PAISOLOGÍA, FILOLOGÍA E IMAGOLOGÍA ITALIANAS: PRERRENACIMIENTO Y RENACIMIENTO

ESTADOS UNIDOS DE AMÉRICA. Parte de la conferencia impartida por el filólogo, imagólogo, paisólogo y lingüista cubano Fernando Antonio Ruano Faxas

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PAISOLOGÍA, FILOLOGÍA E IMAGOLOGÍA ITALIANAS: PRERRENACIMIENTO Y RENACIMIENTO / ITALIAN REGIONAL AND CULTURAL STUDIES, PHILOLOGY AND IMAGOLOGY: PRE-RENAISSANCE AND RENAISSANCE / ИТАЛЬЯНСКОЕ СТРАНОВЕДЕНИЕ, ФИЛОЛОГИЯ И ИМАГОЛОГИЯ: ПРОТОРЕНЕССАНС И РЕНЕССАНС (ВОЗРОЖДЕНИЕ)

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PAISOLOGÍA, FILOLOGÍA E IMAGOLOGÍA ITALIANAS: PRERRENACIMIENTO Y RENACIMIENTO. Comentarios del filólogo e imagólogo Fenando Antonio Ruano Faxas, registrados en su libro Crestomatía filológico-lingüística: http://openlibrary.org/b/OL22661782M/Crestomatía_filológico-lingüística .
 
 

 
 

I. INTRODUCCIÓN EN EL ESTUDIO DE LA LITERATURA ITALIANA DEL PRERRENACIMIENTO Y RENACIMIENTO: A. INTRODUCCIÓN Y PANORAMA GEOGRÁFICO E HISTÓRICO DE ITALIA, B. LA LENGUA ITALIANA, C. PRIMEROS TEXTOS ESCRITOS DE LA LENGUA ITALIANA.

  

A. Introducción y panorama geográfico e histórico de Italia.

 

Para el estudio de la literatura de cualquier pueblo, en cualquier época, el científico, el estudiante, el lector común, debe conocer cuestiones generales acerca del autor, del país del autor, de las creencias o filosofía del autor, del marco histórico y geográfico de la obra… Es decir, poseer la mayor cantidad de información posible acerca del asunto de que se trata en la obra. De lo contrario, las posibilidades de un tratamiento adecuado de la obra, del texto, en cualquiera de los aspectos posibles, se verán limitadas: http://openlibrary.org/b/OL22513217M/La_literatura_y_los_textos._El_análisis_especializado_de_la_literatura._Qué_es_literatura._Algunos_problemas_para_el_análisis_literario._El_anonimato_en_la_literatura._La_crítica_literaria_como_resultado_del_análisis_literario._Cómo_clasificar_la_literatura , http://openlibrary.org/b/OL22661782M/Crestomatía_filológico-lingüística , http://openlibrary.org/b/OL22662035M/Literatura_artística_literatura_periodística_y_literatura_científica_y_técnica._Reflexiones_para_su_traducción_._En_Actas_de_Expolingua_Habana_92._La_Habana_Academia_de_Ciencias_de_Cuba_pp._446-456 , http://openlibrary.org/b/OL23665469M/¿Por_qué_las_personas_a_veces_no_se_entienden_bien_Las_cosas_que_hacen_que_la_comunicación_verbal_y_la_comunicación_no_verbal_sean_un_problema?_Las_cosas_que_hacen_que_la_comunicación_verbal_y_la_comunicación_no_verbal_sean_un_problema . Por tal cuestión, antes de entrar a analizar el panorama del prerrenacimiento y del renacimiento italianos, hemos considerado pertinente brindar a los alumnos un panorama general de la situación actual de Italia, de su historia. Al final de esta conferencia, los alumnos podrán encontrar mapas acerca de las distribuciones geográficas de Italia a través del tiempo, mapas acerca de sus lenguas y dialectos y de los límites geográficos de este país. Esos materiales deben ser revisados, con el objetivo de poder establecer marcos aproximados en nuestros análisis. Para ampliar conocimientos en torno a este tema, los alumnos pueden consultar cualquier texto pertinente disponible en la biblioteca. Al final de nuestra conferencia recomendamos algunos materiales.
 
 
Italia es un país de la Europa meridional –del sur– que posee 301 263 km2 –México tiene 1 972 547 km2 y España 504 750 km2–. Su población es de unos 58 000 000 habitantes –México tiene unos 100 000 000 y España unos 40 000 000.
 
 
Italia tiene límites con Francia, Suiza, Austria y Yugoslavia. Dentro de Italia se encuentran ubicados dos estados independientes: San Marino y la Ciudad del Vaticano.

 

San Marino es un estado independiente de Europa, bajo la protección de la República Italiana. Está cerca del Adriático, al SE de Rímini, en la Italia central –véase mapa de Italia central–. San Marino tiene una superficie de 60, 5 km2 y unos 22 500 habitantes. Su idioma oficial es el italiano y su principal actividad económica es el turismo, con más de 3 millones de visitantes al año. San Marino se fundó en el s. IV.

 

La Ciudad del Vaticano es un estado que abarca 44 ha –superficie inferior a medio kilómetro cuadrado– dentro de los límites de la ciudad de Roma, a la derecha del Tíber –véase mapa de la Italia central–. Este es el estado más pequeño del mundo. Sus residentes alcanzan la cifra de aproximadamente 830 personas. El estado de la Ciudad del Vaticano se constituyó el 11 de febrero de 1929. El Vaticano se caracteriza porque ocupa uno de los viejos barrios occidentales de Roma. Son característicos del Vaticano sus magníficos palacios y museos, sus tradicionales costumbres y la presencia de los guardias suizos, con sus uniformes del s. XVI –única milicia existente en la actualidad. Con el Vaticano se relaciona el Catolicismo y absolutamente todos los problemas vinculados a los “herméticos” y “obscuros” manejos de las altas cúpulas de esta religión: http://openlibrary.org/b/OL23576608M/La_traducción_y_la_interpretación_de_la_Biblia._Una_disquisición_filológico-lingüística , http://knol.google.com/k/las-creencias-las-religiones-los-cultos-y-los-mitos-y-su-relaci%C3%B3n-con-las# , http://openlibrary.org/b/OL23531218M/Hacia_una_historiografía_vergonzosa_de_las_grandes_fichas_de_la_podredumbre_social_y_moral_en_México_Marcial_Maciel_los_Legionarios_de_Cristo_y_sus_gatos_cómplices_fieles_devotos_y_encubridores. , http://knol.google.com/k/an%C3%B3nimo/sexo-pederastia-paidofilia-pedofilia/19j6x763f3uf8/22# , http://knol.google.com/k/an%C3%B3nimo/sexo-pederastia-paidofilia-pedofilia/19j6x763f3uf8/19# .

 

El territorio italiano es generalmente montañoso, aunque presenta algunas llanuras. En Italia se encuentran dos grandes cadenas montañosas: los Alpes y los Apeninos. En los Alpes y los Apeninos llueve con mucha frecuencia.

 

Italia tiene unos cuantos ríos. De ellos nos son familiares por sus constantes menciones en las literaturas latina e italiana el Po, que es el mayor río italiano; el Arno, muy caudaloso, en cuyas orillas se alza la bella Florencia, una ciudad maravillosa, que trataremos en detalle en nuestras conferencias, ubicada en la región de Toscana, en la Italia central –véase mapa de Italia central–, cuna de los tres toscanos: Dante, Petrarca y Bocaccio y el Tíber, que baña a Roma.

 

En Italia hay paisajes muy hermosos, pero debemos destacar las vistas de Toscana y Campania; la primera ubicada en la Italia central, la segunda en la Italia meridional. Los paisajes de la Toscana y de Campania se consideran modelos de armonía entre hombre y naturaleza.

 

En   estos   momentos  Italia  está  dividida  en  20  regiones  administrativas –véase mapa de división administrativa de Italia–. Ahora bien, no todas ellas gozan de los mismos derechos: 5 de ellas poseen mayor autonomía. Tres de ellas están en el norte: Valle de Aosta, Trentino-Alto Adigio y Friuli-Venecia Julia,  y las otras 2 son las grandes islas de Cerdeña y Sicilia.

 

La Italia de hoy es una Italia muy reciente, debido a que se unificó a finales s. XIX. Italia, como México, o España, ha pasado por períodos convulsos, de hostilidad, guerras internas, de invasiones extranjeras, de desunión de los grupos étnicos que constituyen la región y, como toda la otra Europa, por varias divisiones geográficas –véanse los mapas de la Italia bizantina y lombarda, de Italia en los ss. XII y XIII, de Italia entre 1860 y 1870, de 1714 a 1748, de 1815 a 1848 y de la Italia actual–. Si quisiéramos analizar a Italia, habría que realizar divisiones en la historia. De tal manera, podríamos considerar, por ejemplo, los siguientes períodos:

 

1.                  La Antigüedad. Se tienen datos de Italia desde el 2800 a.C. hasta el s. IV de Cristo.

 

2.                 El fin del imperio de occidente y los inicios de la Edad Media:

 

A.                Las invasiones y el fin de la época romana (395-477).

 

B.                De Teodorico a los lombardos (489-568).

 

C.                Lombardos y bizantinos (568-774).

 

D.                La Italia carolingia (774-962).

 

3.                 La Italia imperial (962-1266).

 

4.                 El esplendor comunal (parte del s. XIII-XIV-XV [1493]).

 

5.                 La dominación extranjera (1494-1786).

 

6.                 El Risurgimiento y la unidad (1789-1861).

 

A.                Italia y la Revolución francesa.

 

B.                Bonaparte y las campañas de Italia.

 

C.                Italia Napoleónica.

 

D.                La restauración y el fracaso de las revoluciones románticas.

 

E.                El movimiento nacional y la revolución de 1848.

 

F.                 El nacimiento del reino de Italia (1859-1861).

 

7.                 El reino de Italia (1861-1945).

 

A.                La izquierda en el poder.

 

B.                La era Giolitti (1900-1915).

 

C.                La primera guerra mundial y la victoria mutilada.

 

D.                La dictadura fascista (1922-1939).

 

E.                La guerra y el fin del fascismo.

 

8.                 Italia desde 1945 hasta la actualidad.

 

A.                De 1945 a 1948.

 

B.                De 1948 a 1953.

 

C.                De 1953 a 1958.

 

D.                La era Fanfani (1958-1963).

 

E.                De 1963 a 1968.

 

F.                 De 1968 a 1976.

 

G.                Después de 1976.

 

Como sabemos, los pueblos modernos, actuales, se han formado gracias a la interacción de muchos grupos étnicos a través de la historia. De tal manera, la España actual es el resultado de la herencia que dejaron pueblos como: turdetanos, bastetanos, oretanos, mastienos, edetanos y contestanos, indiketes, ausetanos, cesetanos, laietanos, ilercavones, lacetanos, suesetanos, iberos, tartesios o turdetanos, fenicios, griegos o helenos, celtas, ligures, romanos, germanos, hebreos, árabes y bereberes. El México actual es el resultado de la interrelación de grupos étnicos como los paipais, kiliwas, cucapás, cochimís, seris, tequistlatecas o chontales, chinantecos, matlatzincas, ocuiltecos, zapotecos, tehuanos, soltecos, chatinos, papabucos, mixtecos, cuicatecos, triques, amuzgos, mazatecos, zoques, popolucas, huastecos, mayas, chontales, tzeltales, tzotziles, tojolabales, mames, tecos, motocintlecos, pimas, tepecanos, tarahumaras, cahitas, coras, huicholes, aztecas, tarascos, kikapúes, europeos y negros. Así, la Italia de hoy es el resultado del contacto de grupos como: picenos, sabelios, samnitas, lucanios, ecuos, hérnicos, volscos, umbrios, mesapios, apigios, liburnos, vénetos, griegos, germanos, árabes, etc. De aquí que las características físicas y psíquicas de los italianos sean variadas. Es verdad que existe una cultura latina, que hace referencia a los pueblos conquistados por Roma, a los pueblos de habla romance o neolatina, pero no se puede hablar de una raza latina: http://knol.google.com/k/por-qu%C3%A9-nos-llaman-latinos-qui%C3%A9nes-son-los-latinos-y-cu%C3%A1l-es-su-origen-y-el# . En cuanto a grupos étnicos actuales, en Italia se distinguen 3 grupos:

 

1.      Grupo mediterráneo: moreno, vivaz, de estatura algo baja y cráneo estrecho; es muy parecido al catalán y al provenzal. Ubicados en la península y las islas.

 

2.      Grupo alpino: de cabellos castaños, cráneo ancho, estatura media y caminar algo pesado. Ubicados en la Italia noroccidental.

 

3.      Grupo dinárico: de cabellos oscuros, cráneo ancho y alto y estatura elevada, como los yugoslavos. En el área de Venecia.

 

En Italia –como en la mayor parte del mundo–, muchos de los caracteres étnicos han cambiado, otros se han alterado completamente, otros se han reforzado, debido a las infiltraciones locales de pueblos nórdicos y mediterráneos en todo el país. Por tal cuestión es difícil delinear la figura del italiano medio. Tal vez el aspecto más aparente del italiano sea su cordialidad. Los italianos y los latinoamericanos, en especial los mexicanos por regla general, se parecen un poco en lo tocante a la impuntualidad. Creo que en este sentido hay que destacar que tal parece que aquéllos y éstos no acuden puntualmente a las citas porque, en el fondo, según ellos, no hay nada que sea realmente urgente. En la actualidad la mayoría de los italianos son católicos. La Iglesia Católica goza de un trato privilegiado, y conserva gran poder social y económico, estando las costumbres –como en España y México– impregnadas por su influencia. Recordemos que Roma ha sido el centro del cristianismo a lo largo de 2 milenios (Ruano, 2006). 

 

En Italia se han observado grandes movimientos migratorios. Muchos italianos se han dedicado al comercio, a la marinería, porque la  geografía italiana lo permite. Recordemos que ya en los viajes de la Conquista o “el encuentro de los dos mundos” aparecían los italianos. Se cree que Cristóbal Colón (¿1451?-Valladolid 1506) nació en Génova, puerto principal de Italia, actual capital de Liguria, y Américo Vespucci (1451-Sevilla 1512), ese célebre navegante que realizó 2 ó 4 viajes a América, nació en Italia, en Florencia. En las últimas décadas del s. XIX se observa un crecimiento de la población italiana y, a su vez, se incrementa la migración a ultramar –fuera de Italia–. Este movimiento se observa hasta el comienzo de la primera guerra mundial. Los Estados Unidos, la República Argentina, Brasil, Australia, Canadá y otros países recibieron a más 10 millones de italianos. La guerra, las dificultades económicas posteriores y el advenimiento del fascismo, que puso trabas a la emigración, redujeron en gran medida la salida de los italianos del país, aunque, tras la segunda guerra mundial, se reanudó el flujo migratorio, esta vez dirigido sobre todo a los países del norte de Europa, y con carácter generalmente temporal.

 
 
De las ciudades más importantes de Italia se destacan:

 

1.            Roma, la capital política.

2.            Milán, la capital económica.

3.            Florencia, la capital cultural.

 

Habíamos dicho anteriormente que la Italia de hoy es el resultado de la convivencia de muchos grupos étnicos a través de la historia. De aquí que en Italia no sólo se hable la lengua italiana o una sola variante dialectal del italiano. Es muy importante considerar esta cuestión en vista de que la literatura italiana se ha registrado en varias lenguas y dialectos y, a través de la historia, el problema de la literatura dialectal de Italia ha sido punto central de grandes disputas. Al respecto podemos mencionar las reflexiones que desde el s. XIII hacía Dante sobre este punto, las cuales aparecen reflejadas en su importantísima obra De la lengua vulgar. Es imposible considerar la literatura italiana sin tocar en nuestras discusiones este asunto.

 

Para comprender el vigor de los dialectos italianos tenemos que recordar que el latín se fue imponiendo paulatinamente en pueblos muy distintos de la Italia de hoy y, por lo tanto, no pudo transformarse en todas partes de la misma manera. De ello se deriva la formación de varios dialectos. Esto mismo pasó en España con la imposición de la lengua castellana o española, donde vemos que existen varios dialectos o formas de hablar y de escribir el español: español septentrional, español aragonés, español meridional, el español andaluz, el español extremeño, el español murciano, el español canario, el judeo-español o ladino, etc. En México ha sucedido lo mismo. Debido a las variedades geográficos y las zonas de asentamiento de los grupos nativos o amerindios registrados en México, hoy se consideran en los Estados Unidos Mexicanos unas 17 variedades dialectales de la lengua española. Ellas son: yucateco-campechano, tabasqueño, veracruzano meridional, zona veracruzano, chiapaneco, juchiteco, altiplano oaxaqueño, altiplano meridional, michoacano, hablas occidentales, altiplano central, hablas del noroeste, chihuahuense, bajacaliforniano septentrional, hablas del noroeste y zonas de transición –véase mapa de los dialectos actuales del español de México.

 

En Italia se hablan y se escriben otras lenguas aparte del italiano, tales como alemán,  francés  –o franco-provenzal–,  eslavo,  albanés,  griego  y  catalán –véase mapa de lenguas y dialectos en Italia–. En realidad estas lenguas son minoritarias. Las entidades numéricas de estos pequeños grupos se van reduciendo, porque las nuevas generaciones sólo hablan italiano.

 

En lo tocante a los dialectos de la lengua italiana, la clasificación abarca 3 grupos:

 

1.                 Septentrional: piamontés y lombardo (influencia francesa y alemana).

 

2.                 Toscano.

 

3.                 Centro-meridional: toda la Península, menos Toscana y las islas.
 
 
En Italia se inició la latinidad, esa latinidad que alcanzó a América, por lo que hoy nos llaman “latinos” en el mundo entero, pero principalmente en los Estados Unidos de América: http://knol.google.com/k/por-qu%C3%A9-nos-llaman-latinos-qui%C3%A9nes-son-los-latinos-y-cu%C3%A1l-es-su-origen-y-el# .

 

 

B. La lengua italiana.

 

A diferencia de las otras grandes lenguas europeas, el italiano se mantuvo durante mucho tiempo como una koiné –dialecto común– supradialectal, una lengua reservada a algunos grupos geográficos y a una restringida élite sociocultural, dentro de un marco de usos limitados –literatura, actos administrativos, intercambios comerciales, viajes–; y sólo pasó a ser una lengua oficial a partir de 1861.

 

Hacia 1860, el italiano sólo contaba con 600 000 hablantes, sobre los 25 millones de habitantes de Italia, o sea, un 2, 5 % de la población. Sin contar Roma y la Toscana, los que habían logrado aprender el italiano eran 160 000 sobre una población de 20 millones, es decir, eran tan poco numeroso como los alóglotas, los habitantes de la península que no hablaban un dialecto italiano.

 

La rápida adquisición del italiano por millones de hablantes durante las últimas décadas, a través de la escuela, el servicio militar, los medios de difusión de masas, la emigración y las migraciones internas, ha roto bruscamente el marco de la dialectofonía dominante, de manera que existen varias modalidades de italiano que corresponden a las distintas zonas dialectales: el italiano está diferenciado desde el norte hasta el sur –Toscana y Cerdeña se consideran aparte por diferentes razones–. La lengua de Roma actúa en el sur como un modelo de italiano particularmente prestigioso, mientras que la de las ciudades septentrionales ejerce una influencia más limitada. Las diferencias suelen ser sutiles, pero suponen connotaciones relativas al origen geográfico y a la clase social, especialmente entre los meridionales.

 

La realidad lingüística de la Italia de hoy se puede ver en el siguiente atlas […]

 

C. Primeros textos escritos de la lengua italiana. Panorama desde la antigüedad hasta el s. XIII.

 

Los primeros documentos en lengua italiana datan de 960: se llaman Placiti cassinesi, y tratan problemas de límites en la región de Cassino, en Lacio. En realidad, este tipo de lengua es un latín tardío. Luego tenemos que, tal y como sucedió en España, la Iglesia Católica ejerce una decidida influencia en el cambio lingüístico. En España sucedió esto con los monasterios, los frailes y las llamadas glosas; en Italia con los trabajos de Francisco de Asís (Fraile y escritor. Asís c. 1182-id. 1226) y Jacopone da Todi (Jurista, fraile y poeta. Umbría 1230-id. 1306).  En Toscana, en la segunda mitad del s. XIII, el desarrollo de las actividades productivas y de los intercambios comerciales y la democratización de las estructuras políticas en el marco de la sociedad comunal crearon las condiciones de acceso a la cultura para capas más amplias que las de los letrados tradicionales. Se desarrolló así la necesidad de una lengua nueva, el “vulgar ilustre”, que permitiera participar en el conocimiento y en el saber a los que no entendían  el latín. Las obras más importantes en Italia para el siglo XIII fueron las de poesía religioso-didáctica, sobre todo en el norte. Es de destacar el Libro del tesoro (c. 1265), de Brunetto Latini (Erudito y maestro de Dante. Florencia c. 1220-id. c. 1294), que es una compilación de la ciencia del tiempo, mezclado con leyendas. Otro libro muy importante de la época fue el Libro de Marco Polo, también llamado El descubrimiento del mundo,  El millón y Libro de las maravillas del mundo. Este material, ubicado en el marco de la literatura artística, de la literatura periodística y de la literatura científico-técnica,[1] de gran popularidad según testimonio de los múltiples manuscritos presuntamente originales y el número de traducciones, es una descripción  de China acompañada de un repertorio de sus instituciones y creencias, así como de la crónica de los quince años de actividad política y comercial de su autor, Marco Polo, lo cual se ubica entre 1275-1291. Entre 1296 y 1299 Marco Polo estuvo encarcelado debido a una batalla que se produjo entre Génova y Venecia. En la cárcel, Marco Polo dictó la relación de sus viajes a un tal Rustichello, escritor de profesión, quien la escribió en francés por razones de difusión. Este documento fue el que aportó a occidente el primer testimonio preciso sobre Extremo oriente y, como era de esperar, chocó con la incredulidad de sus contemporáneos. Este libro desempeñó un importantísimo papel en la divulgación de los mitos sobre las fabulosas riquezas de China y sus países vecinos. Marco Polo fue un viajero veneciano (Venecia 1254-id.1324) de origen dálmata que estuvo 17 años al servicio del gran kan Qubilay, hijo menor de Gengis Kan, fundador del imperio mongol. El Novellino, anónimo libro de relatos y leyendas florentino, es otro escrito importante de esta época italiana. Es una colección de novelas cortas recopiladas, probablemente, en Florencia, entre 1280 y 1300. También se le ha conocido por los títulos de Libro di bel parlar gentile y de Cento novelle antiche. Este material se atribuye a dos autores distintos que se proponían ofrecer a un público no especializado una antología concreta de la sociedad cortesana. Los materiales que he mencionado constituyen la muestra más destacada de la prosa popular del s. XIII de la literatura italiana. Para considerar las historias de Marco Polo, pueden verse: http://www.youtube.com/watch?v=gqu-pC6zUHQ , http://www.youtube.com/watch?v=BTF2mgsKO7A&feature=related , http://www.youtube.com/watch?v=AhCU8E6Sy-c , etc.
 
 

II. LA LITERATURA ITALIANA: DESDE SUS INICIOS HASTA EL S. XIII. OBRA TRASCENDENTAL DEL PERIODO: VIAJES, DE MARCO POLO.

 

Los más antiguos textos italianos proceden de las ciudades de Capua y de Teano –ciudades de Italia, al N de Campania, en la provincia de Caserta–. Están fechados en 960 y 964 respectivamente. Son declaraciones de testigos en actas judiciales, que, por lo demás, están redactados en latín (Vossler, 1951: 18).

 

En los orígenes de la literatura italiana encontramos textos registrados en una lengua mixta, donde los idiomas provenzal y latín eran la base, pero con formas y voces de dialectos itálicos. En el caso del provenzal –o francés– ligado con formas y voces de dialectos itálicos tenemos las composiciones de Alberto Malaspina, de Ferrari de Ferrara, Cigalo de Génova y Zorzi de Venecia. En el caso de la lengua latina con formas y voces italianas tenemos las muestras de Guido delle Colonne de Mesina, con su obra Historia destructionis Troiae.

 

En los principios de la literatura italiana se observan dos corrientes:

 

1. La corriente septentrional –del norte–, narrativa, escrita en dialecto lombardo-veneciano, con influencia francesa. Debemos destacar que esta influencia francesa proviene de una agonizante poesía del sur de Francia, que encontró una nueva colonia en Sicilia y en Italia meridional, en la corte del príncipe más genial de la Edad Media: Federico II (Vossler, 1951: 20-21). Autores importantes:

 

Giacomino de Verona: monje franciscano italiano, de la segunda mitad del s. XIII., autor de dos poemas sobre las penas del infierno y el gozo del paraíso, considerados como antecedentes de la Divina Comedia. Estos poemas son De Jerusalem celestiDe la celestial Jerusalén– y De Babilonia civitate infernaliDe Babilonia, ciudad infernal.

 

Bonvesino de Riva: poeta y religioso italiano (Milán c. 1240-† 1313). Es autor de una Vita schlastica, tratado pedagógico, compuesto de 468 dísticos –estrofa de dos versos–, dividido en dos partes, en el que enumera las obligaciones de alumnos y maestros, y de El libro de las tres escrituras (1274), poema en dialecto lombardo, que trata de las desgracias humanas y los tormentos del infierno.

