva. La edición príncipe de la obra es la de Venecia (1470), e incluye también el Cancionero.

 

Lope de Vega (Félix Lope de Vega y Carpio. Español. Madrid 1562-1635) tiene una obra intitulada Triunfos divinos con otras rimas sacras, que es un poema narrativo escrito a imitación de los Triunfos de Petrarca. Éste consta de 5 cantos escritos en tercetos.

[5] Acis. En la mitología es un pastor de Sicilia, hijo de Fauno y de la ninfa Simetis. Fue amado por Galatea, pero Polifemo, su rival, habiéndole sorprendido un día con su amante, le estrelló contra una roca. Neptuno, a ruego de Galatea, transformó la sangre que de él manaba en el río Aci o Acis, célebre por la frialdad de sus aguas a pesar de nacer al pie del Etna, entre Taormina y Catania.

[6] Yola. En la mitología es hija de Euripo, rey de Ecalia. Su padre la ofreció al que le venciese en el arte de disparar flechas, Hércules, que estaba enamorado de Yola, aceptó la apuesta y la ganó, pero entonces el padre se negó a cumplir lo pactado y encerró a Yola en su casa. Hércules se alejó airado y poco tiempo después tomó venganza en Ifito, hermano de Yola. Los artistas griegos representaron esta leyenda frecuentemente en ánforas y vasos, pintando la lucha de Hércules y Eurito y sus dos hijos, en presencia de Yola. Existen otras versiones.

[7] Tisbe. Relato que trata una trágica historia de amor. Tisbe es una joven babilónica que protagoniza, junto a Píramo, este relato mitológico griego.

[8] Sentina. Parte baja de la bodega de un buque, donde se acumulan las aguas que se filtran por los costados y cubiertas  y que se extraen mediante bombas; de aquí que esto signifique albañal, lugar lleno de inmundicias, foco de inmoralidad, que es a lo que se refiere Ariosto en este caso.

[9] Sarracenos. Grupo del norte de Arabia, que opuso una viva resistencia a los emperadores bizantinos, y posteriormente se convirtió al islam. Posteriormente, el término fue utilizado por los occidentales para designar en general a árabes, musulmanes y moros, especialmente a los piratas que actuaron en el Mediterráneo occidental durante la alta edad media.