 

2. La corriente meridional –del sur–, poética y lírica, escrita en dialecto siciliano. Autores importantes:

 

Ciullo d’ Alcamo: poeta italiano del s. XIII, nacido en Alcamo, Palermo, perteneciente a la escuela poética de Sicilia. Es autor de un debate titulado Rosa fresca aulentissimaRosa fresca fragantísima–, compuesto entre 1231 y 1250.

 

En el reinado de Federico II (1194-1250), rey de Sicilia como Federico I (1197-1250) y emperador germánico (1220-1250), en Italia aparece una escuela particular llamada sículo-provenzal, en la que se destacan con sus poesías trovadorescas diferentes autores, tales como: Pietro della Vigna (Capua 1190-cerca de Pisa 1249), que tuvo sobre Federico II una influencia notable, llegando a ser ministro y consejero de este rey; autor de discursos y epístolas en latín y, en italiano, de poemas de amor, inspirados a menudo en la poesía provenzal, lo que le convirtió en uno de los jefes de la escuela de la Magna curia. En 1247 cayó en desgracia, y, encarcelado, se suicidó poco después. Dante ha hecho de él el protagonista de un episodio de la Divina Comedia. Otros autores son Inghilfredi, Jacopo d’ Aquino y Rugieri Pugliese.

 

En el siglo XIII, en la región de Umbría, en la ciudad de Perugia, célebre por sus tradiciones culturales y artísticas, aparece ya pujante la literatura italiana debido a la fuerza religiosa de San Francisco de Asís (Asís c. 1182-id.1226). Su Cantico del JoleCántico al sol–, que compuso ya gravemente enfermo, es muy conocido. Este cántico está cargado de ingenuidad y frescura y se destaca la pureza en el estilo.

 

Seguidor de esta corriente religiosa en la literatura italiana es el poeta Jacopo de Benedetti, más conocido por Jacopone de Todi (Todi 1230- Umbría 1306), quien fuera brillante abogado y, a raíz de la muerte de su esposa Vana, abandona su porvenir para convertirse en un humilde hermano lego de la orden franciscana. Es autor de laudes (alabanza, composición poética de carácter religioso; el modelo italiano de este tipo de composición es Il cantico delle creature de san Francisco de Asís, compuesto aproximadamente para el año 1224) en dialecto umbro, en un lenguaje sencillo y coloquial. Algunas de estas laudes en forma dialogada, como el Planto de la Virgen en la pasión de su hijo Jesucristo, constituyen el primer esbozo del teatro sacro –sagrado– italiano.

 

En ocasiones se ha comentado que, tal vez, en la lírica de Jacopone y de los demás juglares religiosos esté todo el verdadero arte de la naciente literatura italiana. “La razón –comenta Ferro Gay– hay que buscarla en el hecho de que brota espontáneamente de los sentimientos de un pueblo, en los inicios de su civilización, sentimientos que los poetas traducen en arte, conquistando así una verdad, que se siente antes de poseerla” (Ferro Gay, 1972: 19). En los pequeños poemas religiosos de Jacopone de Todi no encontramos artificios y sí la sinceridad del fervor religioso.

 

Todo parece indicar que el drama italiano comienza con Raniero Fasani, llamado “el Ermitaño”, con sus Laudi o diálogos piadosos, escritos en dialecto de Umbría.

 

El  documento más  importante  que  posee  la  prosa  italiana en sus principios –desde el punto de vista cultural, literario y científico–, es I viaggiLos viajes–, de Marco Polo (Venecia 1254-id. 1324). Por tal cuestión, nos detendremos en el análisis de este célebre personaje y su obra.

 

Marco Polo desciende de una familia de origen dálmata –actual región de Yugoslavia, junto al Adriático–, que se estableció en Venecia a principios del s. XI, y allí prosperaron como mercaderes. El padre de Marco Polo, Niccolò, y su tío Matteo, iniciaron con éxito la vocación exploradora de la familia al convertir una gira comercial en un inmenso viaje que les condujo a Bujará –ciudad del actual Uzbekistán– y luego a Pekín –China–, donde el gran kan –soberano supremo–, interesado al ver “latinos”, les acogió como invitados. Partieron en 1255 y regresaron en 1269, con un mensaje del gran kan Qubilay, hijo menor de Gengis Kan –fundador del imperio mongol– para el papa: el jefe de los cristianos era amistosamente invitado a enviar otros visitantes a China. En 1271 partieron de nuevo los dos hermanos, junto con Marco, de 17 años. De tal manera, luego de un largo viaje, que comienza y termina en Venecia, después de conocer toda Asia,  Marco Polo relata lo que vio durante 17 años al servicio del gran kan y otros 8 de viaje. Es así que después de 25 años, en el año de 1295, regresaron los Polo a Venecia.

 

Este viaje de Marco Polo marcó la primera de las grandes exploraciones que se hicieron a Asia, y las indicaciones que dejó el explorador constituyeron durante mucho tiempo las únicas fuentes para el estudio de la geografía y la cartografía del Extremo Oriente.

 

De regreso a Venecia, no fueron conocidos los tres expedicionarios por sus propios parientes, pues los tres Polo habían olvidado casi completamente la lengua materna. Iban, además, pobremente vestidos, con telas rústicas, a la usanza de los tártaros –pueblo de origen turco y mongol que vivió en la Europa occidental–, por lo que al principio fueron tomados por sus compatriotas como aventureros. Luego de ser reconocidos por sus familiares y amigos, se instalaron los Polo en el que fuera su castillo y, así, llevaron una vida normal. Pero sucedió que poco tiempo después estalló una guerra entre Génova y Venecia y Marco Polo, no olvidando sus deberes de patriota, se fue a la lucha. En la batalla naval que se libró en el Golfo de Layas en 1296, Marco Polo fue hecho prisionero de los genoveses, que obtuvieron una victoria sobre sus contrarios. En la cárcel, Marco Polo dictó sus historias a un tal Rusta Pisano –llamado generalmente Rusticiano de Pisa o Rustichello–, su compañero de prisión. En 1298 Marco Polo fue liberado y regresó a Venecia, donde se casó y tuvo tres hijas: Moretta, Faustina y Bellela.

 

Los viajes, también llamado El descubrimiento del mundo, El millón, Libro de las maravillas del mundo y El libro de Marco Polo, viene a ser una verdadera descripción histórica y geográfica de gran parte de Asia. Lo exacto de las descripciones de Polo se ha reconocido casi siempre en las modernas exploraciones. La aparición de esta obra produjo en Europa un efecto extraordinario, maravillando a la gente. Incitó, además, el celo de los misioneros apostólicos para atraer a la religión  católica a los pobladores de los territorios asiáticos descritos por el ilustre veneciano, y muchos fueron los que por tal motivo se dirigieron a aquellas zonas. Este libro también sirvió para desvanecer muchas leyendas que se habían creado en torno a Asia, regenerándose de este modo las ciencias históricas y geográficas. Se cree que el primer texto que escribió Rustichello sobre los viajes de Marco Polo estaba o en latín o en francés, y que luego se tradujo al italiano. Esta obra gozó de gran popularidad, de lo que dan testimonio los múltiples manuscritos presuntamente originales y el número de traducciones. Este libro chocó con la incredulidad de sus contemporáneos, los hombres de la Edad Media.

 
 

III. EL DOLCE STIL NOVO. PANORAMA HISTÓRICO-LITERARIO DE ESTE MOVIMIENTO POÉTICO QUE FLORECIÓ EN LA TOSCANA, EN FLORENCIA, A FINES DEL S. XIII.

 

En nuestras conferencias anteriores habíamos comentado que la Italia del siglo XIII tuvo una influencia francesa muy acusada. Ahora bien, estamos hablando de la Edad Media, de ese siglo XIII del que Dante vivió 35 años. Estamos hablando de finales del siglo XIII, etapa en la que floreció en Italia, concretamente en Florencia, el dolce stil novo, ese maravilloso movimiento poético que el mismo Dante denominó en Purgatorio, XXIV, 57. Entonces: cuál era el ambiente literario de la Italia de la época, qué se leía, cuáles eran los temas preferidos de los florentinos, de los toscanos, de los peninsulares. Para esta época se adaptan en Italia novelas caballerescas francesas. Una de esas imitaciones, de esas adaptaciones, se hizo en Italia a partir del Roman de la Rose, que es un poema alegórico y didáctico francés, compuesto de dos partes, la primera de las cuales se escribió hacia 1236 por el poeta francés Guillaume de Lorris (Lorris-en-Gâtinais, entre 1200 y 1210-† d. 1240). Este poema describe, dentro del cuadro ficticio de un sueño, la tentativa de un enamorado de poseer el ser amado, representado por una rosa. En este cuadro se mueven personajes alegóricos, que representan las distintas clases de ayuda que encuentra el protagonista: Piedad, Franqueza, Buena Acogida, o los obstáculos que se oponen a sus deseos: Maledicencia, Celos, Vergüenza, Peligro. La segunda parte se redactó entre 1275 y 1280, por otro escritor, un poeta satírico, llamado Jean Clopinel de Meung (Meung-sur-Loire c. 1240-París 1305). Esta segunda parte es totalmente diferente a la primera en cuanto a estilo e inspiración. Es una enciclopedia y una sátira áspera, y aunque el autor conserva el cuadro y los personajes de su antecesor, de Guillaume de Lorris, incluye numerosas digresiones, en las que se traducen pasajes de autores antiguos. Jeang de Meung combate atrevidamente  las supersticiones y creencias de su época, e incluso socava la teoría del derecho divino, ataca la avaricia y los vicios de los monjes, y el mismo fundamento de la institución monacal. Se encarniza con el amor y las mujeres, a las que su predecesor rodea de una veneración religiosa. La virulencia y el sarcasmo sustituyen a la anterior delicadeza y reaparecen la ciencia de la antigüedad y su naturalismo panteístico.

 

Otro texto copiado, adaptado, imitado, en Italia es el Roman de Renart, que es una colección de poemas franceses, pertenecientes a los siglos XII y XIII, cuyos protagonistas son animales. Se sabe que fueron muchos autores los del Roman de Renart, pero sólo se conoce a uno de ellos, a Pierre de Saint-Cloud, poeta francés del siglo XII. Éste escribió los textos más antiguos y mejores del Roman de Renart para aproximadamente el año de 1175. En estos poemas los animales importantes son los siguientes: el zorro (Renart), el lobo (Isengrin), el león (Noble), el oso (Brun), el asno (Baudouin), el gato (Tibert), etc. Casi todos son víctimas de la astuta perversidad de Renart. Algunos de estos relatos están inspirados en fábulas de la antigüedad o en la tradición popular.

 

Es más, para esta época no faltan en Italia los escritores que escriben en francés, como Brunetto Latini (1220-1294), maestro de Dante y autor de una enciclopedia titulada Li livres dou tresor (El libro del tesoro), o el navegante veneciano Marco Polo (1254-1324), que ya vimos en clase, que escribió su Le livre de Marco Polo, citoyen de Venise (El libro de Marco Polo, ciudadano de Venecia), en 1298.

 

En el siglo XIII aparece en Europa una trascendental literatura: la literatura goliárdica, la poesía goliárdica, una de las manifestaciones literarias más importantes de toda la Edad Media.

 

¿Qué significa goliardo? ¿Por qué se usó tanto esta palabra en la Edad Media? Durante todo el siglo XIII, en especial, se usó entre otras la voz goliardo para designar a los clérigos vagabundos, a los estudiantes pobres y apicarados que, al arrimo de las grandes universidades recién fundadas, vivían una existencia al margen de toda convención, a menudo cercana a la delincuencia y en un contexto de depravaciones y perversiones morales y sexuales. El tipo humano del goliardo era conocido desde muchos siglos atrás: el Concilio de Nicea -año 325- condenaba ya a los eclesiásticos que anduvieran errabundos “de ciudad en ciudad”; en el siglo VIII, un comentarista de la Regla benedictina menciona a ciertos monjes que pasaban su vida en los caminos, alojándose cortas temporadas en los conventos que encontraban a su paso, fingiéndose peregrinos; muchos textos canónicos aluden a sacerdotes entregados a la vagancia e incluso resueltamente entregados a la mala vida. Desde fines del siglo XIII, la aparición de las universidades europeas y, paralelamente, el auge de las sociedades urbanas ofrecen nuevas metas al deambular de tales clérigos –en la acepción medieval de “cualquiera que se dedique al estudio”–. Y alrededor de 1200 se populariza para ellos un nuevo calificativo: se les sabe amigos de la gula, golosos, gente de buen gaznate y excelente tragadera –geule, en francés– y por ello empieza a llamárseles guliarts o goliarts, palabra latinizada como goliardus y por asociación fonética con Goliat, el gigante filisteo de quien habla la Biblia y a quien desde fecha  temprana se tomó por símbolo del diablo, de la maldad. Los goliardos componían poemas goliárdicos. Estos poemas se conservan en general en cancioneros colectivos, el más célebre de los cuales es Carmina Burana, un manuscrito descubierto en la abadía benedictina de Beuron –del que toma su nombra–, en Babiera, Alemania. Este texto fue redactado hacia 1230 y contiene una variada colección de obras líricas –algunas con neumas, signo de notación musical que se colocaba sobre las sílabas del texto, empleado en los libros litúrgicos de los ss. VIII a XII, bajo las líneas del texto– en latín y bajo alemán, que reúne cantos de amor, poemas satíricos, autos litúrgicos, canciones de taberna. Son obras anónimas que representan una parte del repertorio de los goliardos. La poesía goliardesca reúne multitud de experiencias literarias anteriores. La obra literaria goliardesca recoge los “sentimientos” y las “vivencias” de la vida mundana.

 

Las grandes universidades de la Europa del siglo XIII estaban llenas de estudiantes, en su mayoría jóvenes y pobres, que para ganarse el sustento ejercían oficios más o menos juglarescos, y manifestaban una evidente relajación moral. La poesía goliárdica siente predilección por tres temas: la crítica eclesiástica, el ambiente de las escuelas y la naturaleza y el amor. El goliardo canta el goce del amor sensual, exalta el placer del vino y del juego, satiriza con la máxima virulencia todos los órdenes de la vida eclesiástica, parece mofarse de todo, ser un desarraigado que vive al margen de toda convención social.

 

Como los goliardos –llamados en España “sopistas” y a veces “tunos”– eran “clérigos que llevaban una vida irregular”, “gente del demonio”, “individuos muy cultivados pero perversos” asociados a un inframundo de lujuria de todo tipo, se tenía que buscar una excusa para explicar las conductas desatinadas de estos “hijos descarriados de la iglesia”, de estos curas lujuriosos y dados a la borrachera y la buena vida, y así se crearon las leyendas de que los “súcubos” o demonios femeninos –había demonios masculinos llamados “íncubos” que poseían a las mujeres– que se transformaban en mujeres extremadamente hermosas seducían a los goliardos. Entre los súcubos más famosos de la Edad Media estaban Lilit, Mancerinio, Bietka, Vasordie, Abrahel, Baltazo, Filotano, Florina… Veamos las siguientes imágenes de súcubos […]

 

A medida que se efectúa el tránsito del siglo XIII al XIV, el panorama de la literatura europea manifiesta síntomas crecientes de un cambio de gran alcance; las formas literarias hasta ahora de mayor prestigio aceleran su proceso de decadencia: la lírica provenzal prácticamente ha muerto, y el intento de resucitarla que llevan a cabo los burgueses de Toulouse en 1323 -fundación del consorcio que otorga premios anuales, origen de los Juegos Florales[2]– será estéril; la canción de gesta sobrevive en imitaciones sin interés, la novela caballeresca evoluciona hacia otras concepciones, la poesía de los goliardos desaparece. A la abrumadora hegemonía literaria de Francia va a suceder ahora un largo período de tres siglos de hegemonía italiana.
 
 

ЯRConsultores de Imagen Social®        Imagólogo, paisólogo, filólogo y lingüista   Fernando Antonio Ruano Faxas 
CICLO  DE  CONFERENCIAS  SOBRE  FILOLOGÍA  E  IMAGOLOGÍA  MEDIEVALES

Literatura y arte medievales
Diapositiva
239
Estados  Unidos  de  América       
ruanofaxas@gmail.com
Goliardos, súcubos e íncubos
 
 
 

Es de tal manera que surge en la Italia central un movimiento que florece concretamente en la Toscana, en Florencia, a fines del s. XIII, que llevaría el nombre de dolce stil novo. Los stilnovisti propugnan un arte más depurado, con una mayor originalidad y belleza de las imágenes, con un lenguaje poético más refinado y sutil, más intelectualizado, capaz de transcribir los menores matices de la concepción amorosa que lleva aparejados. La dama ya no es la “domina” o señora feudal de los trovadores, sino un prototipo de virtudes humanas, una mujer espiritualizada que se convierte en un símbolo angelical, en la donna angelicata, y su presencia, humilde, serena y honesta, basta para sublimar el pensamiento del enamorado; sólo con su mirada puede conducirle a la perfección y a la virtud. Entonces: ¿quiénes son los más trascendentales escritores stilnovisti? Veamos a algunos de ellos.

 

El iniciador de estas actitudes fue el poeta italiano Guido Cavalcanti (Florencia, Toscana, 1255-1260-id. 1300). Guido Cavalcanti perteneció a una noble familia güelfa -partido político italiano cuyo nombre proviene de un apellido alemán: Welf, duques de Baviera-, pero simpatizaba con el gibelinismo -el otro partido italiano contrario al güelfismo, que toma su nombre del apellido alemán Hohenstaufen, duques de Suabia-. Es por ello que contrajo matrimonio con la hija del jefe gibelino Farinata degli Uberti. En 1292 efectuó una peregrinación a Santiago de Compostela, y, al parecer, durante su estancia en Touluse, Francia, conoció en la iglesia de la Daurade a la dama que llama Mandetta. Debido a sus ideas políticas fue desterrado de su ciudad en junio de 1300 y pasó a Sarzana, en Italia, Liguria, donde contrajo la malaria que le ocasionaría la muerte poco después de su regreso a Florencia. Cavalcanti fue íntimo amigo de Dante, quien le cita muy elogiosamente en diversos pasajes de La vida nueva, la Comedia y De vulgari eloquentia, y le dedica una serie de poemas, entre ellos el famoso soneto Guido, i vorrei… En su época tenía fama de incrédulo y de materialista, y así le presenta Boccacio –Decamerón, 6, 9–, mientras que el cronista e historiador florentino Dino Compagni (Florencia 1255-id. 1324), también amigo de Dante, en su Crónica de las cosas ocurridas en su tiempo, cuadro breve y dramático de la vida florentina a partir de 1280, le define como “cortés y decidido, pero desdeñoso y solitario”.

 

La obra de Guido Cavalcanti abarca 51 poemas, lo que le convierte en uno de los primeros líricos del dolce stil novo. Cavalcanti expuso en sus Canciones las ideas fundamentales de esta escuela erótico-filosófica de poesía. Guido Cavalcanti, algunos años más viejos que Dante y el primero entre los amigos, temperamento afable pero solitario  e inclinado a los estudios, canta el amor con referencia a mujeres determinadas; expresa la nostalgia con realismo punzante. Por otra parte, estuvo atento a disfrutar de todos los goces de la vida. Véase la balada In un boschetto trová pastorella – più che la stella bella al mí parere. Poeta dotado de un gran fervor y un arte habilísimo, expresa en una lengua depurada las primeras sensaciones del amor, y en sus versos todo se matiza con los colores de una belleza serena. La gracia gentil de su amada supera las cosas más puras y deliciosas:

 

Aire sereno cuando nace el alba,

apacible caer de blanca nieve,

ribera y prado en plenitud de flores,

de plata y oro y de azul ornados.

 

Obsérvese, en cada uno de los cuatro versos, la selección y el nexo de las palabras, que son de lo más   sencillas y usadas, pero que –como por un procedimiento mágico– llegan a adquirir una plenitud y un poder insólitos. El mismo elemento lexicológico parece tomar parte en la gloria que el poeta difunde en torno a la mujer amada. Esta fa tremar di chiaritate l’ aere; pero no todo es alegría, y los acentos de dolor se transforman a su vez en visiones  punzantes:

 

Ahora parece que en la mente surge

una figura de mujer pensativa

que viene para ver morir el corazón.

 

Cinco sonetos de su Cancionero están dedicados a Dante; una chanza se endereza a Gianni Alfani, el poeta elegíaco que suspirando canta: “Baladilla doliente, ve mostrando mi llanto, que de dolor me cubre por completo”.

 

Otro poeta italiano que debe ser destacado en este período es Lapo Gianni (fines del s. XIII). Gianni es de sentimiento más variado y sus composiciones tienen un sello personal; ellas presentan rasgos, ora delicados, ora vigorosos:

 

En su rostro angelical y amoroso

veo los bellos ojos y la morena tez…

Pero confía en sus ojos humildes y claros,

y pálida casi de color…

¡Oh muerte, río de lágrimas y llanto!,

¡oh enemiga del canto!…

¡Oh muerte oscura de feo semblante!,

¡oh nave de turbación!

 

Por su parte, el poeta italiano Dino Frescobaldi (Florencia, Toscana, c. 1271-id. c. 1316) es sutil y refinado, exalta a la “piadosa jovencita bella”, y alude a la foresta de’ martiri – di cui Amor cotanto mi favella. En alguna ocasión se ha dicho que este autor del dolce stil novo se ha distinguido por la aspereza del estilo y por la amargura de su inspiración.

 

Cino da Pistoia (Pistoia, Toscana, c. 1270-id. c. 1336), poeta y jurisconsulto insigne, amigo de Dante y de Petrarca, relata con lento esfuerzo de arte, en un extenso Cancionero (más de doscientas poesías), la historia de su amor la bella Selvaggia. Fáltanle a Cino vigor y plasticidad, pero en compensación ofrece como méritos constantes la gracia y la ternura, unidas a una forma elegante y musical. Una corriente de sutil melancolía serpentea por sonetos y baladas como un presentimiento del prematuro fin de la mujer amada, y vela también la gozosa realidad del amor:

 

Hermosa joven, luz de mi corazón

¿por qué me ocultas el amoroso rostro?

Sabes que tu dulce sonrisa

y tus ojos me hacen sentir amor.

 

Siento en el corazón tanta dulzura

cuando te tengo delante

que descubro lo que de ti dice Amor

Pero cuando estoy privado de tu belleza

y de tu hermoso semblante

siento un dolor que nunca me abandona.

 

Por esto pidiendo voy por tu persona

deseoso de esa clara luz

que siempre me conduce

sujeto fiel de tu resplandor.

 

Cino comienza frecuentemente sus poesías con un verso interrogativo:

 

Señora mía, ¿visteis anteayer

la persona gentil que hoy me mata…?

 

¿Cómo no está aquí en esta fiesta.

damas gentiles, aquella cara hermosa?

 

¿No os dais cuenta, señora, que uno muere

y va llorando, tanto se desconsuela?

 

La pregunta trata, ciertamente, de acentuar la vivacidad de la expresión.

 

Cino lloró la muerte de Dante. A su vez, él será llorado por Petrarca.

 

La escuela del dolce stil novo tuvo su total apogeo en la Toscana. Fuera de la Toscana sólo tuvo unos pocos representantes, entre los cuales cabe destacar a Guido Novello († Bolonia 1310). Este escritor gobernó a Ravena entre 1316-1330, ofreció a Dante en 1321 una generosa hospitalidad cuando éste fue desterrado y, finalmente, organizó unos magníficos funerales a la muerte de Alighieri.

 

IV. EL SIGLO XIV ITALIANO: EL SIGLO DE LOS 3 TOSCANOS. GENERALIDADES EN TORNO A LAS VIDAS Y LAS OBRAS DE:

 

1. DANTE  ALIGHIERI (FLORENCIA, TOSCANA, 1265-RAVENA, EMILIA ROMAÑA, 1321).

 

2. FRANCESCO PETRARCA (AREZZO, TOSCANA, 1304-ARQUA, PADUA, VÉNETO, 1374). EL PETRARQUISMO.

 

3. GIOVANNI BOCCACIO (CERTALDO, TOSCANA, 1313-ID. 1375).

 

Como hemos comentado en otras conferencias, hablar de Italia implica el hacer referencia a cuatro historias y no una. Hablar de la historia de Italia es hablar de:

 

1.            La historia de los romanos.

 

2.            La edad media italiana, en donde la Iglesia italiana, el papa, lucha contra el imperio germano por la supremacía en Europa.

 

3.            El despertar del pueblo italiano a la poesía, al arte, a la alegría de vivir.

 

4.            El despertar del pueblo italiano en lo tocante a la vida nacional y a la unidad política.

 

Todas estas etapas de la historia de Italia, sumadas, han conformado lo que es la Italia de hoy.

 

En lo tocante a la historia de la literatura italiana, como ya hemos visto, ésta puede dividirse en siete  períodos:

 

1.            Tiempos anteriores al siglo XIV.

 

2.            Siglo XIV. Primera edad de oro.

 

3.            Siglo XV. Edad de la erudición y de la cultura clásica.

 

4.            Siglo XVI. Renacimiento. Segunda edad de oro.

 

5.            Siglos XVII y XVIII. Decadencia e imitación de lo extranjero.

 

6.            Siglo XIX.

 

7.            Siglo XX y XXI.

 

De todos estos períodos se destacan, evidentemente, dos: el siglo XIV, la primera edad de oro de la literatura italiana, y el siglo XVI, el Renacimiento, la segunda edad de oro de la literatura italiana.

 

El siglo XIV representa un gran momento para la literatura no solamente de Italia, sino más aún, para toda la literatura universal. En este siglo XIV aparece en Italia la primera edad de oro (Sainz de Robles 1972:669) de la literatura italiana. Este siglo lo llenan las figuras de Dante, Petrarca y Boccacio, nacidos los tres en la Toscana; de ahí que se llame a este siglo XIV italiano el siglo de los tres toscanos.

 

Para tener una mejor idea del panorama cultural de los tres toscanos, veamos un poco la Florencia del s. XIV.

 

Florencia es en italiano Firenze. Florencia es hoy la capital de Toscana. Posee unos 450 000 habitantes. Está situada en la parte E de una vasta llanura de fondo plano, llamada cuenca de Florencia. Por Florencia corre un río de violentas crecidas llamado Arno. En la Florencia de hoy hay mucha actividad industrial, mucha artesanía y, por supuesto, mucho turismo. Florencia nació de una antiquísima ciudad etrusca. Etruria era una región antigua de Italia que en estos momentos corresponde a grandes rasgos a Toscana. Los etruscos aparecieron en Toscana para el siglo VIII a. C. Los etruscos hablaban etrusco, que es una lengua sin parentesco conocido. Todo parece indicar que esta lengua se extinguió a principios de la era cristiana. Los etruscos tenían una amplia literatura y tenían escritura. El alfabeto etrusco fue tomado del griego,  y se sabe que fue una cultura muy importante porque el historiador romano Tito Livio (Padua 64 ó 59 a. C.-Roma 17 d. C.) asegura que en la época republicana los estudiantes romanos iban a estudiar humanidades a Caere o Cerveteri, ciudad ubicada en el Lacio, junto al mar Tirreno, una de las principales ciudades etruscas. Recordemos que las lenguas indoeuropeas de la antigua Italia se escribían, como el latín, en alfabetos derivados del etrusco, derivado a su vez de uno de los alfabetos griegos. El alfabeto etrusco se adaptó al latín para el s. VII a. C.

 

Florencia fue siempre una ciudad con mucha riqueza agrícola, por lo que eclipsó a otras ciudades ubicadas en su entorno. Cuando Dante nació (1265), estaban en el poder en Florencia los gibelinos; pero ya para el 1268, cuando Dante tenía 3 años, la ciudad había pasado a manos del güelfos. Para finales del s. XIII ya Florencia era la principal ciudad de Toscana. Esta ciudad era una de las más activas de toda Italia. Los negocios estaban en manos de un centenar de empresas, de base familiar, que poseían sucursales en toda Europa occidental. Las compañías más antiguas estaban enfrascadas en la querella de los blancos y los negros (1300-1302), división que se había producido entre los güelfos. Recordemos que Dante perteneció a los blancos, a los güelfos moderados.

 

Para el siglo XIV los florentinos compraban paños en Francia, los acababan, los tenían, sobre todo de escarlata, y los vendían con grandes beneficios, ya que eran considerados como los mejores del mundo. Otros compraban lana en Inglaterra y fabricaban tejidos ordinarios. Los médicos y boticarios de la Florencia de entonces traían las especias de Oriente. Ahora bien, sin duda alguna la actividad económica más importante de la Florencia del s. XIV fue el manejo del dinero. Los florentinos, empleando sus beneficios propios, pero sobre todo los depósitos de los particulares, organizaron el préstamo a gran escala, especialmente el préstamo a los soberanos. De aquí que imaginemos en mundo tan movido y desarrollado que le tocó vivir a los tres grandes toscanos.

 

El siglo XIV recoge en Italia a los tres hombres más célebres de la literatura de este período, pero ellos no fueron los únicos. Dante, Petrarca y Boccacio, consagrados como clásicos en vida, fueron investidos en los siglos posteriores del prestigio doblemente mítico de la originalidad y la perfección. Los tres grandes toscanos del siglo XIV se convirtieron  en modelos y fueron el factor más poderoso  de unificación de la lengua y la literatura italianas.

 

La trascendencia de las obras maestras de estos tres escritores confinó a la mayor parte de los autores de este siglo a la mera imitación. No obstante, hubo algunos escritores contemporáneos de estos tres genios que son dignos de destacar. Uno de ellos es Giovanni Sercambi (Escritor y político. Lucca, Toscana, 1347-id.1424). Este hombre fue autor de una colección de cuentos, unos 100 ó 150 según diferentes datos, que guardan cierto parecido con el Decamerón, y constituyen una curiosa historia de las tradiciones populares locales. Otro es Ser Giovanni Fiorentino (s. XIV), autor de una colección de 50 novelas cortas, intitulada El bobalicón (c. 1378), que pretende imitar el Decamerón. Se destaca también Franco Sacchetti (Escritor, comerciante, político. Ragusa, Sicilia, c. 1332-San Miniato, Toscana, 1400), quien al final de su vida compuso una colección de cuentos llamados Trecentonovelle, que trata sobre la sociedad de su tiempo, especialmente en torno a la clase media. Tenemos que destacar que esta obra es de sumo interés documental. Esta colección, de 300 cuentos, escritos entre 1385 y 1397, de los que únicamente se han conservado 223, se caracteriza por la vivacidad de los diálogos y por la sencillez del estilo. Giovanni Villani (Cronista, constructor y profesor. Florencia c. 1280-†1348), por su parte, escribió una Crónica de FlorenciaNuova crónica-, en 12 volúmenes, desde sus orígenes míticos hasta 1346. Esta obra fue continuada por su hermano Mateo, hasta 1363 y, más tarde, el hijo de éste, Filippo, la continuó. Dino Compagni (Historiador. Florencia 1255-id. 1324), amigo de Dante, también miembro de los güelfos blancos, escribió una Crónica de las cosas ocurridas en su tiempo, donde se esboza un cuadro breve y dramático de la vida florentina a partir de 1280. Para este período apareció en Italia una rica literatura religiosa que contribuyó ampliamente al refinamiento de la lengua vulgar.

 

1. Dante  Alighieri.

 

Dante Alighieri (Florencia, Toscana, 1265-Ravena, Emilia Romaña, 1321), es el escritor más trascendental del s. XIV italiano. A Dante le debe Italia no sólo la lengua, sino también el sentimiento de lo justo y lo exacto de la belleza que se percibe en la poesía italiana, cosa que no se encuentra en los demás países europeos hasta mucho más tarde.

 

Dante fue hijo de Alighiero de Bellincione y de una dama llamada Bella. La familia de Dante fue muy mencionada en la historia de Florencia debido a que pertenecía a la burguesía güelfa. El mismo Dante se vanagloria de su origen noble en el Paraíso (cantos XV y XVI), donde evoca la figura de su antepasado Cacciaguida, que fue armado caballero por el emperador Conrado III de Suabia (1093-1152). De la niñez y la adolescencia de Dante se sabe muy poco. Antes de 1278 su madre había muerto. Dante estudió en la universidad de Bolonia, donde, tal parece, llevó una vida un tanto disipada. Contrajo matrimonio con Gemma di Manetto Donati, de la que tuvo 4 hijos. A partir de 1295 comenzó a tomar parte en la vida pública de Florencia: miembro del consejo especial del pueblo (1295-1296) y, posteriormente, del consejo que elegía a los priores. De 1296 a 1297 fue miembro del Consejo de los Ciento. En 1300 fue designado como embajador de San Gimignano (región de Italia, en Toscana) para organizar la lucha de los güelfos de la Toscana contra las intrigas del papa Bonifacio VIII (Anagni, Lacio, c. 1235-Roma 1303), y, en octubre de 1301, marchó a Roma para  ofrecer la paz al pontífice. A fines de 1301 los güelfos del partido negro triunfaron en Florencia y los güelfos del partido blanco fueron desterrados. De tal manera, Dante, que era del partido güelfo blanco, fue condenado a multa, expropiación y exilio. Luego vino una segunda sentencia que le condenaba a ser quemado vivo en el caso en que se le encontrase en Florencia. Desde este momento comenzó para Dante una vida errante. Finalmente, tras su paso por Lucca -Toscana- y Verona -Véneto-, fue generosamente acogido en Ravena por Guido Novello da Polenta, y en esta ciudad murió el 14 de septiembre de 1321, al regreso de una embajada en Venecia. Ni aun muerto le abandonó el odio de sus enemigos. En 1329, el cardenal Bertrand  du Poyet, legado del papa Juan XXI (Lisboa  c. 1220-Viterbo 1277), quiso que los restos del gran poeta fueran quemados, considerándolo reo de herejía. Pero cuando  se abrió la caja que debió contenerlos, ésta estaba vacía: sus amigos habían retirado sus restos, que, más tarde, fueron depositados en el sepulcro que le había erigido la ciudad de Ravena. No fue sino hasta muchos años después de su muerte cuando se levantó la pena de destierro, cuando ya el mundo entero lo había reconocido como el hijo más preclaro de Florencia y el primero entre todos los poetas italianos. El papa León X (Florencia 1475-Roma 1521) intentó que los restos de Dante fueran trasladados a su ciudad natal, como un acto de reparación por las injusticias de que el poeta había sido víctima en vida por el fanatismo de sus predecesores; pero no pudo lograrlo. Dante había dispuesto en su testamento que sus despojos no debían descansar en su ingrata patria […] Como he planteado en http://knol.google.com/k/fernando-antonio-ruano-faxas/introducci%C3%B3n-en-la-ling%C3%BC%C3%ADstica-panorama/19j6x763f3uf8/55# , adelantándose a su época, Dante Alighieri, en su De vulgari eloquentia, consideraba las lenguas de si, de oc y de oil[14] como integrantes de un mismo grupo, en tanto que con una exactitud notable distinguió catorce formas de dialectos italianos. A Dante se le puede atribuir el haber instituido el estudio serio de las lenguas neolatinas –romances–con esta obra que escribió a principios del siglo XIV, en la que elogió la importancia de las lenguas habladas, aprendidas inconscientemente desde la niñez, frente al latín escrito aprendido conscientemente como lengua segunda por medio de las reglas gramaticales. Dante alabó y defendió el cultivo de una lengua italiana vernácula común para todos y que sirviera para unificar la península de Italia, como habían hecho ya las cortes reales centralistas de otros pueblos.[15] Es de tal manera que los romanistas de hoy pueden ver en él a un ilustre precursor […] 

Dante escribió en latín y en italiano.

 

Su obra en lengua latina está compuesta de los siguientes libros:

 

1. De la lengua vulgar. Opúsculo -obra impresa de poca extensión-, escrito entre 1304 y 1307, en el que se analiza el mosaico de dialectos que en esta época se hablan en Italia, con objeto de obtener una lengua común, más apta para la expresión literaria, que pudiese rivalizar dignamente con el latín. Desgraciadamente, de esta interesante obra sólo queda un fragmento. Su penetrante sentido lleva al poeta desde el primer momento al examen de los problemas fundamentales sobre la naturaleza y el origen de la lengua, y también reconoce ya el estrecho parentesco que une a las lenguas romances o románicas. En esta obra es donde se expone por primera vez la necesidad de educar y ennoblecer la lengua y la poesía italiana por medio de la exclusión  de los dialectos, la consolidación de la Gramática, la neta diferenciación de los géneros poéticos y de las clases de estilo y la imitación consciente  de los antiguos. El tratado constituye, además, la fuente más importante para el conocimiento de las más antiguas formas líricas.

 

2. La monarchia. Escrita entre 1310 y 1314. Este es un tratado político que refleja la crisis ideológica del poeta, que de güelfo blanco o moderado había pasado a ardiente partidario del gibelinismo: la salvación de Italia consistiría en la constitución de un imperio independiente de la autoridad papal.

 

3. Églogas. Son 2, y están compuestas en Ravena en 1319 ó 1320, de imitación virgiliana. Están dirigidas al latinista boloñés Giovanni del Virgilio, quien le había invitado a abandonar la lengua vulgar por el latín.

 

4. Disputa sobre el agua y la tierra (Questio de aqua et terra). Tratado de física compuesto en Verona, y de cuya autenticidad se dudó hasta 1907.

 

5. Epístolas. Las epístolas son composiciones poéticas en forma de carta, cuyo fin es moralizar, instruir o satirizar. Son 13 las que se conservan. Se sabe que Dante debió escribir más. En una de ellas, en la dirigida a su antiguo protector Can Grande della Scala, Dante hace una serie de comentarios sobre la comedia.

 

En lengua italiana se conservan las siguientes obras:

 

1. El banquete. Tratado filosófico, escrito hacia 1307, que consiste en una serie de glosas a diversas composiciones poéticas.

 

2. Rimas o Cancioneros. Recopilación de la obra poética de Dante, hecha después de su muerte. Aquí están los poemas de la Vida Nueva.

 

3. Divina comedia. Esta es una síntesis grandiosa, a un tiempo apasionadísima y equilibrada, del cristianismo y de la cultura clásica, de la teología, la poesía y la política, del realismo más terreno y de la espiritualidad más elevada. Esta obra aparece como un intento de una magnitud abrumadora, al servicio del cual se ponen unas excepcionales dotes políticas. La redacción de esta obra se inició probablemente  hacia el año 1304 y se terminó en 1321, poco antes de la muerte de Dante. Este documento se reprodujo en numerosos manuscritos y se imprimió por primera vez en 1472. Desde entonces ha conocido innumerables ediciones.

 

La obra de Dante no puede considerarse exclusivamente al nivel de la literatura artística. Dante también se considera en los estudios de crítica literaria. Dante no sólo es un escritor, sino también un analista de la literatura.

 

Todo parece indicar que Dante es el único crítico de la Edad Media digno de considerar en un panorama de la crítica. Para los historiadores de la crítica la Edad Media sigue siendo un periodo de oscuridad. A partir de la época de San Agustín un buen número de personas consideró que la lectura de los clásicos literarios era una  pérdida de tiempo, cuando no un verdadero peligro para el alma inmortal. Dante prácticamente no sabía nada de la crítica clásica. Véase para este tema la carta de Dante al Can Grande Della Scala, al parecer enviada a este gran señor como una introducción al Paraíso. Aquí Dante emplea términos de la Filosofía Escolástica, y no el vocabulario clásico; es decir, es una crítica ajena al vocabulario clásico. Su crítica va mucho al grano. El dice, por ejemplo, que su comedia es polisémica; es decir, que tiene muchos sentidos. Aquí se habla de De la lengua vulgar. Dante aceptó al hebreo como la mejor lengua. Mucha de la modernidad de Dante procede de la ignorancia que tenía respecto de la literatura clásica. Así, Dante está más cerca de nosotros que los mismos críticos del Renacimiento, aunque éstos tuvieran mayor erudición en lo tocante a este tema. En De la lengua vulgar  Dante hace de lado en gran medida la cuestión de los géneros, que tanto dominó a la crítica clásica, y se dedica al lenguaje y al estilo, que son el interés principal de los poetas modernos. Por este motivo se puede considerar a Dante el primer crítico moderno.

 

Parece que la primera edición de las obras completas de Dante en lengua española se realizó en 1956, en Madrid.

  

2. Francesco Petrarca.

 

Francesco Petrarca (Arezzo, Toscana, 1304-Arqua, Padua, Véneto, 1374) fue un célebre poeta y humanista italiano. Petrarca no nació en Florencia porque su padre, Petracco di Parenzo, prácticamente acabado de casar con la madre de Francesco, Eletta Canigiani, fue desterrado de Florencia  en 1302, por disensiones personales con algunos miembros  prominentes del partido güelfo “negro”. De aquí que Francesco naciera en Arezzo, en el exilio, y pasara su niñez en L’Incisa, Pisa, en la Toscana, y, desde 1312, en Aviñón, que hoy es la capital del departamento francés de Vauclause, y en Carpentras, que también es hoy una ciudad de Vauclause. Petrarca descendía de una distinguida familia de Florencia, cuyos varones habían ocupado importantes puestos. Cursó leyes, sin llegar a graduarse. Casó con una señora de nombre desconocido, de cuyo matrimonio nacieron dos hijos: Giovanni y Francesca.

 

El nombre de Petrarca está muy ligado al de Laura, dama provenzal celebrada por Petrarca en su Cancionero, dedicado íntegramente a ella. El poeta la encontró por primera vez el 6 de abril de 1327, lunes de Pasión, en una misa matinal en la Iglesia de Santa Clara de Aviñón. El amor que le declaró a continuación no recibió su recompensa; la dama rechazó a Petrarca, que, sin embargo, la inmortalizó en su obra, según la cual nunca dejó de amarla. Cuando Laura murió, víctima de la peste, el 6 de abril de 1348, aniversario de su nacimiento, Petrarca escribió en su manuscrito de Virgilio, actualmente conservado en la biblioteca Ambrosiana de Milán, una breve oración fúnebre. Los historiadores la identifican con Laura de Noves, quien en 1325, a los 18 años de edad, casó con Hugues de Sade. Otros piensan que la Laura de Petrarca no fue ésta, sino una mujer casada, con quien tuvo el poeta una amistad más respetuosa que íntima.

 

Petrarca murió en Arqua, muy debilitado y consumido por la fiebre, en donde uno de sus servidores le encontró muerto el 18 de julio de 1374, con la cabeza apoyada en un libro.

 

¿En qué lugar ubicamos a Petrarca en la literatura? Petrarca es, sin duda alguna, el insuperable poeta del amor, pero también es el célebre humanista y uno de los iniciadores del Renacimiento. Su buen gusto natural le llevó a saborear  las bellezas de Virgilio (Poeta latino. Andes, actual Pietole, cerca de Mantua, c. 70 a. C.-Brindisi 19 a. C.) y Marco Tulio Cicerón (Orador, político y filósofo romano. Arpino 106 a. C.-Formies 43 a. C.), y supo comunicar a sus contemporáneos el entusiasmo que sentía por los tiempos clásicos, entusiasmo que era sólo literario, sino también histórico. Consideró que la lengua latina era la verdadera lengua de Italia. Durante toda su vida no cesó de buscar y hacer buscar a sus amigos los manuscritos de las obras antiguas, aprovechando para ello sus muchos viajes. No contento con las copias que se hacían por orden suya, él mismo se dedicó a reproducir los manuscritos clásicos anotándolos, consiguiendo, a fuerza de trabajos, reunir una colección de unos 200 volúmenes. Sentía no haber vivido en otra época, con los grandes hombres de la antigüedad, de los tiempos de César y Augusto, a cuya época se trasladaba con la imaginación, y a cuyos hombres dirigía largas epístolas como si pudiesen leerlas  y fuesen familiares suyos. Su culto por los latinos le llevó a estudiar los autores griegos, aunque no los admirase en igual grado, y si no logró adquirir más que un conocimiento insuficiente de la lengua griega, tuvo la gloria de hacer ejecutar la primera traducción latina de Homero, revelándola así al mundo moderno. Por los autores cristianos no sintió gran estima, excepción hecha de san Agustín (Doctor de la Iglesia latina. Tagaste, Numidia, actual Suq Ahras, lo que hoy es una pequeña parte de la Argelia del N, casi en la costa del Mediterráneo, 354-Hipona, Numidia, 430. De padre pagano y madre cristiana), y lo mismo sucedió con los autores modernos, el Dante inclusive.

 

Petrarca escribió en latín y en italiano.

 

Obras en lengua latina.

 

Para rendir homenaje a la antigüedad latina y con el deseo de darla a conocer, emprendió las dos obras que, según su opinión, eran sus mejores títulos a la gloria: el poema Africa y la obra De viris ilustratibus.

 

El poema Africa fue empezado en 1338 en Vauclause y terminado rápidamente en Parma de 1341 a 1342, añadiendo en 1343 el final con las lamentaciones por la muerte del rey Roberto el Prudente[3]. Comprende 9 libros, con una gran laguna, lo menos de 2 libros, entre el 4 y el 5, partes que debieron perderse, porque en su epístola Ad posteros afirma haber terminado el poema. Su objeto fue escribir una epopeya de su patria comparable a la Eneida y a la Farsalia (También llamada Guerra Civil. Epopeya inacabada de Lucano [Poeta latino de origen hispano. Córdoba 39 d. C.-Roma 65 d. C. Nieto de Séneca el Retórico. Amigo de Nerón. Se suicidó. De su obra sólo se conserva la Farsalia], en 10 cantos, escrita para el 60 d. C., dedicada a la guerra civil que enfrentó a Cayo Julio César (Roma 100 ó 101 a. D.-id. 44 a. C.) y a Pompeyo (106 a. C.-Pelusium, Pelusio o Pelusa, Egipto, 48 a. C.). Obra de brillante reputación en la antigüedad  y de un prestigio extraordinario en la edad media, cuando los poetas latinos permanecían olvidados. En España influyó en Alfonso X el Sabio (Rey de Castilla y de León [1252-1284], Toledo 1221-Sevilla 1284), quien además la utilizó como fuente histórica), celebrando, al par que el héroe más virtuoso de la antigua Roma, el episodio más hondamente épico de su historia: Escipión el Africano (General romano. 235 a. C.-Liternum, Campania, 183 a. C.) y la segunda guerra púnica con la derrota completa de Cartago. Valiéndose el poeta de sueños y predicciones, consigue que forme parte de su poema casi toda la historia romana. El héroe es tan perfecto que no interesa al lector, pero no por ello está el poema desprovisto de valor poético, siendo un himno entusiasta a la grandeza pasada y una elocuente lamentación de los males presentes, consiguiendo triunfar por completo en ciertos episodios de carácter lírico, al describir los amores de Sofonisba (o Sofonisbe. Reina de Numidia. Cartago 235 a. C.-† 203 a.C. Su padre, Asdrúbal, le inculcó el odio a Roma. Estaba prometida a Masinisa, pero casó con Sifax. Al ser tomada Cirta, antigua ciudad de Numidia, en cuyas inmediaciones Masinisa hizo prisionero a Sifax en el 203 a. C.,   cayó en manos de los romanos y de Masinisa, quien casó con ella) y Masinisa (Rey de los númidas. C. 238 a. C.-Cirta 148 a. C. Para conquistar el reino de su padre, en poder de Sifax, rey de los masesilios, se alió con los romanos e hizo prisionero a Sifax [203], con cuya mujer, Safonisba, se casó), para lo cual no tenía que acudir a los libros como al describir sentimientos guerreros, sino profundizar en su propio corazón.

 

El libro De viris ilustratibus, que en el pensamiento del autor debía completar su poema Africa, fue empezado hacia 1340, y contiene biografías de los hombres célebres de la antigüedad, especialmente romanos. Esta obra no fue terminada, como tampoco lo fue el Epitome que empezó por instigación de Francisco de Carrara, a quien había dedicado la obra principal.

 

La preocupación moral que se exterioriza ya en De viris ilustratibus domina por completo en Rerum memorandarum o mirabilium, obra escrita en 1344-1345 a imitación de los Hechos y dichos memorables de Valerio Máximo (Escritor romano. S. I a. C.-s. I d. C. Dejó 9 libros de Hechos y dichos memorables dedicados al emperador Tiberio, que formaban un manual donde filósofos y retóricos hallaban numerosas anécdotas morales, clasificadas por géneros, sin valor histórico, pero extraídas de los historiadores latinos y griegos), y en la que el autor se proponía tratar de las cuatro virtudes cardinales , aunque no llegó a agotar todo lo que tenía que decir acerca de la prudencia, siendo presentados los preceptos por medio de ejemplos. Esta preocupación moral se convierte con la edad en una especie de ascetismo, nota culminante de las obras en prosa que nos quedan por examinar.

 

En De contemptu mundi o Secretum, la más antigua de todas ellas (1342), cuyo principio es una imitación de la Consolatio o Consolación de la Filosofía, de Boecio (Político, filósofo y poeta latino. Roma c. 480 d. C.-† 524 d. C.), se manifiesta muy viva la lucha entre las pasiones humanas y el ideal cristiano. Se compone de tres diálogos con san Agustín, en que el santo reprocha al poeta su vanidad, su ambición y el amor que siente por Laura. Estas confesiones, quizás no tan sinceras como el autor pretende, tienen, no obstante, gran valor porque dan a conocer su carácter y proporcionan interesantes datos biográficos.

 

En Vauclause empezó en 1346 el libro De vita solitaria, que terminó 10 años más tarde, y en donde establece el paralelo entre el hombre que pasa la vida en la ciudad entregado a ocupaciones fútiles o inconfesables y el solitario que vive en el campo entregado a la contemplación de la naturaleza y a la meditación de las verdades religiosas.

 

Una visita que hizo a su hermano Gerardo, que había ingresado en el convento de Montrieu, en Provenza, dio origen a una larga carta titulada De otio religiosorum, en donde hace el elogio, no sólo de la vida dedicada al retiro y al estudio, sino de la vida monástica. Este tratado, como el anterior, no fue terminado hasta después de 1356, puesto que en él se hace alusión a la batalla de Poitiers.

 

En De vera sapientia trata de demostrar que la verdadera ciencia viene a nosotros por conducto de la fe.

 

Lo más interesante en las obras latinas en prosa de Petrarca es lo que el autor ha puesto de personal, y este elemento, que apenas se nota en los tres últimos tratados, falta casi por completo en el De remedis utriusque fortunae (escrito en 1360-1366), en donde el autor nos da a conocer en el primer libro los remedios contra la prosperidad, y en el segundo contra la adversidad; cada libro se divide en un gran número de breves diálogos entre personajes alegóricos. La forma es monótona y no lo es menos el fondo, pues el mismo tono emplea para consolarnos de la muerte de los seres queridos, que de las molestias que nos pueden causar las ratas.

 

Las otras obras latinas de Petrarca son las siguientes:

 

1.            Itinerarium  Syriacum, tratadito de geografía histórica y descriptiva escrito para un amigo que se disponía a visitar Tierra Santa.

 

2.            De sui ipsius et multorum aliorum ignorantia (1360), violento escrito contra unos jóvenes que le habían calificado de virum bonum sine literis.

 

3.            Contra medicum quemdam invectivarum libri (1355), en donde manifiesta sus sentimientos de desconfianza que los médicos le inspiraban, y

 

4.            Contra cujusdam anonymi Galli calumnias apologia (1372), en que contesta  a Juan de Flesdin, que trató de refutar la carta en que felicitaba a Urbano V (Beato. Papa [1362-1370]. 1310-1370) por su regreso a Roma.

 

Otras de las obras de Petrarca, sus cartas latinas, tienen gran valor biográfico, no sólo porque tratan la misma vida del autor, sino también porque se refieren a otros contemporáneos suyos. En éstas, además, se hace referencia a numerosas noticias relativas a las corrientes intelectuales de su época. Estas cartas fueron divididas por el mismo Petrarca en dos grupos:

 

1.            Rerum familiarum liber, que comprende en 24 libros las cartas escritas de 1326 a 1359.

 

2.            Rerum senilium liber, en 17 libros, que encierra las escritas posteriormente.

 

Además, hay un libro de Varia (1335-1373), obra de sine titulo, relativa a la corrupción de la Iglesia, y por eso mismo el autor creyó prudente no dar a conocer los nombres de los destinatarios, y una larga carta Ad posteros, que es una autobiografía incompleta.

 

Las obras latinas en verso, además de Africa, de la que hablamos antes, consisten en 12 églogas (composición poética del género bucólico, en la cual se introducen, generalmente, pastores que dialogan acerca de sus afectos y de la vida campestre) y tres libros de epístolas (carta misiva que se escribe a los ausentes. Composición poética en forma de carta cuyo fin es moralizar, instruir o satirizar). Las primeras se llaman Bucolicum Carmen, y fueron empezadas  durante el verano de 1346 y no terminadas antes de 1356, porque la última se refiere  a la batalla de Poitiers. Se refieren, por lo general, a hechos históricos o de la vida del poeta. Son imitaciones de las Bucólicas, de Virgilio, pero extendiendo ya el disfraz de pastor a toda clase de personajes. Además, el sentido alegórico es tan complicado, que resultan muchas de ellas un verdadero acertijo; obscuridad que, según el autor, era condición precisa del género, pues “cuando el mismo autor, dice Petrarca, no da una explicación del sentido, éste quizá podrá ser adivinado, pero no comprendido”. Entre ellas debemos citar por su valor estético la IX, que es un lamento sobre la tumba de Laura, y la VIII, que describe su tristeza al separarse del cardenal  Colonna para ir a Roma a reunirse con Rienzi.

 

Sus epístolas en verso, escritas en épocas muy diversas, contiene  relatos de sucesos de la vida del poeta y discusiones morales, políticas y literarias; todo ello de gran valor biográfico. La más bella de todas es la VII del libro I, en que describe las angustias que le produce su amor a la dama que ha celebrado en sus versos.

 

Los versos y las prosas latinas de Petrarca, que según el autor eran sus  únicas obras dignas de llegar a la posteridad, “no han sido verdaderamente entendidos y gustados –dice Menéndez y Pelayo, más que en nuestros días, en que nos cuidamos menos del primor y tersura de las palabras y mucho más de las revelaciones hondas que aquellos escritos encierran  sobre el alma del gran hombre, sobre aquel mundo de pensamientos y afectos discordes que en su mente y en su corazón batallaban, y sobre aquella sociedad tan interesante y rica de contrastes, apóstol de paz y de cultura, indignado flagelador de la espantosa corrupción de su siglo, consejero poco escuchado a veces, pero respetado siempre, de príncipes y pueblos, dictador intelectual en el más noble sentido de la palabra”.

 

Obras en lengua italiana.

 

Sus poesías en lengua vulgar, que no coleccionó hasta muy tarde, que calificó desdeñosamente y que a veces afectaba despreciar, eran para él un medio de consolarse de sus penas; a pesar de ello, no se cansó nunca de pulirlas y perfeccionarlas “con un arte tan refinado y peregrino –dice Menéndez y Pelayo– que en Italia no sido superado jamás y queda como eterno modelo de gracia melodiosa, de mórbida ternura y suavidad inenarrable, que no puede entender quien no lo haya probado… En su lengua nativa, Petrarca fue un clásico desde que empezaron a divulgarse sus versos: su estilo era la perfección misma del ritmo italiano… Lo que debe a sus precursores en lengua vulgar, a los maestros del dolce stil novo, es más ocasional que substancial, y no es, por cierto, lo mejor de su manera. Quizá, por lo que conserva de la lírica medieval, Petrarca no es un poeta estéticamente perfecto, aunque sea un adorable poeta. La afectación retórica, la antítesis fría, los conceptos alambicados, los insulsos juegos de palabras desvirtúan bastantes lugares del Canzonieri y pueden considerarse, a lo menos en parte, como herencia de las escuelas anteriores. Lo que hay de vivo y de perenne en las rimas de Petrarca, lo que le ha puesto a la cabeza de todos los poetas del amor en la literatura moderna, son las perlas que sacó del fondo de su alma y engastó con arte suprema en el anillo de su rica, pero ingenua cultura…; es riquísimo el contenido psicológico de las rimas del cantor de Laura, el cual mostró con su ejemplo que toda alma individual puede tener su historia; que en cada hora de la vida más sencilla puede desarrollarse un poema; que cualquier pequeño e íntimo acontecimiento que conmueve el pecho humano puede tener su eco en la lírica… Las descripciones de Petrarca, tan imitadas y profanadas luego por la turba servil de sus discípulos, tienen en su libro un verdadero y primaveral encanto. La imagen gentilísima de Laura parece desprendida de una tabla de Giotto. La naturaleza que la circunda está como penetrada del rayo de su belleza, y la sirve y la acaricia con lluvia de flores y son rumor de fuentes. Petrarca tiene la visión  neta, luminosa y precisa del mundo exterior… Hasta los defectos de su carácter le predestinaban para ser inmortal, y aun pudiéramos decir único en su línea. Cierta vanidad enfermiza que continuamente le inducía a hablar de sí y a perseguir ansiosamente la misma gloria que otras veces, de buena fe sin duda, parecía como que desdeñaba, lo llevó a escudriñar con cierta delectación morbosa mezclada de angustia los más ocultos repliegues de su alma, y a convertir al mundo entero en confidente de sus cuitas, dolores y contradicciones. Un  alma humana, y sin duda de las más selectas, a quien sus mismas debilidades hacen simpática, se reveló plenamente en sus versos, los cuales iniciaron al mundo no sólo en un género nuevo de poesía, sino en un modo nuevo de sentir. Y como en el alma de Petrarca trababan lucha el hombre viejo y el nuevo, la pasión y el deber, lo sensible y lo ideal, el naturalismo y el ascetismo, y esta discordia interior fue en su vida una fuente inagotable de placer amargo y de dulce tristeza, Petrarca, agitador y consolador de tantas almas, encontró antes que ninguno la expresión suave y cadenciosa, pero a veces intensamente elegíaca, de la melancolía romántica, que se ceba en sí misma con doloroso deleite y complacencia.

 

Respecto del Cancionero, debemos decir que el manuscrito autógrafo del Canzonieri, encontrado a fines del s. XIX por Nolhac y Appel, se compone de 317 sonetos, 29 canciones, 7 baladas, 4 madrigales y 5 sextinas, y se divide en dos partes: In vita di Madona Laura, en donde se distinguen el soneto Solo e pensoso, la canción XI: Chiore, freiche e doler acque; la XIII: Di pensier in pensier, di monte in monte, y las célebres canciones  a los ojos de Laura; y la segunda parte titulada In morte di Madona Laura, en donde se encuentra el hermoso soneto Levommi il mio pensier, las canciones Che debbio far?, Che mi consigli, amore? y Quando il soave mio fido conforto, y la preciosa canción a la Virgen.

 

En lo tocante al poema de los Triunfi, hay que destacar que ésta es la última obra de Petrarca en lengua vulgar, empezado en 1357 y no terminado todavía en 1373. Su concepto fundamental es el siguiente: el hombre en la vida terrenal se deja dominar por el amor, del que se libra por la virtud de la castidad; al llegar la muerte sobrevive por su nombre, que el tiempo borra y a éste sólo le vence la divinidad, que es el último fin del hombre. Así, el Amor triunfa al hombre, la Castidad al Amor, la Muerte a la Castidad, la Fama a la Muerte, el Tiempo a la Fama, y la Divinidad al Tiempo. El poema, escrito en tercetos, nos recuerda a Dante, pero sin la vida intensa de las creaciones de éste; lo más sobresaliente es la parte lírica y, sobre todo, la descripción de la muerte de Laura en el Trionfo delle Morte.

 

La Historia de Valter y Griselda. Hay que notar que una de las más celebradas novelas de Boccacio, De obedientia ac fide uxoria, que es la última del Decamerón, y es una historia moral y ejemplarísima como pocas, fue traslada por Petrarca del italiano vulgar al latín clásico, no sabemos con qué intento. La versión de Petrarca fue popularizándose mucho en todos los pueblos de raza latina, no sólo en su mismo siglo, sino en los subsiguientes. Bernardo Mete, el célebre médico catalán de la corte del rey Juan I de Aragón, la tradujo en elegante prosa catalana con el título de Historia de Valter e de la pacient Griselda, escrita en llati per Francesch Petrarcha e arremançada per Bernat Metge.

 

El petrarquismo.

 

Como petrarquismo conocemos la imitación directa o indirecta del Cancionero de Petrarca.

 

Durante el s. XV, la influencia de Petrarca en Europa se manifiesta paralelamente a las de las obras latinas y Los Triunfos[4], pero su difusión y alcance es mucho más limitado en comparación a estos  escritos; en los dos siglos siguientes, la situación se invierte por completo -y así subsiste hasta nuestros días-: el Petrarca humanista queda poco menos que olvidado, en tanto el Petrarca lírico en italiano pasa a ocupar  el lugar de honor. De la primera edición del Cancionero, Venecia 1470,  a 1500 se registran más de 30 impresiones; en el siglo XVI casi alcanza las 200 impresiones. En Italia abren la marcha petrarquista  Antonio Tebaldeo (Antonio Tebaldi, llamado il Tebaldeo. Escritor italiano. Ferrara 1463-Roma 1537. Tiene aproximadamente 300 sonetos, de notable virtuosismo metafórico. Constituyen una refinada expresión del petrarquismo cortesano. L’ opere d’ amore, 1499), Serafino dell’ Aquila (O  Serafín Aquilano. Poeta italiano. Aquilea o Aquila, Abruzzos, 1466-† 1500. Su verdadero nombre se desconoce. Luego de aprender música y poética partió a Roma, en donde tuvo tal reputación que llegaba a comparársele a Petrarca, cuando en realidad no tenía otro mérito que improvisar versos que cantaba acompañándose con una música especial. Cultivó con preferencia los sonetos, siendo sus poesías impresas por primera vez en Venecia en 1505) y un catalán, Cariteo (Benedetto Gareth, llamado Cariteo. Poeta italiano. Barcelona c. 1450-Nápoles 1514. Cariteo significa “amigo de las Gracias”. Endimión, que es una colección de poesías de 214 sonetos, 20 canciones, 4 sextinas y 5 baladas. Más de la mitad son poesías amorosas dedicadas a una dama noble llamada Luna), cuyo fervor le llevó a abandonar su lengua materna, el catalán. Lorenzo el Magnífico (Lorenzo I de Médicis, 1449-1492. Jefe de la República florentina entre 1469-1492. Representó los ideales del Renacimiento italiano al encarnar las figuras del poeta, el filósofo, el mecenas y el político hábil y diplomático. Fue un entusiasta protector de las letras y las artes. Fue mucha su afición por los manuscritos notables. Se le llamó “el Magnífico” y “el Padre de las Musas”. Escribió unas poesías llenas de gracia, que se publicaron en 1554, y un Suplemento a las mismas, que fue dado a la imprenta en 1791, entre ellas son notables particularmente sus Canti carnavaleschi, inspirados en los jolgorios del carnaval; también se le deben algunos poemas didácticos y dramáticos. Aventajó a todos los poetas líricos que escribieron desde un siglo antes, menos a Petrarca), Poliziano (Angelo Ambrogini. Poeta y humanista italiano. Mantepulciano, Toscana, 1454-Florencia 1494. Su obra de humanista y filólogos está contenida en los 12 libros de sus epístolas latinas y en sus lecciones universitarias Miscelanea, 1489. Sus 2 obras maestras son Estancias [1475-1478] y Orfeo [1480]) y Mateo María Boiardo, Boyardo o Bojardo, conde de Scandiano (Poeta italiano. Scandiano, Toscana, 1441-Reggio nell’ Emilia 1494. Entre 1469 y 1476 escribió un cancionero titulado Tres libros de amoresAmorum libri tres, que contiene 180 composiciones amorosas dedicadas a Antonia Caprara y escritas según los esquemas petrarquistas. Su obra más importante es Orlando enamoradoOrlando innamorato–, poema caballeresco, inspirado en los cantares de gesta. Iniciado en 1476 e interrumpido en 1492, quedó incompleto. Ariosto lo continuó en Orlando furioso. Orlando enamorado está tratado en 3 libros y 69 cantos. Se imprimió por primera vez en Scandiano en 1495. En España, en Toledo, Pedro de Reinoso (¿?) hizo en 1533 su versión de Orlando enamorado, y Francisco de Garrido de Villena (¿?) y Hernando de Acuña (Poeta español. Valladolid  c. 1520-Granada 1580. Es uno de los más brillantes poetas de la primera generación de petrarquistas. Realizó traducciones de Ovidio y Boiardo, en 1571, hicieron varias versiones en verso de algunos cantos del mismo, aunque fieles también a Petrarca, dan muestra de mayor originalidad. Es Pietro Bembo (Cardenal y humanista italiano. Venecia 1470-Roma 1547. Eminente latinista. Estudió griego. Tuvo una gran biblioteca y una inmensa colección de antigüedades. Historiógrafo de Venecia y bibliotecario de San Marcos. Cuando fue creado cardenal  por Paulo III (Canino 1468-Roma 1549. Papa 1534-1549. Fue él quien confió a Miguel Ángel la dirección de los trabajos de la basílica de san Pedro y la ejecución de frescos en las capillas Sixtina y Paulina), se ordenó entonces sacerdote y renunció a su vida ligera y a las letras profanas para ocuparse únicamente de las Sagradas Escrituras y de los Padres de la Iglesia. Sus versos, Rimas [Rime, 1530], se inspiran en Petrarca), con todo, quien, al publicar en 1505 sus Los asolanos (Gli asolani, 1505), expone y discute la doctrina del amor platónico, y en 1525 sus diálogos “sobre la lengua vulgar”, proporciona el doble fundamento –ideológico y formal– para la entronización del petrarquismo en Italia; sus Rimas (1530) sirvieron a la vez como ejemplo de cristalización poética  de una teoría. El influjo de Bembo determinó primero la producción literaria de algunos círculos aristocráticos inquietos –así el de la poetisa Vittoria Colonna (Marquesa de Pescara. Roma 1493-id. 1547)–, y posteriormente encauzó decisivamente toda la poesía italiana del s. XVI. Ni siquiera fue excepción la fuerte individualidad de Miguel Angel (Escultor, pintor, arquitecto y poeta italiano. Caprese, cerca de Arezzo, Toscana, 1474-Roma 1564. Es el maestro de lo sublime, de los efectos grandiosos. Expresó en sus escritos, así como en sus obras, una fe dolorosa. Su amistad con la poetisa Vittoria Colonna iluminó los últimos años de su vida. Inspirado en ella escribió sus Rime).

 

En España, el petrarquismo vino a establecerse durante el primer tercio del s. XVI, como consecuencia de los últimos contactos entre las dos penínsulas meridionales. La poesía de los cancioneros, tan en deuda como el mismo Petrarca  con la lírica provenzal y stilnovista, ya había preparado el terreno. Fue en la obra de Juan Boscán (Escritor español. Barcelona 1487-1492-id. 1542. Una de las características literarias de Boscán es su decidida adopción del castellano, lengua que escribía con gran corrección. En su lengua materna sólo se conserva una insignificante poesía. Gran amigo de Garcilaso de la Vega. A ambos se debe la definitiva y consciente introducción de la métrica y del estrofismo de tipo italiano en la literatura castellana) y Garcilaso de la Vega (Poeta español. Toledo 1501 ó 1503-Niza 1536), más que en mismo Cancionero, donde bebió el petrarquismo español. Garcilaso, merced a su genio, y Gutierre de Cetina (Poeta español. Sevilla 1520-México  ¿1557? Militar de profesión. Partió hacia México en 1546) y Hernando de Acuña (Poeta español. Valladolid c. 1520-Granada 1580), revelan una verdadera maestría de expresión en las nuevas formas; la mayoría de los otros autores de la primera generación de petrarquistas (cuyo límite puede fijar el Cancionero general de 1554) debieron de experimentar lo que confesaba  el mismo Juan Boscán (Escritor español. Barcelona 1487-id. 1542. Adoptó el castellano como lengua de su literatura. En su lengua materna, el catalán, sólo se conserva una insignificante poesía. Amigo de Garcilaso de la Vega. A estos dos escritores se debe la introducción definitiva y consciente de la métrica y del estrofismo de tipo italiano en la literatura castellana. Tradujo al castellano El cortesano, de Castiglione, en 1534): en el nuevo estilo “hallé al principio alguna dificultad, por ser muy artificioso y tener muchas particularidades diferentes del nuestro”. En la segunda generación petrarquista, fray Luis de León (Escritor español. Belmonte, Cuencua, Castilla y la Mancha, 1527-Madrigal de las Altas Torres, Ávila, 1591. Antes de los 17 años ingresó en la orden de san Agustín. Fue maestro de teología en Salamanca. Se interesó por las lenguas aramea y hebrea. En 1572, entre otras  por sus rencillas con los dominicos, a quienes había triunfado en la cátedra de teología de Salamanca, fue detenido por la Inquisición bajo la acusación de atender más al texto hebreo de la Biblia que al latino de la Vulgata en sus comentarios bíblicos; sus juzgadores quisieron ver en ello un a latente simpatía por el judaísmo, apoyándose en el hecho de que algunos de sus antepasados eran de raza hebrea. También fue acusado de traducir al castellano el Cantar de los cantares, eludiendo la prohibición que existía para hacerlo. Fray Luis permaneció 5 años en la cárcel de la Inquisición de Valladolid y sólo en 1576 pudo reintegrarse a la cátedra. Existe la tradición de que empezó la primera clase con estas palabras: “Decíamos ayer…”. En 1582 se vio envuelto nuevamente en un proceso de la Inquisición…), Francisco de la Torre (Poeta español. ¿Torrelaguna? c. 1535. Poco se sabe de su vida. Fue soldado en Italia. Se ordenó sacerdote en su edad madura. Junto con fray Luis de León sirvió a Francisco de Quevedo y Villegas [Escritor español. Madrid 1580-Villanueva de los Infantes 1645] de modelo en la lucha contra la corriente culterana, y fue el propio Quevedo quien dio a la imprenta en 1631 las poesías de Torre. Sus 3 libros, 2 de versos líricos y 1 de adónicos, y sus 8 églogas, agrupadas en Bucólica del tajo, se caracterizan pos su sencillez y perfección formal; en su tono melancólico y matizado se descubre la huella de Petrarca y Torquato Tasso [Poeta italiano. Venecia 1493-Ostiglia, Mantua, 1569], de Garcilaso y de Horacio y Virgilio. Tal vez sea él el que introdujo en España la estrofa sáfico-adónica), Gregorio Silvestre (Poeta y músico español. Lisboa 1521-Granada 1569), Fernando de Herrera (Poeta español. Sevilla 1534-id. 1597. Llamado ya por sus contemporáneos el Divino. Representa en su nivel más elaborado el preciosismo retórico y la erudición poética de la escuela andaluza del segundo renacimiento. Hijo de familia humilde), etc., han  adquirido ya un admirable dominio de las composiciones italo more; Herrera escribe el cancionero de los tiempos nuevos. A fines del s. XVI no impera tanto el propio Petrarca como Tebaldeo, Dell’ Aquila, Luigi Tansillo (Poeta italiano. Venosa 1510-Teano 1568. Fue uno de los poetas italianos del s. XVI más conocidos en España. Autor de poemas líricos: Estancias a Bernardino Martirano, Estancias al virrey de Toledo o Clorida, Los dos peregrinos, etc.) o Tasso, y su ejemplo contribuye a un nuevo gusto, que culminará en la poesía de Luis de Argote y de Góngora (Poeta español. Córdoba 1561-id. 1627).

 

En Francia es el grupo lionés el que impone a Petrarca: Maurice Scève (Poeta francés. Lyon 1501-id. 1560. En 1535 creyó haber descubierto en una iglesia de Aviñón la sepultura de Laura de Petrarca), Antoine Heroët (¿?) y Loise Labé (Poetisa francesa. Lyon 1524-Parcieux-en-Dombes 1566. Hija de un rico de origen italiano) aprenden fundamentalmente de Petrarca el lúcido autoanálisis de la pasión erótica. También la Pléyade se orienta hacia Italia en busca de modelos: Pierre de Ronsard (Poeta francés. 1524-1585. Hijo de un gentilhombre de la corte) acepta el petrarquismo en su más alto grado de fidelidad en los Amours (1552) y Du Bellay (Poeta francés 1522-1560) en su Olive (1549); François Alexandre Desportes (Poeta francés. Chartres 1546-Bonport, Normandía, 1606) bebió  tanto en Sassi (¿?) o el Cariteo como en los petrarquistas españoles.

 

En Inglaterra, sir Thomas Wyatt o Wyat (Poeta y diplomático inglés. Allington Castle, Kent, c. 1503-Sherborne, Dorset, 1542), entre1530 y 1540, introdujo el soneto, y ya Henry Howard,  conde de Surrey (Poeta y político ingles. c. 1518-Londres 1547)  lo usó para cantar a una ficticia Geraldine, réplica de Laura; pero fueron sir Philip Sidney (Político y escritor inglés. ¿Londres? 1529-Ludlow, Shropshire, 1586)  y Edmund Spenser (Poeta inglés, 1552-1599) quienes obtuvieron los primeros logros petrarquistas de consideración.  William Shakespeare (Poeta dramático inglés. Stratford on Avon, al SE de Birmingham, 1564-id. 1616) los llevaría luego a su más alta cima.

 

El petrarquismo constituye a la vez una erótica –que no es sino la del amor cortés, teorizada desde el platonismo–, un repertorio de temas y, sobre todo, un conjunto de recursos estilísticos: metáforas de los daños del amor -herida, incendio o prisión-, definiciones por contrarios, alusiones eruditas y mitológicas, versos plurimembres y poemas correlativos, fórmulas antitéticas, cultivo frecuente del concepto, etc.

 

En la época posterior al s. XVI se mantienen casi invariables tal erótica y tal temática: son los rasgos de estilo los que, sin experimentar una transformación radical, se complican, variando de modo notable la faz de la poesía coetánea: Góngora, Marini (¿Biagio? Violinista y compositor italiano 1597-1663), François de Malherbe (Poeta francés. Caen 1555-París 1628), los metafísicos ingleses, más que inventar un instrumento nuevo, intensifican un material ya existente: el del petrarquismo.

 

De Petrarca se ha dicho que “fue el primer hombre moderno”. Esto, claro, se debe a que fue él el patriarca de las humanidades. Sin duda alguna, los alumnos encontraran en las obras de este genial escritor del mundo, muestras inigualables de expresión escrita artística.

 

 

3. Giovanni Boccacio.

 

Giovanni Boccacio fue un célebre escritor italiano que nació en Certaldo, Toscana, en 1313 y murió en el mismo lugar en 1375. Fue hijo natural del mercader florentino Boccacio di Chelino y de una dama desconocida.

 

Boccacio no sólo fue un renombrado escritor, sino también un gran humanista.

 

Boccacio escribió las siguientes obras:

 

1.            Il Filocolo (1336). Adaptación en prosa del tema medieval francés de Flore y Blancheflor.

 

2.            Filostrato (1338). Poema en octavas (por primera vez usadas en poesía), donde tomaba por tema los amores de Troylo y Chryseis.

 

3.            La Teseida (1339-1340). Compuesta en octavas. Relata la rivalidad en amor de Polemón y Arcites por Emilia, la cuñada de Teseo.

 

4.            Ninfale d’ Ameto (1341-1342). Idilio pastoril con  alegorías.

 

5.            L’amorosa visione (c. 1342). Poema alegórico inspirado en los Trionfi de Petrarca.

 

6.            Elegia di Madonna Fiammetta (c. 1343). Novela. Fiammetta cuenta su amor por Pánfilo y su desesperación cuando el infiel amante deja Nápoles y la abandona. La obra, pese a las numerosas alusiones mitológicas, contiene delicados análisis sicológicos. Sin duda está inspirada en una aventura personal de Boccacio, quien debió invertir los papeles, pues parece ser que en realidad fue abandonado por la mujer que amaba. Tradicionalmente, Fiammetta se identificó con María d’Aquino, hija natural del rey de Nápoles, aunque la existencia histórica de esta mujer no está atestiguada por ningún documento. Es posible que Fiammetta sea únicamente la imagen poética de la mujer amada, ya que aparece en varias obras de Boccacio.

 

7.            Ninfale fiesolano (entre 1343 y 1346). Poema sobre los orígenes legendarios de Fiesole. Poema idílico en octavas. Puede considerarse como la conclusión de las obras de juventud de Petrarca.

 

8.            Decamerón (1348-1353). Son 100 cuentos que ofrecen una visión cínicamente mundana, desenfadada y brillante de la vida de la época, sin ninguna intensión moralizadora, sino sólo con la expresar del modo más intenso, sutil y divertido posible los contrastes, flaquezas y necedades de la naturaleza humana. Gracias a esta gran obra, es que Boccacio ocupa uno de los primeros lugares en la literatura universal. Esta obra, sin duda alguna, ha ejercido una gran influencia en la literatura cuentística de toda Europa.

 

9.            Bucolicum carmen (1351-1366). 16 ó 17 églogas en latín, tomando por modelo a Virgilio.

 

10.       De casibus  virorum illustrium (1355-1360). En latín. Narra la vida de los hombres más desdichados de la humanidad, desde Adán a Petrarca, que se le aparecen en sueños para contarle sus desventuras.

 

11.       Corbaccio o Laberinto d’ Amore (1354-1355). Violenta sátira de carácter misógino. Es una obra satírica en prosa contra las viudas florentinas.

 

12.       De Claris mulieribus. En latín. Conjunto de elogiosas biografías femeninas, inspiradas por el recuerdo del De viris ilustratibus de Petrarca.

 

13.       Tratatello in laude di Dante o Vida de Dante (entre 1357 y 1362).

 

14.       De geanologiis deorum o Genealogía de los dioses paganos(se inició en 1360). Vasta compilación de mitología clásica, en 15 libros. Esta obra representa un incalculable esfuerzo de erudición.

 

En cuanto a Boccacio y su trascendencia como crítico literario, debemos considerar algunas cuestiones. Algo sucede en el lapso que transcurre entre Dante y Boccacio: una inquietud en el espíritu de los hombres, un interés renovado en la cultura clásica, a la cual se considera digna de atención por sí misma. Pero, sobre todo, hay la conciencia de que existen nuevas maneras de observar el mundo.

 

Dante se erguía seguro sobre lo que ya era una tradición antigua. Nunca se vio obligado a convencer a nadie de que su poesía pertenecía a esa tradición. Aceptaba su época y sabía que ésta aceptaba la poesía de él. No ocurrió así con Boccacio, quien se sintió impelido a defender la poesía; y no sólo la propia, sino toda la literatura imaginativa. Dante pudo dedicarse con toda seriedad a los detalles de la composición. Boccacio tuvo que mirar a la poesía como un todo, como lo hicieran los antiguos. Esa conciencia que Boccacio tiene de que a la poesía se le puede atacar o defender como un todo es una de las señales de que está comenzando una época nueva.

 

En su Vida de Dante Boccacio siente la necesidad de demostrar que la poesía es, en verdad, teología, pues con esto la libera de todo ataque venido de los teólogos. Afirma que los poetas antiguos autores de la Biblia estaban inspirados por el Espíritu Santo, quien los utilizó para revelar  sus secretos a través de ellos. En este sentido, el propio Espíritu  Santo era un poeta.

 

La Biblia es poesía en el mismo sentido que lo son los escritos profanos. Recurre a la alegoría y narra historias que tienen un significado obvio y otro oculto. Tomemos, por ejemplo, la historia de la visión de Nabucodonosor. El rey vio cómo una estatua hecha de varios metales era destruida por una roca, la cual entonces se transformaba  en una montaña. Con esto “el Espíritu deseaba manifestar a todas las edades venideras que debían someterse a la doctrina de Cristo, quien era y es la roca viva; además, la religión cristiana nacida de esa roca iba a convertirse  en algo eterno e inamovible, como lo son las montañas”.

 

Así escribían los antiguos. “Cuando ideaban que Saturno tenía muchos hijos y se comió a todos menos a cuatro, deseaban dar a entender con tal imagen que Saturno es el tiempo, en el cual todo nace; y como todo nace en el tiempo, éste es, asimismo, el destructor de todo y todo lo reduce a nada”. Por tanto, la poesía y las sagradas Escrituras son iguales por su función. Y como la teología es la poesía de Dios, la poesía es teología.

 

La principal defensa de la poesía hecha por Boccacio está en el libro Genealogía de los dioses paganos, cuyo propósito era servir de manual para los poetas y los lectores de poesía; en este libro Boccacio investiga y ordena los mitos de los antiguos. Sin embargo, comprendiendo que las historias de los dioses paganos podían ofender a las personas piadosas, el autor se siente obligado a escribir una defensa de los mitos paganos. En los libros 14 y 15, al defender esos mitos, defiende la literatura imaginativa.

 

La poesía tiene enemigos poderosos. En primer lugar están, desde luego, los hombres por completo dados a lo carnal, cuyas mentes nunca se elevan por encima de los placeres de la mesa y del burdel. “¿Para qué malgastar el tiempo con la poesía cuando se puede amar, dormir y beber?”, preguntan. En segundo lugar, vienen quienes poseen un conocimiento superficial de la filosofía y, teniendo como única enseñanza los resúmenes para el público en general, se toman por grandes teólogos y desprecian a los poetas por considerarlos personas frívolas. Componen la tercera clase los verdaderos filisteos de aquella época: los abogados. Desde luego, son instruidos, pero su instrucción  tiene como único propósito ganar dinero. Afirman que merece desprecio cualquier clase de estudio que mantenga en la pobreza a quienes la practican. Cuán ridículo resulta ser poeta y vestir andrajos si se puede ser abogado y obtener poder y dinero. No vale la pena discutir con personas tan prácticas. Los poetas ansían la soledad, la fama, la calma y la paz; los abogados, el ruido, el oro, el clamoreo y la discusión. En la cuarta clase tenemos a los enemigos más peligrosos  de la poesía: los teólogos de mente estrecha. Entre ellos hay ciertos curas y demás que presumen  de sus conocimientos para impresionar a las masas. Afirman que “los poemas son falsos, oscuros y libidinosos, y se encuentran repletos de cuentos absurdos y tontos acerca de los dioses paganos”. Gritan que los poetas no son sino seductores de hombres y promotores de crímenes. Aseguran que es pecaminoso leer o tener libros de poetas antiguos y, con base en la autoridad de Platón, apoyan la propuesta de que los poetas sean expulsados de la sociedad.

 

Boccacio entra en la arena para luchar contra esos enemigos. Demuestra cuán noble es la poesía en sus orígenes y cómo los grandes príncipes del mundo la han estimado siempre. Augusto era amigo de Virgilio (Publius Virgilius Maro, poeta latino c. 70-19 a.J.C., de familia modesta. La Eneida quedó inconclusa. Pidió el autor que el manuscrito del poema fuera arrojado a las llamas, pero Augusto lo impidió. Es la epopeya nacional romana. Él quiso crear para Roma algo semejante a lo que los poemas homéricos eran para Grecia). El rey Federico y el príncipe de Venecia protegieron a Dante. Petrarca mismo podía presumir de tener el apoyo de emperadores, reyes y papas. Dado que la poesía es noble, por su peso cae que no ha sido escrita para ignorantes. Resulta oscura tan sólo para la grey común, pues los eruditos la entienden.

 

Tampoco sucede que los poetas digan mentiras. Quienes eso afirman no comprenden la naturaleza de la poesía. Lanzan esos cargos personas que no han leído a Homero, Virgilio y Horacio. Desde luego, existen poemas perversos, como el Arte de Amar, del poeta latino Publius Ovidius Naso, conocido como Ovidio (43 a.J.C.-17 ó 18 d.J.C.). Y a quienes escribían esos poemas se refería Platón cuando hablaba de expulsar a los poetas. La buena poesía no tiene esa naturaleza. Es inspiración adicionada de aprendizaje.

 

Estos y otros argumentos que Boccacio adelantó son de interés, pero difícilmente tocan el problema central. Sus oponente de la Iglesia se dieron cuenta de que en ésta y otras obras lo que Boccacio hacía era paganizar la literatura europea. El escritor responde a esta importante objeción diciendo que los poetas paganos pudieron  ser peligrosos cuando los viejos dioses aún tenían seguidores, pero no hoy día. El cristianismo se encuentra de tal manera implantado en la mente de los hombres, que no hay peligro alguno. Claro, puede causarse daño a las mentes de los jóvenes e inexpertas, pero Boccacio está escribiendo  para cristianos maduros como él. Para escapar de toda sospecha de que pudiera ser heterodoxo, Boccacio aclara que él cree en los dogmas centrales de la fe cristiana.

 

Ahora bien, su argumentación más importante es la misma que había utilizado  en Vida de Dante: Los poetas antiguos son maestros. Las verdades acerca de las cuales escriben están escritas en estilo alegórico, como escritas están en tal estilo las historias de la Biblia. El mundo necesita lo que los griegos y los romanos pueden enseñarle.

 

De esta manera, aunque está recurriendo a los argumentos utilizados por sus predecesores e insiste, como lo hiciera Dante, en que la poesía es teología, en realidad Boccacio pide libertad para que el poeta elija cualesquiera temas que lo atraigan. Al ofrecer al su mundo el clásico, se convierte en un profeta de es nuevo grupo que va a surgir  de mezclar lo viejo con lo nuevo.

 

V. VIDA Y OBRA DE PIETRO BEMBO.

                       

Pietro Bembo fue un cardenal, humanista y literato italiano que nació en Venecia en 1470 y que murió en Roma en 1547. Su padre, llamado Bernardo, fue un senador que le encaminó en la carrera eclesiástica y procuró darle una esmerada educación. Bembo aprendió correctamente la lengua latina y la lengua griega. La griega la estudió en Messina con el conocido gramático griego Constantino Láscaris (Constantinopla 1434-Messina 1501). En la ciudad de Ferrara, Bembo logró la protección de Alfonso de Este (1486-1534. Primogénito del duque de Ferrara. Tercer esposo de Lucrecia Borgia) y de su esposa Lucrecia Borgia (Duquesa de Ferrara. Roma 1480-Ferrara 1519. Mujer de extraordinaria belleza. Amada y criticada. Los literatos del romanticismo la han pintado como una Mesalina, y los historiadores la presentan como un instrumento de ambiciones de su padre, Alejandro VI, y su hermano, César Borgia). Más tarde, Bembo pasó a Venecia, en donde intimó con  Aldo Manució (Célebre impresor, editor y humanista italiano. Basiano, cerca de Velletri, Roma, en 1450-Venecia 1515), que le dio a conocer en los círculos literarios. Ambos emprendieron la reforma de la ortografía italiana, atribuyéndoseles la invención del apóstrofo (‘) y del punto y coma (;). Luego, Bembo pasó a la ciudad de Urbino, en la actual región administrativa de las Marcas, en donde conoció a Rafael. Posteriormente, marchó a Roma acompañando a Juliano de Médicis (Florencia 1478-Roma 1516), hermano del cardenal Juan de Médicis (Florencia 1475-Roma 1521), quien sería más tarde papa (1513-1521) con el nombre de León X. Éste nombró a Bembo su secretario particular y le concedió ricas encomiendas y beneficios que  le  permitieron  gozar  de  una vida suntuosa y un tanto epicúrea -voluptuosa, sensual-. Al morir León X, en 1521, Bembo se retiró a la ciudad de Padua, en el Véneto, y con las riquezas adquiridas pudo dedicarse a satisfacer su pasión favorita, la de coleccionar antigüedades, lo que alternaba con el cultivo de la literatura. A partir de 1529 fungió como historiógrafo de Venecia y bibliotecario de san Marcos. En 1539  el papa Paulo III (Alessandro Farnese. Canino 1468-Roma 1549) lo hizo cardenal, se hizo sacerdote, y así renunció Bembo a su vida ligera y a las letras profanas. Desde ese momento, se dedicó únicamente a las Sagradas Escrituras y al estudio y análisis de los Padres de la Iglesia.

 

La obra literaria de Bembo marca una etapa importante en la evolución del humanismo italiano. Bembo fue un entusiasta petrarquista, cuyo culto compartía con el de Cicerón (Marco Tulio. Orador, político y filósofo romano. Arpino 106 a. C.-Formies 43 a. C.) y sus composiciones están inspiradas en el gran poeta latino, hasta el punto de que algunas de ellas serían bellísimas si la imitación no fuera tan evidente. Así y todo, la literatura italiana, sobre la cual ejerció notoria influencia, le es acreedora de gratitud, porque la expurgó de vicios y defectos y restauró el buen gusto. A Bembo no se le puede considerar como jefe de ninguna escuela. Casi todas sus obras aparecen escritas en latín. Sus principales escritos son los siguientes:

 

1505. Venecia. Los asolanos (Gli Asolani). Obra en prosa dedicada a Lucrecia Borgia. Diálogo sobre el amor platónico. Es una imitación de la obra Disputaciones Tusculanas, de Cicerón. Iniciada hacia 1497 y publicada en 1505 con una dedicatoria a Lucrecia Borgia. En Asolo, corte de Catalina Cornaro (1454-Venecia 1510), reina de Chipre, se celebran los esponsales de una dama. En tres jornadas, algunos gentilhombres venecianos –Perottino, Gismondo y Lavinello– con otras tantas damas  hablan de amor. El argumento está tratado con delicadeza y vivacidad según las diversas jornadas. Al principio, Perottino condena, en el amor, el origen de todo dolor humano por los conflictos que produce en el carácter y por las penas que hace sufrir; pero Gismondo exalta en él la sencillez  del sentimiento que es la misma vida  e impulsa a los hombres hacia la actividad; finalmente Lavinello, con algunas distinciones, pone en evidencia  los bienes del amor sensual. Así, se exalta el valor del amor platónico que, uniendo las almas, las eleva hasta una esfera de pureza que es contemplación de la verdad y finura de sentimientos. Las mujeres, que están escuchando, comprenden por la discusión de los tres gentilhombres la importancia del tema en la sociedad contemporánea y por ello aprueban  con mucha atención  y con actitudes lánguidas y suspirantes; en su condescendencia  a la resolución de considerar la pureza del amor y su necesidad en la vida, está precisamente la conciencia más profunda del nuevo soplo ideal que envolvía las cortes de la época. Esta obra es bastante famosa por la importancia histórica que adquiere en la doctrina estética  y literaria de Bembo. La referencia a la poesía de Petrarca es necesaria para valorar en Bembo la alabanza del amor puro que eleva hasta la verdad y da una razón de ser a la vida: con elegancia y finura espiritual y con las modalidades que constituirán la característica de la nueva sociedad del siglo XVI. Las mismas comparaciones con las ideas del neoplatonismo de Marsilio Ficino (Filósofo italiano. Figline Valdarno. Toscana, 1433-Careggi, cerca de Florencia,  1499. Vita Platonis [1468], Theologia  platonica [1482]) ponen en evidencia el carácter más que nada literario de Los asolanos. La primera versión en lengua castellana salió en Salamanca en 1551.

 

1525. Prosas sobre la lengua vulgar (Prose della volga lingua). Este es un tratado que se divide en 3 libros. Se publicó en forma de diálogos, tenidos en 1502 en casa del hermano del escritor. Aquí se examina el problema de la lengua, en sí y en relación con la tradición italiana y con las lenguas de otros  pueblos. El contraste percibido por el humanismo entre la lengua vulgar y la lengua latina es allanado aquí en el sentido de que los grandes autores del siglo XIV –Dante, Petrarca, Boccacio– han iniciado una tradición poética de excepcional importancia para la suerte de Italia: por medio de aquellos autores el florentino se ha afirmado como la lengua más apta  para expresar las bellezas de la poesía y la nitidez de la prosa, y como un instrumento literario no inferior al provenzal . Situada la florentina como la lengua sobresaliente de la península, es necesario hacer una distinción entre lenguaje hablado y lenguaje literario: este último debe servir de norma a los escritores. Como modelos deben tomarse Petrarca para la poesía y Boccacio para la prosa; Dante es notable por la robustez  de algunas concepciones suyas, pero es más admirable el cantor de Laura por la finura de su elocución  y la armonía de su verso. Siguen algunas importantes definiciones y aclaraciones sobre el estilo, la métrica, el valor de los vocablos y su colocación en las frases y en el verso; se concede particular interés a la variedad de la forma literaria que es juego de elegancias y refinamiento espiritual. También por este lado el ejemplo de Petrarca  es esencial para quien quiera difundir de modo pulcro y mesurado sus afectos de poeta. Varias reglas fijan la lengua vulgar de modo claro y apropiado, formando una gramática normativa que luego será valorada en su siglo como la más grande exaltación de la lengua vulgar, límpidamente expresiva al par de la latina. Esta obra de Bembo, durante el renacimiento, llegó a ser el código del buen gusto en lo que respecta a la literatura en lengua latina.

 

1530. Venecia. Rimas (Le Rime). Inspiradas en Petrarca.  Publicadas en 1530 y en segunda edición en 1535. Son un documento del gusto del renacimiento más que una obra poética propiamente dicha. Con elegancia de estilo, pero con frialdad de inspiración, el escritor repite con nueva forma la riqueza psicológica y el refinamiento del Cancionero de Petrarca. Las situaciones están calcadas sobre el ejemplo del gran trecentista, aunque las imágenes y la forma artística reflejen los caracteres señalados por Bembo en sus famosas obras doctrinales, Los asolanos y las Prosas sobre la lengua vulgar. Así, algunas de las mejores composiciones están calcadas sobre ejemplos célebres. “Solingo augello, se piangendo vai” (“Pájaro solitario, si llorando vas”), que compara la vida del animalito con el amor desgraciado del poeta y, por su contraste entre el hielo y el fuego, “Io ardo, dissi, e la risposta in vano” (“Ardo, dije, y la respuesta en vano”). Algunas veces la imagen amorosa ([“Giaceami stanco, e ‘l fin de la mia vita”] [“Yacía cansado, y el fin de mi vida”]) y la visión de la naturaleza ([“Questa del nostro lito antica sponda”] [“Esta de nuestra costa antigua orilla”]) parecen inspirarse en un sentimiento más sincero. A pesar de todo, incluso en los momentos más felices, estas Rimas sólo están regidas por la pericia del artífice que conoce los secretos del oficio, pero no la fascinación de la creación espontánea  y auténtica. La obra, junto con los cánones imitativos del humanismo, codificó el gusto de toda una época  en cuestión de poesía amorosa.

 

1533. Venecia. Poesías latinas (Carmina). Notable importancia histórica tienen las Poesías escritas en verso latino escritas por Bembo. No sólo en sus mocedades, en el fervor de la común cultura humanística, sino a lo largo de toda su vida, el famoso teorizador de la dignidad de la lengua vulgar se ejercitó en  las composiciones de tipo clásico. Sale muy airoso en las descripciones  donde con pura elegancia formal acaricia  figuras y paisajes, como cuando en el “Benaco” (“Benacus”) evoca el esplendor de aquellos lugares  y la jocundidad de la vida en medio de una ficción  de las diversas divinidades  que dan nombre a montes y ríos del lago de Garda. Algo artificioso en sus detalles  ornamentales, se nos muestra en el “Himno a san Esteban” (“Hymnus ad divum Stephanum”); límpidamente narrativo es cuando se refiere al mundo clásico verdadero con la gentil “Galatea” (“Galatea”), ninfa siciliana cortejada por el cíclope  Polifemo  y  el  pastor Acis;[5] le siguen unos dísticos -estrofa de dos versos, generalmente un hexámetro y un pentámetro dactílicos- en que se finge que Fauno se dirige a las ninfas y Yola[6] a Fauno. Este acariciar en la mente la delicada  visión de un mundo de imágenes y de impresiones explica por qué Bembo se detiene complacido  a hablar de amores de faunos enamorados, del chapuzarse de unas aturdidas  muchachas en el agua  de un río y, sobre todo,  el por qué en una elegía  a una amiga, muy próxima a él pero reservada  por las sospechas de su marido, expresa el deseo de gozar plenamente de su afecto, de tenerla siempre junto a sí y de sentirla toda suya. Bembo, con su personal refinamiento, capta en pocos rasgos aquel tema límpidamente evocador que hace del humanismo la mejor idealización  de los sentimientos; pero también la cultura antigua había  suscitar en él, más vivo, el deseo de alcanzar el acento de una propia e inconfundible voz en el lenguaje no indigno del ejemplo de los clásicos.

 

Bembo también cultivó el género epistolar latino, lo que hizo con singular maestría. También editó obras de otros autores, en especial de Dante.

 

Las obras completas de Pietro Bembo se publicaron por primera vez en Venecia en 4 volúmenes en 1729.

  

VI. VIDA Y OBRA DE LUDOVICO ARIOSTO. ANÁLISIS DE LA OBRA ORLANDO FURIOSO.

 

Ludovico Ariosto fue un célebre poeta italiano que nació en Reggio Emilia, Emilia-Romaña, el 8 de septiembre de 1474 y murió en Ferrara, Emilia-Romaña, el 25 de diciembre de 1533. Se le ha llamado el Homero de Italia. Sus ascendientes eran oriundos de Bolonia, ciudad situada en Emilia-Romaña, y tomaron el apellido Ariosto de unas tierras del bolonesado llamadas Da-Riosto. Ludovico fue hijo de Nicolás –militar al servicio del duque de Ferrara– y de Daría –hija del poeta Gabriel Magaluzzi–. Fue el primogénito de los 10 hijos habidos en este matrimonio. En 1469, a su padre le fue concedido el título de conde por el emperador de Alemania Federico III. Siendo casi niño, Ludovico empezó a demostrar sus condiciones de poeta, escribiendo una tragedia inspirada en la fábula Tisbe,[7] que representó en unión de sus hermanos. De la ciudad de Reggio, pasó sucesivamente a Rovigo, Módena y Ferrara, en donde, por acatar la voluntad de su padre, estudió 5 años la carrera de Derecho; pero, sin vocación para ella, la dejó para dedicarse a la literatura, siendo uno de sus maestros Gregorio de Spoleto. Cuando Carlos VIII de Francia hacía los preparativos   para   invadir a  Italia, escribió   la  célebre  invectiva –discurso o escrito acre y violento contra personas o cosas– acusando a su patria de ser “sentina[8] de todos los vicios”, pueblo envilecido por el yugo de los demás pueblos y de no pensar más que en los placeres.

 

Ludovico se hizo militar, asistió a varias batallas, entre ellas la de Padua –en el Véneto– y Polesella –en Rovigo, Véneto–. Luego, fue gobernador del castillo de Canosa; pero al morir su padre, hacia  1500, abandonó la carrera para dedicarse a cuidar el escaso patrimonio de su familia. Para entonces, se había realizado unas impresiones del famoso poeta cómico latino Plauto (Sársino, Umbría, c. 254 a. C.-Roma 184 a. C.), las cuales fueron leídas por Ludovico. Inspirándose en ellas escribió 2 comedias: I Suppositi y La Cassaria.

 

Más tarde, Ludovico escribió unas Odas latinas, lo que llamó la atención del cardenal Hipólito del Este (Cardenal y hábil diplomático italiano. 1479-1520), por lo que éste lo tomó a su servicio en calidad de gentilhombre de su casa, dándole una modesta pensión. Entre 1495 y 1503 Ariosto había escrito otras varias poesías latinas. Entre loa amigos del poeta figuraban Miguel Tarchaniote Marullo o Marulle (Poeta griego. Constantinopla 1440-Cecina, Pisa, 1500. Cuando los turcos tomaron Constantinopla se trasladó a Italia. Escribió epigramas, tratados y elegías) y Pietro Bembo. Eran los momentos en que se iniciaba en Italia el renacimiento de la lengua italiana. Entonces, para el 1504, Ariosto deja de escribir en latín y da principio a su célebre poema Orlando furioso. Cuéntase que cuando le mostró el manuscrito al cardenal, éste, después de leerlo, le dijo: “Meser Ludovico, ¿dove mai avete pigliato tante bagatelle?”, palabras que hirieron  profundamente el amor propio del poeta y que nunca las olvidó. Acompañando al cardenal, y acusado de abusos de autoridad por los monjes de Nonantola -en Emilia- estuvo en Roma. En 1512, al ser atacada Ferrara por el papa Julio II (Albissola, cerca de Savona, Liguria, 1443-Roma 1513. Papa 1503-1513), acompañó en su fuga al duque Alfonso. Al año siguiente conoció en Florencia a Alejandra Benucci Zampella, que fue el objeto del amor del poeta. En más de una ocasión el cardenal Hipólito invitó al poeta a que abrazase el estado eclesiástico, pero Ariosto se negó siempre a ello. No era muy buena la armonía que reinaba entre Hipólito, el protector, y Ariosto, el protegido, pues cuando en 1518 el cardenal le dijo que le acompañase a Alemania, no quiso hacerle diciendo que tenía “muchas razones y todas buenas” para quedarse en Italia, y perdió una pensión que le era muy necesaria para vivir. Por fortuna, entró al servicio del duque Alfonso de Ferrara, quien le daba mesa y 7 escudos de oro al mes, y cuando vivía fuera del palacio se le enviaban los víveres a que tenía derecho. En 1520 su nombre había adquirido gran celebridad en Italia, del Orlando se habían  hecho 2 ediciones y sus comedias: La  Cassaria e I Suppositi se habían representado con mucho lujo en el Vaticano, y a petición de León X concluyó el poema Negromante. En 1522 el duque Alfonso de Ferrara le nombró comisario suyo en Garfagnana, comarca de Italia situada en Toscana, distrito infestado de bandidos, y en donde los diferentes pueblos vivían en continua discordia; 3 años duró su gobierno, en el que se acreditó de ser hombre recto y probo, y por más que el duque no le ayudaba a reprimir los desmanes que en su distrito se cometían, Ariosto decía “que mientras estuviese en aquel puesto no tendría más amigos que la justicia”. Cuéntase que una tarde, paseando por las inmediaciones de Castelnuovo, cayó en poder de una cuadrilla de bandidos, quienes al saber que su prisionero era el célebre poeta, le pusieron en seguida en libertad.

 

Al volver a Ferrara compró un terreno en el que mandó a edificar una modesta casa, y allí pasó el resto de sus días, corrigiendo el Orlando y cuidando su jardín. En octubre de 1532 publicó su célebre poema definitivamente corregido. Estando el emperador Carlos V en Mantua, ciudad de Lombardía, coronó con gran pompa al ya llamado Divino Ariosto. Más de 20 años hacía que la salud del poeta estaba quebrantada, y su estado se agravó por una enfermedad que le atacó a la vejiga, de la que sucumbió después de 18 meses de sufrimientos.

 

La vida de Ariosto se identificó con la paciente conquista, a través de dificultades materiales y de servidumbres cortesanas, de una independencia consagrada de lleno a los placeres del sentimiento y del estudio. Fue Ariosto una figura simpática, de elevada estatura, ojos negros con cejas arqueadas, de mirar vivo y penetrante, nariz aguileña, cabello rizado, color algo cetrino; en la moral, según el Aretino, fue la bondad misma: muy digno en medio de su pobreza, le repugnaba vivir a costa de los demás.

 

Como poeta ejerció gran influencia en la literatura de su patria, contribuyendo de una manera poderosa al renacimiento de la lengua italiana, y mereció que sus compatriotas le tengan por uno de sus 4 grandes poetas.

 

Sus obras son las siguientes.

 

1494-1503. Carmina.

 

1494-1516. Rime (en italiano).

 

1502 ó 1503. Orlando furioso.

 

1508. La Cassaria (en prosa). Cronológicamente la primer comedia del renacimiento.

 

1509. I suppositi.

 

1517-1525. Satire.

 

1520. El nigromante.

 

1529. La lena.

 

1531. La Cassaria (en verso).

 

¿? I studenti (inacabada).

 

También se le atribuyen otros poemas fragmentarios. Uno de ellos es el llamado Cinque Canti, continuación de Orlando, pero que no han llegado hasta nosotros. De sus obras se han hecho numerosas ediciones en italiano y muchas otras lenguas.

 

Análisis de la obra Orlando furioso.

 

La obra Orlando furioso que analizaremos en clase está escrita en prosa. Hemos recomendado para este estudio cualquier versión, debido a lo difícil que es conseguir este texto en México. A la mano tenemos dos versiones, que he logrado conseguir en librerías de antigüedades y ya al nivel de “libro raro”, casi como un ”incunable”. La primera es Orlando furioso, en una edición de 1958 realizada por la editorial Obras Maestras, de Barcelona, en la versión de Manuel Aranda Sanjuan y con notas prologales de Emiliano M. Aguilera, en 2 amplios tomos. La otra versión, pequeñísima, un librito de escasísimas 91 páginas, la única que hemos podido conseguir en las librerías mexicanas, es la que ha realizado la Editorial Porrúa, de México, en el año de 1993 para los jóvenes. Les ruego que, por favor, las cuiden y que consideren que otros compañeros suyos las usarán posteriormente.

 

Orlando furioso es un poema en 46 cantos, en octavas –estrofa de 8 versos endecasílabos–, que se comenzó a escribir probablemente entre 1502 y 1503, y se publicó por primera vez en 40 cantos en 1516. Luego, en 1521, se hace otra edición, sin novedades sustanciales y, finalmente, en 1532, en edición definitiva, después de varias ediciones, unas con el consentimiento del autor y otras no, aparece el poema en 46 cantos.

 

Ariosto con esta obra lo que hace es continuar una obra, interrumpida por la muerte de su autor, que se tituló Orlando enamorado, del poeta italiano Matteo Maria Boiardo (Scandiano, Módena, 1441-Reggio nell’ Emilia 1494), la cual, de haber sido terminada, habría contenido un centenar de cantos agrupados en tres partes, pero que en su forma actual, inacabada, consta de 69 cantos distribuidos de la siguiente manera: I parte: 29 cantos, II parte: 31 cantos y III parte: 9 cantos. También escrito en octavas, trata el conocidísimo tema, ya entonces tradicional, del ciclo carolingio. Aquí, como en la obra que analizaremos, el amor es entre Orlando y Angélica.

 

En Orlando furioso el asunto principal es la locura de Orlando, quien, enamorado de la hermosa Angélica, la persigue y se ve envuelto en peligrosas aventuras, sin lograr vencer el desdén de la muchacha, que se enamora a su vez de un pobre soldado, sarraceno, Medoro. A fin de que Orlando vuelva a la normalidad, Astolfo, montado en su hipogrifo -voz creada por Ariosto, animal fabuloso, mitad caballo y mitad grifo-, marcha a la Luna, y allí, en una botella, encuentra la razón de Orlando, a quien hará respirar el contenido de la botella. Ariosto cuenta también los amores de Ruggero y Bradamante (de cuya unión desciende la familia de apellido Este), junto con narraciones de duelos y encantamientos (Merlín, Melissa, Alcina), y de la lucha que enfrenta a los paganos (Agramonte, Rodamonte) con el ejército de Carlomagno (Carlos I el Grande. En latín Carolus Magnus. 742-Aquisgrán, ciudad de Alemania, Renania del Norte-Westfalia. Rey de los francos [768-814] y emperador de Occidente [800-814]). Mientras Boiardo presenta al pie de la letra el ideal y el mundo caballeresco, Ariosto busca sólo un pretexto para tejer mil aventuras maravillosas presentadas con ironía. Esta obra influyó en la literatura española, especialmente en Cervantes, quien registró este influjo en comedias como La casa de los celos y El laberinto de amor y en el mismo Quijote.

 

Ariosto continuó en su Orlando el tratamiento de los gérmenes de gran tragedia y de gran farsa que estaban contenidos en el Orlando enamorado de Boiardo. Se puede decir que la narración de Ariosto da comienzo, más o menos, allí donde el Orlando enamorado se interrumpe. Bajo los grandes montes Pirineos se prepara la jornada campal entre los sarracenos[9] y el ejército cristiano de Carlomagno. Casi todos los más celebrados héroes se encuentran presentes en los dos campos. Ha llegado también Orlando del Oriente, con la bellísima Angélica, que acto seguido le es disputada por su primo Rinaldo, y Carlomagno, para evitar discordias, confía la doncella al viejo Namo, duque de Baviera, prometiéndola a aquél de los dos que se distinga más en la batalla. Pero los cristianos son derrotados; Angélica se aprovecha de ello para huir; todos los protagonistas se dispersan  por varias regiones, y la nueva acción del poema toma de aquí su punto de partida para tres líneas principales: las aventuras de Angélica; las de Orlando y Ruggiero; y la guerra, que se mantendrá en el fondo, enlazando con el fabuloso asedio de París. Huye, pues, Angélica del pabellón  de Namo, llevándose tras ella caballeros cristianos y sarracenos que, desertando de la lucha, le siguen la pista. Desde este momento, la joven no hará sino pasar de uno a otro de sus enamorados, engañándolos siempre, sirviéndose siempre de uno para huir de otro, de peripecia en peripecia y de astucia en astucia. Rinaldo, Ferraù, Sacripante, se la disputan; cada hombre que encuentra se inflama por su belleza con un ímpetu salvaje que parece subrayar un tema único, común a todo el mundo masculino, viva hasta el fondo de la pasión tan ideal de Orlando. Ni siquiera un santo eremita puede resistir la repentina sugestión de sus sentidos cuando ella se le aparece. Capturada por los corsarios de las Ebudas, llevada a la Isla del Llanto, y expuesta a la Orca marina, es salvada por Ruggiero, que llega a caballo del alado Hipogrifo; pero hubiera sido, poco después, víctima del ardor de su salvador si no se hubiera hecho invisible con un anillo mágico que lleva y que el propio Ruggiero, sin saberlo, le ha restituido. En fin, en las cercanías de París encuentra  a un joven soldado sarraceno herido, y he aquí que lo que no habían podido lograr tantos héroes, le sale bien a aquel oscuro adolescente. Angélica se enamora de Medoro, le cuida, le cura y se casa con él, y con él toma el camino de regreso hacia su reino, Catay –así se le llamaba en el occidente medieval a China, a partir de Marco Polo–, del cual Medoro obtendrá la corona. Orlando, mientras tanto, después de la derrota de los Pirineos, se ha vuelto a poner en busca de Angélica y, en el vano errabundeo siguiendo la pista de la mujer amada, pasa de aventura en aventura. En la Isla del Llanto libera a Olimpia, también expuesta a la Orca marina, como lo había sido poco antes Angélica; mata al monstruo y restituye  aquella mujer a su amado Bireno; cae después prisionero, como tantos caballeros más, en el castillo del mago Atlante, que éste ha construido para obsequiar, con la flor de la caballería, a su querido Ruggiero, dando a cada cual la ilusión de que allí encuentra su ideal; pero llega allí Angélica, la cual, en posesión  del anillo mágico que destruye toda magia, revela a los caballeros su ilusión y los libera; más tarde, de una cueva donde estaba prisionera de una cuadrilla de ladrones, el paladín libera a la graciosa Isabella, mata a los malhechores y restituye la joven a Zerbino; de manera que aquel desesperado amante parece destinado a convertirse en bienhechor de amantes felices. Un día llega a la selva y a la gruta que había hospedado a Angélica y Medoro durante su dulce idilio; los nombres de los enamorados, grabados de mil maneras en las cortezas de los árboles y en la roca, revelan de pronto lo que ha sucedido, y le torturan los celos, que se convirtieron en alucinación, y el más juicioso de los paladines no resiste a tanto dolor, pierde la razón y se torna furioso. Corre desnudo por Francia y por España, llevando consigo la desolación y el terror. Luego de cruzar a nado el estrecho de Gibraltar, pasa al África. Pero el Altísimo tiene misericordia de él y tocará a Astolfo, el menos heroico de los paladines, la suerte de ser mediador de la gracia divina. Astolfo, después de haberse apoderado del Hipogrifo abandonado por Ruggiero y después de haber llevado a cabo singulares empresas  en Oriente con Marfisa, con los hermanos Grifone el blanco y Aquilante el negro, y con Sansonetto, siempre ayudado por una fortuna que le proviene más de fuerzas mágicas que de su valentía, pasa también al África y es conducido por el Hipogrifo a la cima de una montaña, al Paraíso terrestre. Allí el apóstol San Juan le informa de la locura de Orlando, y con él, en el carro de Elías, sube a la Luna, donde se reúne todo lo que se ha perdido en la Tierra, y en una gran botella es recogido el juicio que había perdido el héroe. Cargado con aquel juicio, Astolfo vuelve a la Tierra, derrota al ejército de Agramante, pone sitio de Bizerta y libera a los paladines prisioneros. Cuando llega allí, el loco Orlando es capturado, atado por un grupo de caballeros, obligado a aspirar de la botella el juicio perdido, y la curación se efectúa.

 

Comienza la redención para Orlando; derrotados en Arlés y Bizerta, los sarracenos se refugian en una isla desierta, Lipadusa, desde donde Agramante manda un último desafío a los cristianos proponiendo decidir la guerra con duelo de tres contra tres. Gradasso y Sobrenio se ponen de parte del rey sarraceno; Orlando, Oliviero y Brandimarte recogen el desafío por parte de los cristianos, y vencen, aunque el triunfo es amargado por la muerte de Brandimarte y la desesperada angustia de su dulce Fiordiligi. Pero el poema no termina aquí; perfectamente renacentista, y por lo tanto cortesano, tiene otro protagonista que representa el tributo del poeta a su época, más todavía que a su señor. A este héroe, a Ruggiero, imaginado como tronco del linaje de los Este, corresponderá la conclusión. Ruggiero es un sarraceno que aparecía ya en el Innamorato y, en los últimos cantos de aquel poema, se enamora de Bradamante, virgen guerrera hermana de Rinaldo, de la que era correspondido. En el poema de Ariosto, aquella figura, sustancialmente borrosa, como nuevo Eneas, lleva en sí un  mundo mágico que la rodea sólo exteriormente, el cual no nace de las exigencias de su individualidad como personaje, casi sobrepuesto a ella, pero que en manos del poeta se convertirá en maravilloso motivo de fondo sobre cuya luz iridiscente acabarán por moverse todos los personajes del poema, adquiriendo de ella un vivo resalte. De este mundo mágico, Ruggiero es sencillamente la “ocasión”, así como su apología cortesana es ocasión de todo el poema; pero de pronto los motivos, inicialmente decorativos, creados para justificar en cierta manera este personaje psicológicamente pobre de vida, se tornan esenciales en el Furioso, hasta constituir simbólicamente la magia de aquel ideal que todos los caballeros persiguen, al cual todos intentan elevarse, y que permanece límpida e irónicamente inaccesible por encima de sus vicisitudes. El artífice directo de esta magia es la figura tal vez más sibilina, más oscuro, más incomprensible, del poema: el viejo encantador Atlante, que tiene cuidado de Ruggiero, que sabe que éste está destinado a la conversión y a las bodas con Bradamante, seguidas de una ineludible y pronta muerte, y que intenta sustraerlo a su destino. Primero pretende mantenerlo en dulce prisión en los reinos del hada Alcina, donde han llegado ya otros caballeros y han quedado allí convertidos en árboles o plantas; después construye para él el palacio de las vanas apariencias, donde quedará aún después que Angélica habrá liberado a los demás caballeros, para ser sacado más tarde de allí por Astolfo. Esta continua invitación a la ilusión con que el viejo mago intenta distraer al predestinado del drama del mundo se refracta de este modo sobre las vicisitudes de los demás y, mientras exalta en la vida la bella evasión del ensueño, se burla después sutilmente de la vanidad de todo. Fuera de esta magia, las aventuras de Ruggiero y de Bradamante forman un paralelo en sentido inverso a las de Orlando y Angélica; Bradamante, ayudada por la buena maga Melissa, va inútilmente en busca de él, inconsciente instrumento de su destino, así como Angélica escapa a su desesperado amante; pero de continuo los dos enamorados son separados; vuelven a encontrase después que Astolfo ha hecho derrumbarse el castillo encantado; son pronto separados por nuevas aventuras: Bradamante desaparece en la persecución del traidor Pinabello; Ruggiero, después de varias vicisitudes, se irá con Marfisa; Rodomonte y otros sarracenos acudirán en ayuda de Agramante, a quien ha jurado fidelidad. Pero en el campo sarraceno surgen pronto discordias, por voluntad divina: Ruggiero mata en duelo a Mandricardo, pero queda a su vez herido gravemente; no puede, pues, alcanzar a Bradamante, la cual, sabiendo que está en compañía de Marfisa, también virgen guerrera, que más tarde se descubrirá que es la hermana de Ruggiero, se halla atormentada por los celos. Finalmente, se embarca para seguir al África a su rey; es arrojado por una tempestad a una isla en que un eremita lo convierte al cristianismo. Muerto Agramante, Ruggiero podría coronar su amor, pero Bradamante ha sido prometida a Leone, hijo del emperador de Constantinopla; se desarrolla de este modo el último acontecimiento del poema, de sabor netamente novelesco, en un clima bizantino que se separa algo de los cantos precedentes. Ruggiero ha ido a Oriente para combatir, es preso por traición y sería muerto si no lo salvase precisamente Leone, admirado de su fuerza. Entre los dos nace pronto un pacto de fraternidad, y cuando se sabe que el rey Carlomagno concederá a Bradamante a quien sea capaz de ganarla en combate, Ruggiero, a instancias de Leone, ignorando el amor que une al caballero con la guerrera, acepta combatir con objeto de conquistar la joven para su amigo. Vence, en efecto, y acto seguido, desesperado, huye a una selva donde espera la muerte. Llega la maga Melissa, entera a Leone de la verdad, le convence de que debe renunciar, y por fin Bradamante y Ruggiero se casan. Estamos en el último episodio: para turbar la boda irrumpe el último de los grandes guerreros sarracenos, Rodomonte, que acusa a Ruggiero de felonía; un último duelo –y uno de los más trágicos–  y la muerte de Rodomonte dan fin al poema. Con estos episodios fundamentales se entrelazan  otros, numerosísimos, en los cuales reside también la vitalidad de la obra. Las aventuras de Astolfo son todas mágicas; la muerte se divierte en dar al menos valeroso de los guerreros cristianos poderes sobrenaturales que le permiten siempre clamorosos triunfos. Por magia huye al reino encantado de la maga Aleina; por magia derrota a innumerables adversarios con su cuerno encantado; por arte mágico disuelve el castillo de Atlante; y a menudo, ignorante de ésta su virtud, cree de buena fe en su valor. De manera que, a lo largo de todo el poema, Astolfo parece representar la comicidad de lo mágico, pero una comicidad llena de mesura y disimulada argucia. En cambio, son violentas todas las aventuras de Rodomonte, el más terrible de los sarracenos, que vence a veces con su facinerosa furia. Pero si en el asedio de París consigue darnos, en algún momento, la más poderosa imagen de truculencia que desde la más antigua épica se haya podido expresar por medio de su tipo, este personaje sabe salir inesperadamente de la unitotalidad a que parecía destinado. Rechazado por la bella Doralice, que prefiere a Mandricardo, aquel semibruto cae en profunda crisis sentimental y se retira a un sombrío ermitorio –o eremitorio– cerca de Montpellier, maldiciendo del amor. Y he aquí que brota de esta aventura el drama tal vez más singular de todo el poema: llega Isabella  –la muchacha salvada por Orlando, una de aquellas figuras de límpida feminidad frente a las cuales la sonrisa ariostesca se vela de ternura– ante el furioso eremita. Mandricardo ha matado a su amante Zerbino cuando éste intentaba defender las armas de Orlando, abandonadas y esparcidas por el bosque por el héroe loco y recogidas por él; a ella no le queda más que su dulzura y su pena. Rodomonte, apenas ve a la afligida joven, olvida su improvisada misoginia; pero ella está decidida a defender a toda costa su pureza. E intenta un trágico juego: si el pagano la respeta, ella le entregará un filtro que lo hará invulnerable. Y Rodomonte le cree con ingenuidad a la vez infantil y salvaje; deja que la joven prepare la mágica infusión y cuando ella le invita a probar la virtud del falso filtro en su propio cuello, él se lo cercena de un violento tajo. Y sólo ante aquella cabeza irremediablemente desprendida del cuerpo comprende lo que ha sucedido; y trastornado por una repentina avidez de expiación, se despliega un frenético misticismo en el alma de aquel desgraciado, que eleva a la muerta un grandioso sepulcro. Aquella luz por un momento invade absurdamente al más brutal de los guerreros, como absurdamente había podido la bestialidad trastornar a Orlando, el más puro de los héroes. Las aventuras de amor se multiplican, por lo demás, en este poema que tiene por motivo central una amorosa locura; en el largo vagabundeo de estos guerreros que corren de una parte a otra por el mundo detrás o a la cabeza de inmigraciones de pueblos, el amor aparece como la inspiración viva siempre que impele a cada cual en su fatigoso errar: un amor que puede ser heroicamente patético como el de Isabella y Zerbino; trémulo de sentimentalidad como el de Fiordiligi y Brandimarte; pasional y dramáticamente agitado como el vínculo que une a Olimpia y Bireno; fatuo, sensual y con todo gentil, en Doralice y Mandricardo; maravillosamente ilógico en Angélica y Medoro. Pero, aun en sus diversos matices, es un amor que queda sustancialmente primitivo, atracción subterránea de los sexos, fuerza primigenia e impersonal que impele al hombre como le impelen sus ciegas exigencias de guerra, de inmigración, de aventura. Y se delinea de tal modo que en el Furioso aparece como motivo fundamental: el contraste entre el individuo consciente de sí mismo, de su voluntad, de sus ideales, y una fatalidad cósmica que todo lo envuelve y a la que él está secretamente sometido. Pero esta fuerza no es la fatalidad de la antigua Grecia, pura e impensable voluntad, sino que se revela en inmediato contacto con el hombre mismo y dentro de él: es la naturaleza que lo rodea y que se afirma en él y en torno a él, contemplada en sus formas más deslumbradoras y puras, en sus esmaltadas praderas, en sus ríos de terso cristal, en su misma geografía fantástica, donde los espacios y las distancias se tornan feliz juego de nombres: la naturaleza aparece aquí como un fondo ciego y terrible en el que hay una verdad capaz de atemorizarnos si nos fuese posible considerarla en sí misma, pero que, por fortuna, se evidencia sólo por insinuaciones, sólo rozando al hombre  en vez de destruirlo, advirtiéndole de la vanidad de sus esfuerzos; pero sin quitarle la generosa ilusión de sus ideales.

 

VII. VIDA Y OBRA DE PIETRO DE ARETINO. ANÁLISIS DE LA OBRA VIDA DE LAS CASADAS Y DE LAS CORTESANAS.

 

Pietro o Pedro Aretino fue un célebre escritor italiano que nació el Arezzo, Toscana, el 20 de abril de 1492 y murió el 21 de octubre de 1556, en Venecia. Sus admiradores le llamaban el Divino. Era hijo de un pobre zapatero llamado Lucas, por cuyo motivo recibió una educación muy deficiente. Algunos biógrafos han considerado que Aretino era hijo de una cortesana de baja estofa, que servía de modelo a los artistas, y de un noble arruinado llamado Bacci. Aburrido de la vida monótona que llevaba en Arezzo, se trasladó a Perusa, donde después de aprender el oficio de encuadernador, comenzó a dedicarse a la poesía, y más tarde, en 1517, fue a Roma. Allí se hizo famoso y temible por sus aceradas sátiras, y entró al servicio de León X y del cardenal Julio de Médicis (Giulio. Florencia 1478-Roma 1534. Bastardo de Juliano –el hermano de Lorenzo el Magnífico–. Convertido en el papa Clemente VII entre 1523-1534). En Roma fue víctima de un atentado, por lo cual dejó esta ciudad y se fue a Milán, lo que le proporcionó la amistad de Juan de Médicis (Forli, Emilia-Romaña, 1498-Mantua, Lombardía, 1526). Al morir Juan de Médicis, Aretino se trasladó a Venecia, donde pudo disfrutar de la necesaria libertad para dar rienda suelta a sus liviandades, viviendo exclusivamente de lo que le producía su pluma, tan venal para el elogio como para la sátira mordaz. Todo su afán consistió en procurarse dinero, y gracias a la facilidad con que escribía y a la falta de aprensión con que dirigía a los magnates cartas llenas de rastreras adulaciones o de amenazas para explotarles, consiguió pronto una posición muy desahogada, que le permitió vivir en la opulencia instalado en un magnífico palacio a orillas del Gran Canal, en época en que los mejores poetas tenían que entrar en la servidumbre de algún príncipe para poder comer. A pesar de cuanto se ha dicho, hay que reconocer que las pensiones de que disfrutaba las debía más que al temor que pudieran inspirar sus diatribas, a la habilidad con que sabía elogiar y servir a sus protectores, cuya liberalidad provocaba la mayor parte de las veces divulgando la generosidad de sus rivales.

 

Pietro de Aretino vivió en la opulencia y el fausto mientras le fue posible, alternando con el más desenfrenado libertinaje. En su palacio albergaba numerosas concubinas, entre las que se citan las seis que el llamaba las Aretinas. Contaba como sus más íntimos amigos y comensales al escultor y arquitecto Sansovino  (Iacopo Tatti, llamado “el Sansovino”. Florencia 1486-Venecia 1570) y al pintor Tiziano (Tiziano Vecellio, llamado en España Tiziano o Ticiano. Piave di Cadore, Friuli-Venecia Julia, c. 1487-Venecia 1576). Al poco tiempo de haber instalado a una nueva Aretina, preciosa joven veneciana llamada Pernia Riccia, se enamoró  locamente de ella; atacada de cruel enfermedad, la veló día y noche, y después de su muerte aquel hombre cínicamente ávido de placeres, se encerró en sus habitaciones durante más de un año, llorando a la única mujer que amó en su vida. El emperador Carlos V y el rey Francisco I le hicieron espléndidos regalos. El primero le ofreció hacerlo caballero, dignidad que Aretino rehusó.

 

Sus escritos le granjearon enorme popularidad en Italia. Gran número de personas de toda Italia, y hasta de países del extranjero, acudían a Venecia para conocerlo. Fijo siempre en sus ideas de vivir en buenas relaciones con la Iglesia, alternó sus composiciones más obscenas con obras de verdadera edificación, como:

 

1535. Della umanità di Cristo.

 

1538. Il Genesi. Una paráfrasis de los 7 salmos, en el que describe los misterios del Antiguo y del Nuevo Testamento, escrito en Venecia.

 

1540. La vita di Maria Vergine.

 

1540. Vita de Santa Caterina.

 

1543. Vita di Santo Tomasso d’ Aquino.

 

Cuando Julio III subió al solio pontificio le felicitó Aretino con un soneto, por el que fue recompensado con 1 000 coronas de oro y la orden de San Pedro. Refieren algunos de sus biógrafos que tuvo el atrevimiento de pedir primero a Paulo III, y después a Julio III, el capelo cardenalicio, fundándose en las obras religiosas que había escrito, pero ambos pontífices se negaron a la rara pretensión del autor de los Sonnetti lussuriosi.

 

Aretino fue un hombre de talento indiscutible, que si no mereció ocupar uno de los puestos más distinguidos en la literatura de su patria, fue sólo por carecer de una educación más  sólida y por su inmoralidad, si bien no llegó nunca a las libertades de Boccaccio. Aretino elogiaba en sus composiciones a muchos de los escritores  de su tiempo, como a Bembo, Alamani, Tolomei, Fracastoro, etc., que correspondían a sus galanterías poniéndole por las nubes. El mismo Ariosto le llamó el divin Pietro Aretin. A Aretino se le ha llamado a veces “escritor escandaloso”. En realidad, todos temían su incisiva pluma, siempre a disposición del mejor postor. Carlos V y Francisco I, por ejemplo, siempre se disputaron su favor. Ariosto lo llamó “el azote de los príncipes”. Durante su vida tuvo encarnizados enemigos que le causaron no pocos sinsabores. Conocida es la anécdota de aquel embajador de Inglaterra que lo molió a palos. Los enemigos de Aretino no cesaron de perseguirle ni después de la muerto el autor. Prueba de ello es el epigrama que en forma de epitafio corrió en Italia a la muerte de Aretino, el cual dice: Qui giace l’ Aretin, poeta tosco…,  etc. Su muerte fue debida a enfermedad común y no, como suponen algunos, por haberse caído de espaldas en un acceso de risa. Dejó una gran fortuna, más de un millón de florines, lo que no había logrado hasta aquella fecha ningún escritor ni poeta.

 

A continuación citaremos los escritos más dignos de citar de Aretino:

 

Obras teatrales.

 

5 comedias en prosa.

 

1533. Il marescalco.

 

1534. La cortesana.

 

1542. El hipócrita.

 

1542. La Talanta.

 

1546. El filósofo.

 

Estas obras teatrales fueron de las mejores de su época. En todas ellas se complace Aretino en la descripción de los vicios.

 

1 tragedia en verso.

 

1546. Orazia. Es la mejor de todas sus producciones teatrales.

 

Entre sus obras más conocidas y, podría decirse, pornográficas, se hallan:

 

1532-1534. Ragionamenti o Diálogos o Coloquio de las damas o Vida de las casadas y de las cortesanas. Están dedicados a Francisco I. Fueron traducidos al francés en París en 1879 con el título de Les dialogues du divin Pierre Aretin. Constituyen una pintura naturalista de la corrupción de las costumbres de alta sociedad italiana de su tiempo, revistiendo por ello un indudable valor histórico. En 1548 fueron traducidos al castellano con el título de Coloquio de las damas.

 

Entre sus obras en verso cabe destacar:

 

1521. I sonneti lussuriosi o Sonetos de lujuria. Son 16 sonetos que escribió para acompañar los dibujos de Giulio Romano (Giulio Pippi, llamado Julio Romano. Pintor y arquitecto italiano. Roma 1499-Mantua 1546. Discípulo y colaborador de Rafael). Reimpreso muchas veces.

 

1537. Due canti di Marfisa. Parodia del poema de Ariosto.

 

1538. Lagrime d’ Angelica e Orlandino. Parodia del poema de Ariosto.

 

Sus cartas.

 

1537-1557. Cartas. Dan testimonio de las costumbres del siglo XVI.

 

La obra Vida de las casadas y de las cortesanas.

 

La obra de Pietro de Aretino que analizaremos en clase es Vida de las casadas y de las cortesanas. Como hemos dicho anteriormente, se piensa que esta obra fue publicada por primera vez en Venecia, entre los años 1532-1534, con el nombre de I ragionamenti. También se le conoce por los títulos de Ragionamenti o Diálogos o Coloquio de las damas o Vida de las casadas y de las cortesanas.

 

Este libro fue el que contribuyó de una manera más directa a crear la fama de un Aretino, escritor obsceno. Están dedicados a Francisco I. Fueron traducidos al francés en París en 1879 con el título de Les dialogues du divin Pierre Aretin. Constituyen una pintura naturalista de la corrupción de las costumbres de alta sociedad italiana de su tiempo, revistiendo por ello un indudable valor histórico. La primera traducción al castellano de esta obra data de 1548. Esta traducción fue realizada por Fernán Xuárez y se desconoce el lugar en donde se realizó. Su primer título en lengua castellana fue Coloquio de las damas. De ésta se realizaron varias reimpresiones. Durante mucho tiempo, la mejor versión en español fue la de Joaquín López Barbadillo, dada en Madrid entre 1914 y 1915. Otras versiones importantes en lengua española son la de Eusebio Heras, Barcelona 1917, y la de José Bruno, Madrid 1939.

 

La versión que analizaremos en clase es la de León Ignacio, dada  en Barcelona en 1990, con 115 páginas, de la editorial Ediciones 29. De la misma manera que les he comentado antes, por favor les pido cuiden este material.

 

Esta obra está dividida en 3 partes. En la I, dividida en seis jornadas, en Roma, Nanna cuenta a Antonia, debajo de una higuera, la vida de las monjas. En la segunda, la misma Nanna, y en mismo lugar del día anterior, “quitándose en calor con el abanico de las chanzas”, narra también a Antonia, la vida de las mujeres casadas; en la tercera, y después de una apetitosa merienda, Nanna cuenta a su amiga la vida de las cortesanas.

 

La II parte está dividida en tres jornadas. En la primera, Nanna enseña a Pippa, su hija, a ejercer el oficio de cortesana, revelándole todos sus secretos e inconvenientes; en la segunda, muestra a su hija las traiciones que hacen los hombres a las “infelices que les creen”; en la tercera, Nanna y Pippa, sentadas en el huerto, escuchan a Comare y a Balia que razonan sobre el arte de la alcahueta. En varias ediciones, comenzando por la de Bengodi, con numeración aparte, sigue el “Agradable razonamiento del cojo, convertido en fraile, Lodovico putañero, en el que se contiene la vida y la genealogía de todas las cortesanas de Roma”.

 

Esta obrita, ya publicada en Roma en 1539, no es, según algunos críticos modernos, original de Aretino. El argumento de los Diálogos o Vidas de las casadas y las cortesanas es, de cuando en cuando, escabroso y está narrado con crudeza, pero su admirable desenvoltura narrativa, la riqueza de su estilo, las diversas actitudes, los dobles sentidos cómicos o de gran humorismo hacen de esta famosa obra una cosa viva, llena de inspiración desenfrenada, alejada de toda hipocresía o pedantería y constituyen una pintura perfecta y satírica del mundo corrompido y sensual de las clases sociales más consideradas del mundo romano del siglo XVI. En las páginas eróticas de Aretino y en las que parecen más desenfrenadas, hay un sentido de moralidad producido por la repugnancia de la unión sensual y el considerar la carne en su corruptibilidad y miseria.
 
 

VIII. VIDA Y OBRA DE TORCUATO TASSO. ANÁLISIS DE LA OBRA JERUSALÉN LIBERTADA.

 

Torcuato Tasso fue un destacado escritor italiano. Nació en Sorrento el 11 de mayo de 1544 y murió en Roma el 25 de abril de 1595. Fue hijo de Bernardo, también escritor, que se hallaba al nacer su hijo en el Piamonte, adonde había seguido a Ferrante Sanseverino, príncipe de Salermo, al servicio de Carlos V.

 

La vida de Torcuato estuvo llena de constantes desplazamientos. A fines de 1550 la familia Tasso se trasladó a Nápoles, y allí, en un colegio de jesuitas, hizo Torcuato sus primeros estudios, realizando rápidos progresos en el latín, el griego y la retórica. En 1554 Bernardo se estableció en Roma, llevándose a su hijo, al que en 1556, después de la muerte de su madre, envió a Bérgamo; pero a los pocos meses, se reunió de nuevo con su padre, que había fijado su residencia en Urbino, de donde pasaron los dos, a mediados de 1559, a Venecia. En esta ciudad compuso ya algunas poesías, que fueron publicadas en una colección, junto con las de otros poetas.

 

Torcuato hizo estudios de Derecho, pero no los concluyó. Abandonó esta carrera para dedicarse a los estudios de Filosofía y Elocuencia en la ciudad de Bolonia. De la Universidad de Bolonia fue expulsado en noviembre de 1564, acusado de haber escrito sátiras contra algunos de sus condiscípulos y un profesor de la Universidad. De aquí se trasladó a Padua, en donde estudió en la Academia de los Eteri. En la primavera de 1564 terminó sus estudios. Poco después entró al servicio del cardenal Luis de Ferrara. Posteriormente, su vida estaría marcada por enfermedades, huidas, temores y cambios de domicilio.

 

Principales obras de Torcuato Tasso:

 

1559-1575. Jerusalén libertada.

 

1560. Rinaldo. Poema caballeresco.

 

1566. Discursos sobre el arte poética.

 

1573. Aminta. Fábula pastoril. De gran éxito. Existe una traducción en lengua española realizada por Juan de Jáuregui entre 1608 y 1618.

 

1579. A las princesas de Ferrara. Canción. Realizada mientras estaba internado en el asilo de Santa Ana.

 

1586. Diálogos y discursos.

 

1587. El rey Turismundo.

 

1587. Gismondo. Tragedia.

 

1592-1593. Jerusalén conquistada.

 

1592. Il mondo creato. Poema.

 

1593. Las lágrimas de la Virgen María. Poema.

 

1595. Discursos del poema heroico.

 

Tasso murió cuando el papa iba a convertirlo en su poeta laureado. Sus últimas obras poéticas constituyen manifestaciones muy claras de una estética prebarroca, tanto si se trata de la recargada aparatosidad de El rey Turismundo, como de la imaginería, tan fastuosa como fría, de Los siete días de la creación del mundo. También es autor de unos Diálogos y unas Cartas, documentos capital para entender el espíritu  de la época e incluso las propias crisis de conciencia de Tasso.

 

Análisis de la obra Jerusalén libertada.

 

Jerusalén libertada es un poema épico, compuesto en gran parte, desde la primera idea hasta su conclusión, entre 1559 y 1575. Fue publicada esta obra parcialmente en 1580 y en su totalidad en 1581. El poeta dedicó esta obra, que tiene como asunto la primera cruzada y la toma de Jerusalén, a Alfonso II de Este, duque de Ferrara, y acentuó en ella la importancia concedida al héroe Rinaldo, presunto antepasado de la casa de Este. Los 20 cantos de la Jerusalén libertada son más notables por los episodios novelescos que el autor ha intercalado que por la narración de acontecimientos de tipo histórico. En tono de idilio o de elegía, describe los amores de Rinaldo y Armida, y la pasión desafortunada de Herminia por Tancredo; alcanza un tono patético en la narración de las desgracias de Olinda y Sofronia, que mueren en la hoguera; el episodio más emotivo es el de la muerte de Clorinda a manos de Tancredo, que no la reconoce hasta después de muerta. Con la Jerusalén libertada, que alcanzó un inmenso éxito, Tasso devolvió la vida a la novela de caballería, cuyo éxito había disminuido considerablemente a fines del s. XVI.

 

BIBLIOGRAFÍA

Alighieri, Dante (1986). Vida Nueva/Tratado de la lengua vulgar. México, SEP.

Aretino, Pietro de (1990). Vida de las casadas y de las cortesanas. Barcelona, Ediciones 29.

Ariosto, Ludovico (1958). Orlando Furioso. Barcelona, Obras Maestras.
 
Bembo, Pietro. Venecia.
 
Boccacio, Giovanni. Decamerón.
 
Ferro Gay, Federico (1972). Breve historia de la literatura italiana. México, PORRÚA.
 
Petrarca, Francesco. Cancionero.
 

Polo, Marco (1987). Viajes. México, PORRÚA.

Prampolini, Santiago (1956). Historia universal de la literatura. Buenos Aires, UTEHA ARGENTINA, T. V.

Tasso, Torcuato (1983). Jerusalén libertada. México, PORRÚA, No. 403.

Vossler, Karl (1951). Historia de la literatura italiana. Barcelona, LABOR.

 




Filólogo        e    imagólogo                  Fernando Antonio Ruano Faxas 
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Филолог     и   консультант           Фернандо Антонио Руано Факсас
 
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[2] Juegos florales. Certamen literario, especialmente poético, que tuvo su origen en Toulouse, Francia. Tras la derrota de los albigenses, la sociedad en que se desenvolvía la poesía de los trovadores sufrió un profundo colapso. En 1323 un grupo de caballeros tolosanos se constituyó en “Sobregaya companhia dels set trobadors de Tolosa” (o “Consistori del Gay Saber”), para estimular el cultivo de la poesía provenzal mediante un certamen que se celebrara anualmente, el día primero de mayo, en dicha ciudad. Los actos estarían presididos por una “reina” -elegidas entre las damas de mayor alcurnia- y serían arbitrados por siete “mantenedores”, quienes compondrían un jurado para premiar la mejor composición con una “violeta de oro” y para someter algunas obras al juicio de los demás concursantes. Así, los juegos florales se celebraron por primera vez en Toulouse en 1324, y el galardonado fue Arnaut Vidal.
[3] Roberto (1278-Nápoles 1343). Rey de Nápoles entre 1309-1343. Tercer hijo de Carlos II de Anjou. En 1305 se le nombró, a instancias de Florencia, capitán de la liga toscana güelfa. Fue un excelente administrador y jurista. Fue un espíritu cultivado; poseía la mejor biblioteca de su tiempo. Fue una persona muy interesada por el estudio y las artes.

[4] Los Triunfos (I Trionfi). “Visión alegórica” de Petrarca, en más de 2 mil tercetos endecasílabos, divididos en 6 partes y algunas de ellas en capítulos. Su contenido es el siguiente:

I. Triunfo de Amor (Triumphus Cupidinis).

Un 6 de abril, aniversario del día en que el poeta se enamoró de Laura, se le ofrece al autor la visión del dios Amor en un carro triunfal, seguido por un gran cortejo de amantes célebres; un amigo le sirve de guía y le va indicando quiénes son esos cautivos; una muchacha aparece ante Francesco, le enamora y, así, éste se ve obligado a formar también en el cortejo hasta Chipre, donde el dios celebra su triunfo. 

II. Triunfo del Pudor (Triumphus Pudicitae).

Laura ha sometido a Petrarca, pero ella no se deja doblegar ante el Amor, a quien vence en combate, pertrechada de virtudes y ayudada por mujeres de castidad célebre; pone en libertad a los cautivos y lleva los despojos al templo romano de Venus Verticordia.

III. Triunfo de la Muerte (Triumphus Mortis).

Pero cuando Laura regresa a Provenza, le sale la Muerte y, con sólo arrancarle un cabello, la mata sin dolor; por la noche, Laura se aparece en sueños a Petrarca y confiesa que siempre le ha amado, si bien la salvación eterna le exigía disimularlo.

IV.Triunfo de la Fama (Triumphus Famae).

A su vez, la Fama triunfa de la Muerte y se adelanta esplendorosa. Tras ella marchan hombres ilustres.

V. Triunfo del Tiempo (Triumphus Temporis).

El Sol, símbolo del Tiempo, molesto al ver que la Fama le vence, sobreviviendo, apresura su carrera y su rapidez destruye toda gloria humana.

VI. Triunfo de la Eternidad (Triumphus Aeternitatis).

La vieja tierra desaparece y surge un mundo  “nuevo, en edad inmóvil y eterna”, sin pasado ni futuro, con sólo presente, donde el poeta podrá ver a Laura para siempre y gozar de su belleza.

 

Este fino hilo argumental sirve de vínculo unitario a la enumeración de los hombres y mujeres famosos que forman en cada triunfo, caracterizados por una breve nota individualizadora. Esta técnica tiene larga tradición en la poesía medieval cuyas huellas aparecen en los Triunfos: en el Anticlaudiano de Alain de Lille, en la continuación del Roman de la rose, en la Amorosa visión de Boccacio, en la Comedia de Dante.

 

Mucho se ha discutido si los Triunfos son una mera alegoría moralizante o una objetivación de experiencias vividas por el poeta; en realidad, éste parte de su propia historia, para ascender a pensamientos más amplios, de validez humana general. Así, tradición medieval, aspiración al clasicismo y subjetividad elevada a un plano de significación universal son los componentes centrales del poema. Un manuscrito autógrafo fecha un fragmento del Triumphus Cupidinis en setiembre de 1356 y el Triumphus Aeternitatis en febrero de 1374, sólo unos meses antes de la muerte de Petrarca; por lo demás, el poema quedó inacabado, falto de una revisión definitiva. La edición príncipe de la obra es la de Venecia (1470), e incluye también el Cancionero.

 

Lope de Vega (Félix Lope de Vega y Carpio. Español. Madrid 1562-1635) tiene una obra intitulada Triunfos divinos con otras rimas sacras, que es un poema narrativo escrito a imitación de los Triunfos de Petrarca. Éste consta de 5 cantos escritos en tercetos.

[5] Acis. En la mitología es un pastor de Sicilia, hijo de Fauno y de la ninfa Simetis. Fue amado por Galatea, pero Polifemo, su rival, habiéndole sorprendido un día con su amante, le estrelló contra una roca. Neptuno, a ruego de Galatea, transformó la sangre que de él manaba en el río Aci o Acis, célebre por la frialdad de sus aguas a pesar de nacer al pie del Etna, entre Taormina y Catania.

[6] Yola. En la mitología es hija de Euripo, rey de Ecalia. Su padre la ofreció al que le venciese en el arte de disparar flechas, Hércules, que estaba enamorado de Yola, aceptó la apuesta y la ganó, pero entonces el padre se negó a cumplir lo pactado y encerró a Yola en su casa. Hércules se alejó airado y poco tiempo después tomó venganza en Ifito, hermano de Yola. Los artistas griegos representaron esta leyenda frecuentemente en ánforas y vasos, pintando la lucha de Hércules y Eurito y sus dos hijos, en presencia de Yola. Existen otras versiones.

[7] Tisbe. Relato que trata una trágica historia de amor. Tisbe es una joven babilónica que protagoniza, junto a Píramo, este relato mitológico griego.

[8] Sentina. Parte baja de la bodega de un buque, donde se acumulan las aguas que se filtran por los costados y cubiertas  y que se extraen mediante bombas; de aquí que esto signifique albañal, lugar lleno de inmundicias, foco de inmoralidad, que es a lo que se refiere Ariosto en este caso.

[9] Sarracenos. Grupo del norte de Arabia, que opuso una viva resistencia a los emperadores bizantinos, y posteriormente se convirtió al islam. Posteriormente, el término fue utilizado por los occidentales para designar en general a árabes, musulmanes y moros, especialmente a los piratas que actuaron en el Mediterráneo occidental durante la alta edad media.

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  32. TOQUEMOS EL TEMA DE LA LECTURA: LECTURAS, TEXTOS, LIBROS, BIBLIOTECAS, INTERNET…
  33. ¿POR QUÉ EXISTEN TANTAS VERSIONES DE LA BIBLIA Y DE CRISTO O JESÚS?
  34. PREDICAR CON EL EJEMPLO: PARA IMPLANTAR CALIDAD, HAY QUE SABER DE CALIDAD Y SER UNA PERSONA DE CALIDAD. ¿QUÉ PASA CUANDO SE QUIERE IMPLANTAR CALIDAD A TONTAS Y A LOCAS? PARTE I
  35. ¡Cuidado!, no nos confundamos, que una cosa es ser jefe y otra, muy diferente, es ser líder
  36. LAS CREENCIAS, LAS RELIGIONES, LOS CULTOS Y LOS MITOS Y SU RELACIÓN CON LAS SOCIEDADES, LAS CULTURAS Y LOS COMPORTAMIENTOS. PARTE I
  37. PAISOLOGÍA, FILOLOGÍA E IMAGOLOGÍA ITALIANAS: PRERRENACIMIENTO Y RENACIMIENTO
  38. ¿CÓMO INTERPRETAR LA INFORMACIÓN POLÍTICO-GUBERNAMENTAL EN AMÉRICA? EL NUNCA ACABAR DE LAS MENTIRAS EN LA POLÍTICA LATINOAMERICANA
  39. MÉXICO Y LOS MEXICANOS VISTOS Y ANALIZADOS A TRAVÉS DE LA ÓPTICA DE ALGUNOS INTELECTUALES
  40. ¿POR QUÉ NOS LLAMAN LATINOS? ¿QUIÉNES SON LOS LATINOS Y CUÁL ES SU ORIGEN? ¿Y EL RACISMO QUÉ?
  41. PANORAMA DE MÉXICO EN EL SIGLO XXI. LOS PRINCIPALES PROBLEMAS DE MÉXICO. PARTE I
  42. CALIDAD, CALIDAD DE VIDA Y CORRUPCIÓN. PARTE I
  43. Abramos los ojos de una vez: es necesario poner las cosas en claro acerca de las sociedades secretas o sociedades crípticas
  44. LAS CREENCIAS, LAS RELIGIONES, LOS CULTOS Y LOS MITOS Y SU RELACIÓN CON LAS SOCIEDADES, LAS CULTURAS Y LOS COMPORTAMIENTOS. PARTE II
  45. Protected: LOS ALCANCES DE LA DEPRAVACIÓN DEL CURA MEXICANO VIOLADOR DE NIÑOS MARCIAL MACIEL DEGOLLADO
  46. NARCOTRAFICANTES Y CAPOS MEXICANOS VIVEN EN LAS ZONAS MÁS EXCLUSIVAS DEL PAÍS
  47. Un paseo por las religiones, las creencias, la magia, la brujería, la santería y todo tipo de ideas. ¿Y el sincretismo?
  48. Protected: ¿ACASO ALGUIEN PUEDE CREERLE AL CARDENAL MEXICANO NORBERTO RIVERA CARRERA?
  49. LINGÜÍSTICA EN MÉXICO
  50. ANALFABETISMO FUNCIONAL, ANALFABETISMO DE SEGUNDO GRADO O ANALFABETISMO DE GRADO SUPERIOR
  51. Educación, cultura, ciencia, técnica y fuga de cerebros en América y concretamente en México
  52. ¿A qué llamamos discurso jurídico, literatura jurídica o texto jurídico?
  53. ¿Reunión de Felipe Calderón y Barack Obama en marzo de 2011? ¿Y…? ¡Más de lo mismo!
  54. SEXO Y GÉNERO O SEXOS Y GÉNEROS
  55. ¿¡QUÉ TE CONSIDERAS INTELIGENTE!? ¿PERO DE CUÁL DE LAS INTELIGENCIAS ESTÁS HABLANDO?
  56. OPINIÓN PÚBLICA, PUBLIC OPINIÓN, ОБЩЕСТВЕННОЕ МНЕНИЕ, OPINIÃO PÚBLICA, OPINION PUBLIQUE, ÖFFENTLICHE MEINUNG, رأي عام , 舆论
  57. ¿CÓMO HABLAR CORRECTAMENTE EN PÚBLICO? LINGÜÍSTICA E IMAGOLOGÍA DEL DISCURSO HABLADO
  58. RACISMO EN MÉXICO
  59. FILMES, PELÍCULAS, DOCUMENTALES, VIDEOS ACERCA DE LOS MIGRANTES O INMIGRANTES O EMIGRANTES O ESPALDASMOJADAS O WET BACK O INDOCUMENTADOS O SINPAPELES O BALSEROS O ILEGALES
  60. ¿POR QUÉ LA GENTE NO SE ACEPTA Y SE RECHAZA CON TANTA FRECUENCIA, Y SI SE ACEPTA LO HACE HIPÓCRITAMENTE? HABLEMOS UN POCO DE LA SINCRONÍA INTERACCIONAL Y SU FUNCIÓN EN LA COMUNICACIÓN HUMANA
  61. CUIDADO CON EL SILENCIO. EL SILENCIO DICE MÁS QUE MUCHAS PALABRAS / BEWARE OF THE SILENCE. THE SILENCE SAYS MORE THAT MANY WORDS
  62. A propósito de la imagen pública: ¿por qué las personas a veces no se entienden bien? Las cosas que hacen que la comunicación verbal y la comunicación no verbal sean un problema. PARTE VI
  63. HACIA LA CALIDAD INTEGRAL SIN FRONTERAS
  64. IMAGOLOGÍA DEL ARTE COSMOGÓNICO DE LAS SEIS SOCIEDADES QUE HAN DADO ORIGEN A LAS CIVILIZACIONES MÁS ANTIGUAS DEL MUNDO: 1. MESOPOTAMIA (ACTUAL IRAQ O IRAK), 2. EGIPTO, 3. INDIA, 4. CHINA, 5. PERÚ (CARAL) Y 6. MÉXICO
  65. CALIDAD, CALIDAD DE VIDA Y CORRUPCIÓN. PARTE II
  66. LA REFORMULACIÓN Y SU RELACIÓN CON LA DIALECTOLOGÍA Y LA TRADUCTOLOGÍA
  67. ¿QUÉ ES EN REALIDAD LA COMUNICACIÓN NO VERBAL?
  68. LITERATURAS, ESCRITORES Y TRADUCTORES VISTOS POR DELANTE Y POR DETRÁS
  69. ¿QUÉ DICEN LOS GESTOS? GESTOS Y ADEMANES. LOS BRAZOS Y LAS MANOS EN ACCIÓN
  70. COMUNICACIÓN NO VERBAL (CNV) Y LENGUAJE CORPORAL HUMANO.
  71. COMENTARIOS ACERCA DE LA SEMIÓTICA COMO FUNDAMENTO PARA EL CURSO DE COMUNICACIÓN NO VERBAL. PARTE II
  72. COMENTARIOS ACERCA DE LA SEMIÓTICA COMO FUNDAMENTO PARA EL CURSO DE COMUNICACIÓN NO VERBAL
  73. RUSISMO O RUSISMOS Y SOVIETISMO O SOVIETISMOS
  74. UN PANORAMA ENSAYÍSTICO ACERCA DE LOS SECUESTROS O PLAGIOS O LEVANTONES EN MÉXICO
  75. Protected: COMPLEJO DE ADONIS O VIGOREXIA. METROSEXUALIDAD, ÜBERSEXUALIDAD Y RETROSEXUALIDAD
  76. BELLEZA Y FEALDAD
  77. EL LENGUAJE CORPORAL HUMANO Y SU RELACIÓN CON LA MÚSICA Y LA DANZA. PANORAMA DE LA MÚSICA Y LA DANZA CUBANAS Y LA MÚSICA Y LA DANZA MEXICANAS
  78. COSAS QUE NO DEBEMOS OLVIDAR LOS CONFERENCISTAS Y ASESORES. LA FUNCIÓN DE LA CLARIDAD, LA CONCISIÓN, LA COHERENCIA, LA SENCILLEZ Y LA NATURALIDAD EN LAS CONFERENCIAS Y ASESORÍAS
  79. La sociolingüística como ciencia que ayuda a entender el comportamiento verbal y corporal de los individuos
  80. Protected: LA IMPORTANCIA DE LA VOZ EN LA COMUNICACIÓN VERBO-CORPORAL
  81. CÓMO TRABAJAR CON LOS ESTUDIANTES UNIVERSITARIOS DE CIENCIAS SOCIALES O LA ENSEÑANZA DE LAS CIENCIAS SOCIALES. PARTE IV
  82. TABÚ Y TABÚES
  83. HABLEMOS SIN RODEOS ACERCA DE LAS FRUSTRACIONES HUMANAS Y DE LOS FRUSTRADOS
  84. CALIDAD, CALIDAD DE VIDA Y CORRUPCIÓN. PARTE IV
  85. CALIDAD PERSONAL / PERSONAL QUALITY
  86. Protected: HABLEMOS UN POCO DE LA RICA MÚSICA CUBANA
  87. UN PANORAMA DE LA MÚSICA MEXICANA
  88. LOS ORÍGENES DE LA CALIDAD
  89. Recordando a los pioneros del tratamiento y la investigación de la comunicación no verbal
  90. OLFATOS Y AROMAS. UN TRATAMIENTO A PARTIR DE LA IMAGOLOGÍA Y PARA LOS FINES DE LA COMUNICACIÓN NO VERBAL
  91. ANTROPOMORFISMO, FITOMORFISMO Y ZOOMORFISMO
  92. CÓMO TRABAJAR CON LOS ESTUDIANTES UNIVERSITARIOS DE CIENCIAS SOCIALES O LA ENSEÑANZA DE LAS CIENCIAS SOCIALES. PARTE III
  93. CÓMO TRABAJAR CON LOS ESTUDIANTES UNIVERSITARIOS DE CIENCIAS SOCIALES O LA ENSEÑANZA DE LAS CIENCIAS SOCIALES. PARTE II
  94. CÓMO TRABAJAR CON LOS ESTUDIANTES UNIVERSITARIOS DE CIENCIAS SOCIALES O LA ENSEÑANZA DE LAS CIENCIAS SOCIALES. PARTE I
  95. TEMAS DE IMAGOLOGÍA Y SOCIOLINGÜÍSTICA. LA ACTUACIÓN Y LA SOBREACTUACIÓN DISCURSIVAS TANTO AL NIVEL VERBAL COMO AL NIVEL NO VERBAL
  96. ¿Cuándo y quiénes destruyeron la inmensa mayoría de la historia escrita de la Humanidad? #ImagologíaClerical #ClericalImagology #КлерикальнаяИмагология
  97. LA CONTINUIDAD Y LA INTERDISCIPLINARIEDAD EN EL TRABAJO INDEPENDIENTE DE LOS ESTUDIANTES DE CIENCIAS SOCIALES
  98. SEXO, PEDERASTIA, PAIDOFILIA, PEDOFILIA, EFEBOFILIA O INFANTOFILIA, PEDERASTIA CLERICAL, CURAS O SACERDOTES VIOLADORES SEXUALES, RELIGIOSOS VIOLADORES SEXUALES, CELIBATO, CÓMPLICES SEXUALES. PARTE 1
  99. SEXO, PEDERASTIA, PAIDOFILIA, PEDOFILIA, EFEBOFILIA O INFANTOFILIA, PEDERASTIA CLERICAL, CURAS O SACERDOTES VIOLADORES SEXUALES, RELIGIOSOS VIOLADORES SEXUALES, CELIBATO, CÓMPLICES SEXUALES. PARTE 2
  100. PROTOCOLO Y ETIQUETA O PROTOCOLOS Y ETIQUETAS
  101. REFLEXIONES EN TORNO A LA CALIDAD Y LA CALIDAD DE VIDA EN EL TRABAJO
  102. LAS CREENCIAS, LAS RELIGIONES, LOS CULTOS Y LOS MITOS Y SU RELACIÓN CON LAS SOCIEDADES, LAS CULTURAS Y LOS COMPORTAMIENTOS. PARTE I
  103. REFLEXIONES ACERCA DE LA IMAGEN AMBIENTAL MUNDIAL O LA IMAGEN DE LOS “ECOSISTEMAS NUESTROS DE CADA DÍA”
  104. CONSIDERACIONES EN TORNO AL MEDIO AMBIENTE, LOS ECOSISTEMAS, LA TERRITORIALIDAD, EL LUGAR Y LOS IMPACTOS AMBIENTALES
  105. IMAGOLOGÍA LATINOAMERICANA. LOS SÍMBOLOS PATRIOS DE LOS PAÍSES LATINOAMERICANOS. MÉXICO
  106. CUIDADO CON EL SILENCIO. EL SILENCIO DICE MÁS QUE MUCHAS PALABRAS / BEWARE OF THE SILENCE. THE SILENCE SAYS MORE THAT MANY WORDS
  107. Conocer adecuadamente las sociedades y los grupos sociales para poder valorar sus culturas, sus ideologías y sus comportamientos lingüísticos y corporales
  108. ¿CÓMO HABLAR CORRECTAMENTE EN PÚBLICO? LINGÜÍSTICA E IMAGOLOGÍA DEL DISCURSO HABLADO
  109. La educación y la instrucción en México. Historia y actualidad
  110. COMIDA MEXICANA O GASTRONOMÍA MEXICANA
  111. IMAGOLOGÍA POLÍTICA / POLITICAL IMAGOLOGY / ПОЛИТИЧЕСКАЯ ИМАГОЛОГИЯ
  112. Abordando el tema del miedo, el temor y el terror en sus contextos situacionales
  113. ¿POR QUÉ NOS LLAMAN LATINOS? ¿QUIÉNES SON LOS LATINOS Y CUÁL ES SU ORIGEN? ¿Y EL RACISMO QUÉ?
  114. IMAGOLOGÍA AMERICANA: LOS SACRIFICIOS HUMANOS, LA ANTROPOFAGIA Y EL CANIBALISMO
  115. PANORAMA DE MÉXICO EN EL SIGLO XXI. LOS PRINCIPALES PROBLEMAS DE MÉXICO. PARTE I
  116. Protected: FAMILIA MEXICANA: FAMILIA, EDUCACIÓN Y CULTURA SOCIAL EN EL MÉXICO CONTEMPORÁNEO.
  117. Protected: ¿QUÉ DICEN LOS GESTOS? GESTOS Y ADEMANES. LOS BRAZOS Y LAS MANOS EN ACCIÓN
  118. ANALICEMOS UN POCO LOS LENGUAJES DE LA SEXUALIDAD HUMANA
  119. HABLEMOS UN POCO ACERCA DE NUESTRAS SOCIEDADES…, Y DE SEXO Y SEXUALIDAD TAMBIÉN
  120. SEXO Y GÉNERO O SEXOS Y GÉNEROS
  121. ¿QUÉ ES UN SEMINARIO Y CÓMO FUNCIONA EN LA EDUCACIÓN SUPERIOR?
  122. LA LITERATURA O TEXTO PERIODÍSTICO Y SU CLASIFICACIÓN
  123. ¿A qué llamamos literatura científica y técnica o texto científico y técnico?
  124. ¿A qué llamamos discurso jurídico, literatura jurídica o texto jurídico?
  125. UN PANORAMA DE LA MÚSICA MEXICANA
  126. LA IMAGEN DE AMÉRICA A TRAVÉS DE SUS POLÍTICOS Y DE SUS POLÍTICAS. PARTE II.
  127. Las realias y su importancia en la traducción, en la interpretación, en los doblajes, en los subtitulajes, en la creación hablada y escrita de discursos, en la lectura y en Internet
  128. ¡Pobre Haití! ¡Pobre pueblo haitiano! ¡Los primeros y los últimos! ¡Ni los dioses quieren a Haití! ¿Y el manco Mackandal?
  129. CÓMO TRABAJAR CON LOS ESTUDIANTES UNIVERSITARIOS DE CIENCIAS SOCIALES O LA ENSEÑANZA DE LAS CIENCIAS SOCIALES. PARTE IV
  130. TOQUEMOS EL TEMA DE LA LECTURA: LECTURAS, TEXTOS, LIBROS, BIBLIOTECAS, INTERNET…
  131. LA CONTINUIDAD Y LA INTERDISCIPLINARIEDAD EN EL TRABAJO INDEPENDIENTE DE LOS ESTUDIANTES DE CIENCIAS SOCIALES
  132. ¿POR QUÉ UNOS GANAN Y OTROS PIERDEN? HABLEMOS UN POCO ACERCA DE LAS RELACIONES SOCIALES, LA CORTESÍA, LOS PROTOCOLOS Y LAS ETIQUETAS, ENTRE OTRAS COSAS DEL BUEN GUSTO Y EL MAL GUSTO. PARTE III
  133. ¿POR QUÉ UNOS GANAN Y OTROS PIERDEN? HABLEMOS UN POCO ACERCA DE LAS RELACIONES SOCIALES, LA CORTESÍA, LOS PROTOCOLOS Y LAS ETIQUETAS, ENTRE OTRAS COSAS DEL BUEN GUSTO Y EL MAL GUSTO. PARTE I
  134. SOCIOLOGÍA, PSICOLOGÍA, PAISOLOGÍA E IMAGOLOGÍA DE LOS LENGUAJES VERBALES Y NO VERBALES DE LOS PERSONAJES CON MALFORMACIONES O DEFORMACIONES CORPORALES EN LA HISTORIA DE LA CULTURA Y EL ARTE
  135. LA IMPORTANCIA DE LA ROPA, LOS ADORNOS Y LA JOYERÍA. TEMAS DE IMAGOLOGÍA CORPORAL O IMAGEN FÍSICA
  136. EN ESTA NUEVA GLOBALIZACIÓN TAMBIÉN VIVIMOS DEL CUENTO, DEL MITO, DEL MITOIDE Y DEL MITOTE
  137. TERMINOLOGÍA, TERMINOGRAFÍA, TÉRMINOS.
  138. Migrantes o espaldasmojadas o wet back o indocumentados o sinpapeles o balseros o ilegales… Hablemos un poco acerca de otra de las grandes vergüenzas de este continente llamado América.
  139. TEMAS DE LINGÜÍSTICA Y COMUNICACIÓN NO VERBAL: ¿CUÁNDO Y CÓMO APARECIERON EL LENGUAJE CORPORAL HUMANO O COMUNICACIÓN NO VERBAL Y LOS IDIOMAS O LENGUAS O COMUNICACIÓN VERBAL?
  140. COSAS QUE NO DEBEMOS OLVIDAR LOS CONFERENCISTAS Y ASESORES. LA FUNCIÓN DE LA CLARIDAD, LA CONCISIÓN, LA COHERENCIA, LA SENCILLEZ Y LA NATURALIDAD EN LAS CONFERENCIAS Y ASESORÍAS
  141. ¿CÓMO HABLAN Y QUÉ HABLAN LOS POLÍTICOS DE AMÉRICA?
  142. EL SIGNIFICADO DE LA BOCA HUMANA EN LOS MARCOS DE LA COMUNICACIÓN NO VERBAL, EL LENGUAJE CORPORAL Y LA IMAGOLOGÍA
  143. Un paseo por las religiones, las creencias, la magia, la brujería, la santería y todo tipo de ideas. ¿Y el sincretismo?
  144. A propósito de la imagen pública: ¿por qué las personas a veces no se entienden bien? Las cosas que hacen que la comunicación verbal y la comunicación no verbal sean un problema. PARTE IV
  145. Protected: ¡ACLAREMOS!, QUE UNA COSA ES SER ANTI-CLERICAL Y OTRA COSA ES SER ANTI-RELIGIOSO. A PROPÓSITO DEL RECHAZO DE LOS JERARCAS DEL CLERO, PERO NO DE LA RELIGIÓN, QUE SON DOS COSAS TOTALMENTE DIFERENTES
  146. OLFATOS Y AROMAS. UN TRATAMIENTO A PARTIR DE LA IMAGOLOGÍA Y PARA LOS FINES DE LA COMUNICACIÓN NO VERBAL
  147. La XVII Cumbre Iberoamericana en Chile: 8, 9 y 10 de noviembre de 2007. El caso Chávez, Ortega, Rodríguez Zapatero y Juan Carlos o A propósito de las nuevas elecciones 2008 en España o La trascendencia del “¿Por qué no te callas?” PARTE II
  148. A propósito de la imagen pública: ¿por qué las personas a veces no se entienden bien? Las cosas que hacen que la comunicación verbal y la comunicación no verbal sean un problema. PARTE I
  149. PAISOLOGÍA, FILOLOGÍA E IMAGOLOGÍA ITALIANAS: PRERRENACIMIENTO Y RENACIMIENTO
  150. Educación, cultura, ciencia, técnica y fuga de cerebros en América y concretamente en México
  151. LA EXPERIENCIA DEL TERREMOTO DE CHILE DE 2010
  152. CÓMO TRABAJAR CON LOS ESTUDIANTES UNIVERSITARIOS DE CIENCIAS SOCIALES O LA ENSEÑANZA DE LAS CIENCIAS SOCIALES. PARTE II
  153. LA IMAGEN DE AMÉRICA A TRAVÉS DE SUS POLÍTICOS Y DE SUS POLÍTICAS. PARTE IV.
  154. LA IMAGEN DE AMÉRICA A TRAVÉS DE SUS POLÍTICOS Y DE SUS POLÍTICAS. PARTE III.
  155. IMAGOLOGÍA. PROGRAMA DEL CURSO El lenguaje Corporal, ANALIZADO A TRAVÉS DE LA COMUNICACIÓN NO VERBAL
  156. ЯRConsultores de Imagen Social® . M – Z. BIBLIOGRAFÍA EMPLEADA PARA LAS ASESORÍAS, TALLERES, SEMINARIOS, LICENCIATURAS, DIPLOMADOS Y MAESTRÍAS EN COMUNICACIÓN NO VERBAL, LENGUAJES CORPORALES, LENGUAJES VERBO-CORPORALES E IMAGOLOGÍA.
  157. ЯRConsultores de Imagen Social® . A – L. BIBLIOGRAFÍA EMPLEADA PARA LAS ASESORÍAS, TALLERES, SEMINARIOS, LICENCIATURAS, DIPLOMADOS Y MAESTRÍAS EN COMUNICACIÓN NO VERBAL, LENGUAJES CORPORALES, LENGUAJES VERBO-CORPORALES E IMAGOLOGÍA.
  158. COMENTARIOS ACERCA DE LA SEMIÓTICA COMO FUNDAMENTO PARA EL CURSO DE COMUNICACIÓN NO VERBAL. PARTE II
  159. COMENTARIOS ACERCA DE LA SEMIÓTICA COMO FUNDAMENTO PARA EL CURSO DE COMUNICACIÓN NO VERBAL
  160. ORTOGRAFÍA DEL ESPAÑOL MEXICANO O, LO QUE ES LO MISMO, CUÁLES SON LOS PROBLEMAS MÁS COMUNES EN LA LENGUA ESPAÑOLA HABLADA Y ESCRITA EN MÉXICO
  161. ¿POR QUÉ EN MÉXICO (MÉJICO) FELIPE CALDERÓN HINOJOSA HA QUITADO A FERNANDO GÓMEZ MONT DEL CARGO DE SECRETARIO DE GOBERNACIÓN? LAS REGLAS DEL JUEGO DE LA POLÍTICA MEXICANA
  162. TEMAS DE IMAGOLOGÍA Y SOCIOLINGÜÍSTICA. LA ACTUACIÓN Y LA SOBREACTUACIÓN DISCURSIVAS TANTO AL NIVEL VERBAL COMO AL NIVEL NO VERBAL
  163. LA COMUNICACIÓN VERBAL Y LA COMUNICACIÓN NO VERBAL. UNA INTRODUCCIÓN A LA IMAGOLOGÍA DE LOS LENGUAJES VERBO-CORPORALES O, LO QUE ES LO MISMO, DE LOS LENGUAJES VERBALES Y DE LOS LENGUAJES CORPORALES HUMANOS. PARTE 2.
  164. IMAGOLOGÍA DEL LENGUAJE CORPORAL HUMANO. ¿QUÉ NOS DICEN LA CABEZA, LA CARA Y EL CUELLO?
  165. LA IMPORTANCIA DE LA POSTURA CORPORAL O LA CINESTESIA EN LA COMUNICACIÓN O IMAGOLOGÍA DE LA POSTURA CORPORAL O LA CINESTESIA EN SITUACIONES DE MUNDIALIZACIÓN
  166. El lenguaje del narcotráfico, la delincuencia organizada, el crimen organizado, el narcocrimen y la corrupción
  167. Filólogo e imagólogo Fernando Antonio Ruano Faxas
  168. ¿QUÉ ES LA ADULACIÓN, LAMBISCONERÍA O GUATAQUERÍA Y CUÁLES SON SUS ALCANCES?
  169. ¿POR QUÉ UNOS GANAN Y OTROS PIERDEN? HABLEMOS UN POCO ACERCA DE LAS RELACIONES SOCIALES, LA CORTESÍA, LOS PROTOCOLOS Y LAS ETIQUETAS, ENTRE OTRAS COSAS DEL BUEN GUSTO Y EL MAL GUSTO. PARTE IV
  170. ¿POR QUÉ UNOS GANAN Y OTROS PIERDEN? HABLEMOS UN POCO ACERCA DE LAS RELACIONES SOCIALES, LA CORTESÍA, LOS PROTOCOLOS Y LAS ETIQUETAS, ENTRE OTRAS COSAS DEL BUEN GUSTO Y EL MAL GUSTO. PARTE II
  171. A propósito de la imagen pública: ¿por qué las personas a veces no se entienden bien? Las cosas que hacen que la comunicación verbal y la comunicación no verbal sean un problema. PARTE VI
  172. Imagología del falo, pene o pinga, a través de la historia y en la actualidad
  173. ¿Cuándo y quiénes destruyeron la inmensa mayoría de la historia escrita de la Humanidad?
  174. ¿QUIÉNES SOMOS LOS MEXICANOS POR DENTRO Y POR FUERA?
  175. Recordando a los pioneros del tratamiento y la investigación de la comunicación no verbal
  176. Síndrome de acoso institucional, acoso grupal, Mobbing, Bullying. ¿Qué es esto?
  177. Las actitudes mentales básicas y los lenguajes corporales y verbales en la sincronía interaccional
  178. LA COMUNICACIÓN VERBAL Y LA COMUNICACIÓN NO VERBAL. UNA INTRODUCCIÓN A LA IMAGOLOGÍA DE LOS LENGUAJES VERBO-CORPORALES O, LO QUE ES LO MISMO, DE LOS LENGUAJES VERBALES Y DE LOS LENGUAJES CORPORALES HUMANOS. PARTE 1.
  179. PANORAMA DE MÉXICO EN EL SIGLO XXI. LOS PRINCIPALES PROBLEMAS DE MÉXICO. PARTE II
  180. ¡QUÉ RECUERDEN MUY BIEN ÉSOS QUE HABLAN OPROBIOS DE NOSOTROS LOS LATINOAMERICANOS! ¿Y TU ABUELA, DÓNDE TA’?
  181. LA CALIDAD EN LAS EMPRESAS DE SERVICIOS
  182. HACIA LA CALIDAD INTEGRAL SIN FRONTERAS
  183. LA IMPORTANCIA DE LA VISTA Y EL CONTACTO VISUAL EN LA COMUNICACIÓN O IMAGOLOGÍA DEL CONTACTO VISUAL EN SITUACIONES DE MUNDIALIZACIÓN
  184. LA REFORMULACIÓN Y SU RELACIÓN CON LA DIALECTOLOGÍA Y LA TRADUCTOLOGÍA
  185. Comentarios en torno a la correlación entre el léxico general y los vocabularios científicos y técnicos
  186. LA PERSONALIDAD DEL ESTUDIANTE Y LA PERSONALIDAD DEL PROFESOR COMO PREMISAS PARA LA ORGANIZACIÓN DEL TRABAJO INDEPENDIENTE EN LA EDUCACIÓN SUPERIOR
  187. LA LINGÜÍSTICA. PANORAMA GENERAL DE LA LINGÜÍSTICA EN LOS SIGLOS XIX, XX Y XXI
  188. INTRODUCCIÓN EN LA LINGÜÍSTICA. PANORAMA GENERAL DE LA LINGÜÍSTICA DESDE LA ANTIGÜEDAD HASTA EL SIGLO XVIII
  189. ¿POR QUÉ LA GENTE NO SE ACEPTA Y SE RECHAZA CON TANTA FRECUENCIA, Y SI SE ACEPTA LO HACE HIPÓCRITAMENTE? HABLEMOS UN POCO DE LA SINCRONÍA INTERACCIONAL Y SU FUNCIÓN EN LA COMUNICACIÓN HUMANA
  190. Lingüística y filología: diferencias entre estas dos ciencias y su relación con la traductología
  191. La lexicografía: el arte de hacer diccionarios
  192. ¿Qué es lexicología?
  193. El Vaticano y Benedicto XVI están preparando su viaje al Reino Unido (Gran Bretaña, Inglaterra) en septiembre de 2010. ¿Cómo y por qué? El asunto está feo
  194. PANORAMA DE MÉXICO EN EL SIGLO XXI. LOS PRINCIPALES PROBLEMAS DE MÉXICO. PARTE III
  195. LAS CREENCIAS, LAS RELIGIONES, LOS CULTOS Y LOS MITOS Y SU RELACIÓN CON LAS SOCIEDADES, LAS CULTURAS Y LOS COMPORTAMIENTOS. PARTE II
  196. CALIDAD, CALIDAD DE VIDA Y CORRUPCIÓN. PARTE V
  197. CALIDAD, CALIDAD DE VIDA Y CORRUPCIÓN. PARTE III
  198. LA CALIDAD EN MÉXICO / THE QUALITY IN MEXICO
  199. CALIDAD DE VIDA EN EL TRABAJO / QUALITY OF WORKING LIFE
  200. RUSISMO O RUSISMOS Y SOVIETISMO O SOVIETISMOS
  201. ¿Cuáles son los primeros escritos en lengua española? ¿Cuándo se escribió por primera vez en lengua española?
  202. ¡ASÍ ANDAMOS…, ENTRE SECRETOS, FALSEDADES, MENTIRAS Y MEDIAS VERDADES…! PERO, TIEMPO AL TIEMPO…
  203. A propósito de la imagen pública: ¿por qué las personas a veces no se entienden bien? Las cosas que hacen que la comunicación verbal y la comunicación no verbal sean un problema. PARTE V
  204. A propósito de la imagen pública: ¿por qué las personas a veces no se entienden bien? Las cosas que hacen que la comunicación verbal y la comunicación no verbal sean un problema. PARTE II
  205. José Gutiérrez Vivó, “La voz que todo México escucha”, “La voz en español”, comenzó a trasmitir, otra vez, desde Estados Unidos
  206. Apuntes, notas y comentarios de imagología clerical. Hablemos un poco acerca de la mierda: Marcial Maciel Degollado, la Legión de Cristo y los Legionarios de Cristo
  207. PANORAMA IMAGOLÓGICO DEL SISTEMA LINGÜÍSTICO ESPAÑOL O IMAGOLOGÍA DE LA LENGUA ESPAÑOLA
  208. CÓMO TRABAJAR CON LOS ESTUDIANTES UNIVERSITARIOS DE CIENCIAS SOCIALES O LA ENSEÑANZA DE LAS CIENCIAS SOCIALES. PARTE V
  209. CÓMO TRABAJAR CON LOS ESTUDIANTES UNIVERSITARIOS DE CIENCIAS SOCIALES O LA ENSEÑANZA DE LAS CIENCIAS SOCIALES. PARTE VI
  210. CÓMO TRABAJAR CON LOS ESTUDIANTES UNIVERSITARIOS DE CIENCIAS SOCIALES O LA ENSEÑANZA DE LAS CIENCIAS SOCIALES. PARTE VIII
  211. CÓMO TRABAJAR CON LOS ESTUDIANTES UNIVERSITARIOS DE CIENCIAS SOCIALES O LA ENSEÑANZA DE LAS CIENCIAS SOCIALES. PARTE VII
  212. ¿A QUÉ LLAMAMOS DISCURSO HABLADO O DISCURSO ORAL O TEXTO HABLADO O TEXTO ORAL, Y CÓMO SE CLASIFICA?
  213. LENGUAJE CORPORAL O LENGUAJES CORPORALES O COMUNICACIÓN NO VERBAL O CNV O LENGUAJE NO VERBAL